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Design and Craft

CORNCRETL wall panel surface by Dinorah Schulte, Designer and Founder of MANUFACTURA, Mexico

CORNCRETL：植根于祖先材料智慧的建筑

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Self portrait. Image credit: Dinorah Schulte. 通过将玛雅石灰传统与机器人制造相结合，Dinorah Schulte 正在重新定义可持续建筑 编者按 在建筑史上，我们常常误以为进步就是取代过去。我们用高碳排放的波特兰水泥取代会呼吸的石灰系统，却忘记土地曾被视为庇护之所的共同参与者。材料并非冷漠的工业产物，它们承载着时间、气候与文化的记忆。 CORNCRETL 的故事跨越一间柏林的 taquería 与一台意大利的机械臂。它讲述的不只是新型 bio-based 材料，而是一种被重新唤醒的材料逻辑。被丢弃的玉米废料与沉寂已久的玛雅石灰传统，在数字制造的语境中重新汇合。 这不仅是一项技术实验。它关乎归属，关乎记忆，也关乎我们如何在未来的建造中保留过去的提问。 虽然 CORNCRETL 植根于墨西哥的祖先知识，这批墙板却在意大利马萨隆巴尔达完成制造。墨西哥农业废弃物与意大利矿物骨料在此相遇，共同成就这场跨洲合作。 — Adelina 在阿兹特克神话中，玉米之神 Cintéotl 的名字意为“玉米穗”，象征着丰收与富足。人们通过纪念他的仪式来加强社区的凝聚力，也强化了集体劳作精神。正是这种集体努力，使玉米种植得以延续。对于中美洲的古老文明而言，玉米远不只是一种粮食作物。在纳瓦特尔语中，它被称为 tlaolli，意思是“我们的生命所依”。几千年来，玉米一直支撑着人们的精神世界、经济体系和社会结构。 七千年后的今天，墨西哥每年仍有约 38% 的玉米产量被白白丢弃。其中近 30% 的浪费，相当于每年约有 280 万张玉米饼悄无声息地消失。玉米加工过程中产生的废水 nejayote 富含钙质，却常常被直接排放，尽管其中含有丰富的抗氧化物和酚类化合物，且已有研究显示其具备抗炎甚至抗癌的潜力。与此同时，那种古老的 Sak-Kaab 材料智慧，即玛雅人所称的“白色大地”的石灰传统，在波特兰水泥长期主导的现代建筑体系中逐渐被遗忘。传统上，这种石灰需要在露天条件下以约 900°C 的高温煅烧，再与富含钙的贝壳粉混合，并在自然环境中缓慢熟化。 CORNCRETL 的故事，正是从废弃物与失传知识的交汇处开始，以一种全新的材料逻辑悄然问世。 Nixtamalized corn kernels, the raw agricultural waste at the origin of CORNCRETL, Image […]

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OnCue's vibrant orange base and elevated keycaps create a distinctive therapeutic tool that transforms typing into an accessible activity for Parkinson's patients.

设计赋能：OnCue键盘如何改变帕金森患者的生活

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Designer Alessandra Galli with OnCue prototypes in her lab at TU Delft, where she developed the award-winning therapeutic device. Image credit: Roel Vink 詹姆斯·戴森奖得主Alessandra Galli谈创造赋能科技的心路历程 来自二十八个国家的两千一百多件参赛作品中，二十九岁的意大利产品设计师Alessandra Galli凭借治疗性键盘OnCue脱颖而出。她的作品专为帕金森病患者设计，获颁二〇二五年詹姆斯·戴森国际大奖（James Dyson Award），并获得三万英镑奖金，用于推动原型迈向产品化阶段。 最近，我们与Galli进行了一场深度对话，听她讲述设计背后的故事、对帕金森社群的长期承诺，以及她对“辅助产品既要美观也要实用”的坚持。 “我真正想改变的不是他们打字的速度，”Galli说，“而是当他们坐到电脑前、准备按下第一个键时的那种感觉，让他们不再沮丧，也不再觉得自己无能为力。” The OnCue wearable provides increasing vibration feedback when a finger remains on a key too long. Image credit: Roel Vink 从米兰到代尔夫特：最后一次纯粹为理想而设计的机会 Galli的职业道路始于米兰，她在那里获得产品设计学士学位并工作了四年。新冠疫情期间，她搬到荷兰代尔夫特理工大学攻读综合产品设计硕士学位，OnCue成为她的毕业项目。 “我知道这是我在学术层面学习的最后机会，”Galli解释道，“因为我读硕士前已有工作经验，我深知学生身份有多珍贵：你可以暂时抛开商业限制，用完全不同的方式去探索。” 一句话，改变了一切

