内森·沃尔什（Nathan Walsh）描绘的“既不在这里也不在那里”的世界
内森·沃尔什（Nathan Walsh）凭借著天赋和多年对建筑绘画技巧的掌握，逐渐地成为一位完美的超写实艺术家。他擅长于在城市景观中，变换视角和渲染细节。目前，内森致力于将不同的时间、空间和场景巧妙地融合起来，创造出一个如梦似幻的多元宇宙世界，让人沉浸与向往。
童年的记忆、旅行的印象、周遭的环境，均成为内森多年来绘画的参考点。从这些参考点，他添加细节，例如光的反射，街道的纹理以及层次分明的色彩，然后从不同的角度来创建建筑物和景观。因此，他的画作永远不会沉闷，太多的细节和惊喜让人目不暇接。
从他最近的作品中，如”Rue des Saints”和“Monarchs Drift”，观赏者可以看到内森的求变精神。这两幅画加入了更多的元素和技法，使不同的场景得以相互融合而不冲突；画作更加流畅和更具敏锐性；勾勒出动态的多元宇宙世界。他巧妙地利用消失点（两条平行线在视觉上总会汇聚于很远很远的某一点）的绘画技巧，从中蜕变，升华，从而提供给观赏者更多的想像空间。
我们很荣幸能够采访到这位才华横溢的艺术家。在下面的访谈中，他详细地描述了自己的绘画技巧和心境。我们希望它能激发读者更多的想像力和欣赏角度。
问：你的城市景画非常壮观。将观众带入既令人怀旧而又困惑的世界。首先，请与我们分享你的建筑绘画背景。
答：在英国，我遵循了一条相当传统的艺术教育路线，先是基础课程，接著是学位，然后是硕士学位。我有幸在攻读硕士学位时，师从两位杰出的写实主义画家，史蒂夫·怀特海德 （Steve Whitehead）和克莱夫·海德 （Clive Head）。虽然克莱夫在我还在读书的时候就离开了全职画画，但我还继续和他保持了多年的友谊。虽然这不是正式的教学关系，但我相信他的建议和分享知识的意愿对我的发展至关重要。
大约在2000年代中，写实主义，特别是照片写实主义受到了广泛的关注，尤其是在欧洲。在当时，克莱夫和Ben Johnson等欧洲艺术家，不论在博物馆或是画廊所举办的多项展览，均很突出。其重点是尝试扩展照片写实主义的视觉语言，而不是仅仅重复过去的范本，这一点对我来说很为明显。至关重要的是放弃照片写实主义的绘画主题，通过机械或半机械的方式将图像从源头转移到画布上。必须探索构建图形空间的新视角，而不是投影或仿制图像。通过应用先简单后复杂的透视绘画方式，我可以越来越少地依赖摄影图像及其处理方式。在2005年左右，我的许多画作都是通过单点透视构建的，到了2013年，单幅画作通常有数百个独立的消失点、多条地平线和站点。通过这种演变，我能够完全地掌控绘画过程以及想像的绘画空间。
问：你画作的主要主题是什么？随著时间的推移，它是如何变化？
答：我一直被旅行和冒险所吸引。探索新的城市和环境总是为创作新画作提供机会。随著我的作品开始在我的祖国以外展出，充分利用我的展览开幕式并利用通过摄影和素描所收集到的新的参考资料是有意义的。早期，我的作品本质上非常写实，用颜料描绘城市景观中遇到的各种表面。这些画作经常庆祝他们所被展出的城市。目标是普及现代城市的体验。
随著时间的推移，我相信我的愿景在本质上变得越来越个人化。疫情将这些想法变成我实践的最前沿。我没有出去寻找绘画的主题，而是开始思考如何以更具实验性的方式来使用我过去收集的材料。
这种想法让我想到了我的近作“隐喻”。自2017年以来，我一直在改建的威尔士卫理公会教堂生活和工作。在此期间，该物业已成为一系列物品的所在地，这些物品要么与建筑物相关，要么与我的绘画实践相关。在某些方面，小教堂已经成为我的工作室延伸，充满了符号和参考点，这些符号和参考点与我通过绘画和探索的内容相互关联。“隐喻”始于我多年前在巴黎的一家古董店所拍摄的一系列照片。然而，它很快就变成了一个由现成的物体、图案、绘画和发明的倒影所组成的流动舞台。在一个层面上，它玩弄了内部、外部和反射空间的层次。此外，它还探讨了我与制作物品概念之间的关系以及我对艺术史的浓厚兴趣。从旅行开始，我的作品已经从自然转向探索内在空间。
问：在你的画作中，流畅地描绘了空间的汇聚和发散。请告诉我们更多有关这些概念的信息，以及你如何使用画笔在这些复杂的世界中穿行。
答：我认为这可能与绘画的构造方式有关。独立的消失点提供了一种在空间中固定物体的明确方式。这些点被分组为集中或扩散视觉材料的活动区域。尽管多年以来我一直在使用类似的方法，即使是在2000年代早期的更直白作品中，它在开发我目前正在制作更具参与性和沈浸感的绘画时，肯定有所帮助。现在我更有信心将不同的材料融合在一起，我可以尝试创造漂浮在画面中的分层图像，而不是一个元素占据一个特定的区域。这种方式能够打开梦幻般的想像力和空间。
问：请与我们分享你的一些建筑素描、主题和最吸引你的建筑类型。