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Umbra Pavilion by Pauline van Dongen by Pauline van Dongen, Founder of Studio Pauline van Dongen, Next Generation Textile, Netherlands

Pauline van Dongen：重塑太阳能为鲜活的感官体验

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Pauline van Dongen, Image credit: Jurre Rompa 当科技遇上触感设计 在2025年荷兰设计周上，“Umbra”装置惊艳亮相，完美诠释了设计师Pauline van Dongen的核心信念：能源转型绝非仅靠技术方案就能实现，更需一场深刻的文化变革，让可再生能源变得触手可及、充满吸引力，并真正融入人们的日常生活。随着城市热岛效应日益严峻（夏季市区气温往往比周边乡村高出8°C），van Dongen的作品不仅提供实用的降温之道，还为太阳能基础设施注入全新美学语言，使其超越传统屋顶面板，真正成为我们居住空间的有机组成部分。 “Umbra”設計高出地面9.6米，其波浪起伏的太阳能纺织品顶篷为下方190平方米的公共空间洒下斑驳光影。但这远不止一个遮阳结构：150个有机光伏组件无缝嵌入材料之中，白天悄然汲取阳光，夜间则通过四个LED聚光灯点亮整体结构，化身为璀璨发光的装置，彻底重塑城市广场的夜间风貌。这便是heliotex——一种革命性的太阳能纺织品，代表着Pauline van Dongen从可穿戴科技服装设计演进到探索城市如何产生、感知和利用可再生能源的转型之作。 近日，我们有幸对话Pauline van Dongen女士，深入探讨“Umbra”装置与heliotex的开创性实践，以及她如何巧妙桥接可穿戴技术与建筑干预，让太阳能不仅实用，更兼具沉浸式体验、美学魅力与深层人文关怀。 Umbra Pavilion by Pauline van Dongen, Image credit: Studio Pauline van Dongen 将能源设计为感官体验 对Pauline van Dongen而言，太阳能早已超越单纯的技术解决方案。“它是我们赖以生存的根本，悄然塑造着我们的习惯与认知，我们的生活方式，以及我们与环境的关系。”她如是解释。通过“Umbra”装置，她巧妙运用丰盈的材料质感，唤醒多重感官，让太阳能真正走近人心。 “装置从不刻意‘解释’太阳能，它只让你‘感受’太阳能：光影的流动，色彩的变幻，韵律的起伏，以及有机形态的语言。”van Dongen娓娓道来。她拒绝将能源生成局限为工业设施或屋顶阵列的抽象概念，而是营造出令人驻足的场域，让人们亲身发现：太阳能也可以如此柔软、温润、充满吸引力。“唯有如此，我们才能跨越屋顶与地景的面板，将能源编织进日常栖居的空间，融入我们的文化想象。” 这一理念与传统可再生能源基础设施形成鲜明对比，后者往往把效率和产出放在首位。van Dongen认为，能源转型要真正成功，就必须让它成为文化的一部分，而不只是冰冷的基础设施。 Umbra Pavilion by Pauline van Dongen, Image credit: Studio Pauline van Dongen heliotex背后的技术 “Umbra”装置的灵魂在于heliotex，这是一种将柔性有机光伏（OPV）太阳能电池直接编织进纺织品的技术创新。与传统刚性硅面板截然不同，OPV赋予太阳能发电以柔韧性、可折叠性，并能随心适应多样形状、色彩与编织纹理。目前，每平方米输出功率为53瓦，虽不及硅光伏，但van Dongen认为，这种简单对比完全偏离了本质。 “人们对性能的预期仍受硅光伏主导，因此我们必须坦诚沟通权衡：柔韧性、美学与集成性，换来的是对原始效率的适度让步。”她指出，正是这项技术开辟了前所未有的应用场景，而刚性面板在此类情境中要么无从实现，要么有违美学追求，例如波浪起伏的建筑顶篷、纺织立面，或节庆临时结构。 “Umbra”装置采用40平方米heliotex，其中嵌入8平方米太阳能电池，并连接至3千瓦时储能系统。整个纺织结构每平方米仅重500克，相比传统建筑材料或太阳能装置，轻盈得令人惊叹。

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Boiling Point（沸点）：源于水泡灵感的可复用包装

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Self portrait. Image credit: Inna-Efimova Inna Efimova的环保意识设计，将日常汤料容器转变为可持续的雕塑般物品 当今世界日益关注减少浪费和拥抱循环经济，包装设计的发展早已超越了单纯的功能性。Boiling Point（沸点），一个由西班牙艺术总监兼设计师Inna Efimova提出的创新概念，正是此种转变的例证。该项目由Vladimir Kuznetsov负责3D视觉呈现，从水达到沸点时的动态瞬间汲取灵感，重新构想了汤料包的食品容器。最终的成果是一系列可回收的环保塑料容器，它们融合了生态责任、材料效率，以及植根于自然有机形态的鲜明视觉形象。 Organic shapes emphasize imperfection as an aesthetic value | Design by Inna Efimova, 3D visuals by Vladimir Kuznetsov 从厨房观察到设计突破 Efimova的创作之旅始于她自己的厨房。”我个人经常使用汤料包，会把它们添加到菜肴中，或作为独立的一餐享用，”她在一次独家问答中解释道。有一天，烹饪时，她注意到谷物与上升的气泡如何相互作用，形成了复杂而流动的形状。如此日常的现象激发了她的概念。Efimova最初设想的是完美的球体，但通过开水实验她改进了想法，意识到气泡很少是均匀一致。”它通常是流动的、有机的、不规则的，”她指出。此洞察促使了容器气泡几何形态的诞生，将不完美升华为一种美学优势。 该设计将水的转化能量融入实用的包装中。不规则的、受气泡启发的表面创造了一种触觉体验和独特的品牌语言，使容器在货架上脱颖而出。Boiling Point完全由轻质、耐用的可回收环保塑料制成，与传统塑料相比，最大限度地减少了对环境的影响。它的模块化特性促进了重复使用：享用完汤料后，用户可以重新装入谷物、豆类或扁豆等干燥物品，从而延长产品生命周期，并与循环经济原则保持一致。 Boiling Point by Inna Efimova | Visualization by Vladimir Kuznetsov 巧妙的设计促进正念消费 透明度是Boiling Point魅力的核心。一个清晰的”沸点”窗口展示了内部的成分，通过鼓励明智的选择来培养消费者意识并减少不必要的浪费。容器提供三种灵活的尺寸（300克、150克和75克），满足不同的家庭需求，进一步防止食物过度使用。初始系列包括精心策划的汤料包：干小麦与扁豆、豆类扁豆与米饭、以及大米与胡萝卜。 Efimova希望通过深思熟虑的设计来构想行为的改变。”为鼓励重复使用，包装采用了耐用、安全的材料，兼具吸引人的美感和便捷的形态：它易于打开、清洁无忧、标签也易于去除，”她说。为衡量成效，她计划与零售商和可持续发展平台合作，追踪产品生命周期、监控重复购买率，并评估用户对重复使用相关信息的参与度。 Packaging made entirely from recyclable eco-plastic | Design

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Fevvers' proof-of-concept debut: a plant-based feather alternative adorning a corseted evening gown at Stella McCartney SS26.