答：素描在我的创作实践中扮演著重要的角色，从我在现场制作的视觉笔记到支撑我绘画的复杂蓝图。这些工作图不是模仿现实或基于照片的图像，而是让我通过制作，然后修改线条和形式的过程来创建替代的现实。我在此处收录的近期工作图纸适用于构建和解构的方法。咖啡馆、公共汽车站和博物馆被呈现为内部、外部和反射空间的复合体。尽管它们非常精确，但它们在自然界中并不是固定不变的，而是同时以多种状态存在。我早期的作品倾向于关注当代建筑，但现在的我，则对结合不同时期的建筑更感兴趣。即使处理古老的题材，关键目标也是尝试以全新的方式来呈现以前从未见过的材料。
问：你对透视的使用非常出色。它不仅带给观者超现实感，更延伸至另一个世界，潜意识的世界。如果你不介意，请详细说明这个主题。
答：虽然我的绘画通常从一段报导文学摄影开始，通过透视空间内重新绘制原材料，自动将它们的性质从源材料往上转移。相机作为画家工具的问题是照片使空间变平，而任何严肃画家的目标都是创造和操纵自己的空间。透视在这方面很有用，因为它允许暗示深层的空间和气份。
我对透视的使用不再遵循任何固定的规则或逻辑，在最近的作品中，有时我已经开始完全放弃它。根本上是用一种机械语言替换另一种机械语言。因此，我处理绘画的方法是我相信如此会让本质更为流畅，我会在过程中采用或拒绝某种方法。
我认为我最成功的画作确实暗示了一个与我们自己平行的高度现实。虽然它们参考了我们的世界，但这些新绘制的现实遵守我在制作过程中制定的法则。色彩理论、摄影、透视和油漆的材料品质都在构建这一愿景中发挥作用。
一丝不苟是贯穿我不同绘画时期的特质。即使它们已经开始将不同的地点和时间段拼接在一起，他们仍然具有精确性和清晰度，目的是让观众相信它们的可信度。
问：请与我们分享你最近的一些画作及其背后的故事。
答：我认为过去18个月所创作的《Rue des Saints》和《Monarchs Drift》很好地表明了我最近的想法如何影响了我现在的画作。通常，作为一名艺术家，在产生绘画想法和真正能够构建将这些想法形象化之间，似乎存在著时间滞后。它需要经过深思熟虑并愿意进化才能做出接近我想要的效果。
“Rue des Saints”是一幅以巴黎第七区一家繁忙的咖啡馆为蓝本的画作。这幅画不是从表面上看，而是从其方形格式探索内部、外部和倒影空间。起点是尤金·阿杰（Eugene Atget）不可思议的店面照片，其中3张在构图中以缩影形式复制。然而，随著最初绘图的发展，图形元素在本质上变得不那么固定，形式开始重叠并相互渗透。与照片的静态性质不同，这幅画变成了一个舞台布景，在这里，图像可以漂浮在真实的位置上。展览海报，无论是真实的还是虚构的，都与相框、航拍照片和标牌一起充斥著这个空间。结果是一个自由流动的复合场景，暗示了一个“不在这里也不在那里”的世界。
虽然这种方法确实与20世纪初的立体主义实验有一些相似之处，但其目标不是先拆散再重新组合形式，而是呈现一种高度的、不断变化的现实观。就像经历一个清醒的梦，我希望这幅画在本质上仍然是现实主义，但前提是它所呈现的世界是连贯并且具有说服力。
“Monarchs Drift”结合了内部、外部和反射空间，但在这种情况下，它具有两个不同的城市景观，即芝加哥和旧金山。
由此产生的绘画具有幻觉的品质，即“既不在这里也不在那里”，并且作为一个过渡的世界存在于完全形成的状态之间。它本质上是现实主义的，但前提是它所暗示的空间具有说服力。标题指的是帝王蝶的迁徙，这与我2013年穿越美国的旅行相似。
问：你有什么展览或项目想与我们的读者分享吗？
答：我没有任何固定的展览计划，因为迄今为止我的大部分作品都已经被私人收藏。然而，我对正在进行的新创作的前景感到兴奋。
在过去的几个月里，我一直根据我在伦敦自然历史博物馆的参观经验，来绘制一系列图画。我第一次参观这座美妙的建筑是在我五岁的时候和我妈妈一起，我还保留了那次旅行的展览目录，所以它一定对我年轻的心灵产生了重大的影响。我没有对博物馆进行表面描述，而是结合了空间内不同位置的视图。这些图画还包括维多利亚时代动物标本剥制术和雕刻动物形态的例子，希望能为作品增添俏皮气息。2023年的目标是根据这些实验来创作一幅画。我确实会尽我所能来扩展可能的范围，这可以像增加存在的图形元素数量或引入更动态的调色板一样简单。
在这些图画中，隐约可见皮拉内西想像中的监狱对我的影响，这个主题也贯穿于我工作室墙上的另一幅作品。去年12月，我访问了鹿特丹，目的是为潜在的委托收集材料。我此行的亮点也许是参观了Depot Boijmans博物馆，它被展示为一个完全无障碍的艺术仓库。该建筑探索了艺术存储、处理、修复、唱片制作和展示的许多方面。十四世纪的彩绘雕塑与巴斯奎特的画作并排展示，令人出乎意料且令人兴奋。我已经开始根据这种经历绘制图纸，我想将其与贯穿整个建筑的精神和主题联系起来。这两个项目应该让我忙到2023年，甚至更久。
我认为每天早上走进工作室时，有机会能进行更雄心勃勃、参与度更高的创作，让我兴奋不已。