Fevvers x Stella McCartney：时尚的无羽未来

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突破性植物基材料于巴黎T台惊艳登场。 数百年来，羽毛一直是时尚界优雅与戏剧性的象征。然而，在这华丽外表背后，动物福利和环境影响问题日益凸显。行业报告揭示了羽毛和羽绒的广泛使用，以及采购和加工过程中持续存在的争议。寻找一种可信的替代品已迫在眉睫。 英国材料创新工作室Fevvers开发了一种植物基结构，为创造动态、纹理和轻盈感提供了新的途径。这一概念验证品在Stella McCartney 2026年夏季系列的巴黎秀场上亮相，它呈现的不是羽毛的模仿品，而是一种适用于高级定制表面的全新美学语言。 Early design sketch of Fevvers material structure on cloth. Image credit: Fevvers 突破材料科学新领域 Fevvers由Nicola Woollon和James West于2025年创立，致力于解决时尚界尚未攻克的难题。他们的目标不是简单模仿，而是打造独特的材料特性。该团队在自然与科学、设计与耐用性的交汇处进行研发，不断提升材料的强度、柔韧性和表面处理，创造出精致而充满活力、动感十足的成果。 长期以来，羽毛一直是可持续材料开发中的盲点。皮革、皮草和珍稀皮革现在都有了成熟的替代品，而羽毛和羽绒仍然依赖复杂的全球供应链和化学加工。Fevvers的出现填补了这一空白，它在视觉表现上毫不逊色，同时避免了任何动物成分。 Oscar-winning actor Helen Mirren opens Stella McCartney SS26 at Centre Pompidou, Paris. Image credit: Stella McCartney T台实现愿景 在 Stella McCartney 2026年夏季系列中，Fevvers材料以柔和的粉彩色调出现在束胸礼服和结构感紧身胸衣上，赋予服装生动感。这场在蓬皮杜艺术中心（Centre Pompidou）举办的发布会以海伦·米伦（Helen Mirren）的口头介绍开场，为创新与传统工艺的结合奠定了基调。 为了让这种表面材料栩栩如生，Stella McCartney与孟买的Chanakya International 进行了合作。这家公司以精湛的刺绣和纺织工艺而闻名。通过与拥有数代传承技艺的工匠以及Chanakya工艺学院的合作，本次联名将新材料与鲜活的传统工艺结合起来，同时致力于赋权女性经济。 每一根纤维都创造出纹理和戏剧效果，同时完全符合道德意图。据报道，该系列使用了百分之九十八的负责任材料，并且不含皮革、羽毛、皮草和珍稀皮革。 Fevvers’ proof-of-concept debut: a plant-based

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Kitchen Cosmo transforms cooking into a tactile, collaborative experience between human and machine.

触感厨房

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Self portrait, Image credit: Ayah Mahmoud Self portrait, Image credit: Jacob Payne 两位麻省理工学院的学生打造了一款无屏幕的智能厨房伴侣，它能够识别食材，感知心情，更重要的是还能与你一同设计晚餐。 在麻省理工学院的实验室里，学生雅各布·佩恩（Jacob Payne）和阿雅·马哈茂德（Ayah Mahmoud）创造了一款颠覆传统人工智能厨房应用概念的设备。他们将其命名为“厨房宇宙”（Kitchen Cosmo）。这是一位带有复古未来风格的智能伙伴，把日常烹饪转化为人与机器之间的协作体验。我最近采访了雅各布·佩恩，以下内容基于那次对话。 Custom recipes print on thermal paper, transforming digital suggestions into physical keepsakes. Image courtesy of Jacob Payne and Ayah Mahmoud. 这台鲜红色的原型机让人联想到二十世纪中期厨房用品的温润质感，与当下充斥屏幕的智能设备形成了鲜明对照。“厨房宇宙”不依赖触摸屏和语音指令，而是邀请使用者通过触感进行交流。家庭厨师可以通过按钮、开关、滑块和情绪表盘来设定偏好。这个情绪表盘可以表达怀旧、探索，或者只是单纯想要处理掉冰箱里剩菜的心情。 佩恩说：“厨房里的智能设备越来越依赖屏幕，而我们特意将‘宇宙’设计为无屏幕的形式，希望让厨房这个本质上充满感官体验的空间，保留更多的物理性而不是被数字化取代。” 他补充道，这些工具的意义不仅体现在创意的规模，更在于文化层面的共鸣。他希望通过人工智能的叙事能力，让设计师与使用者一同参与更加包容的故事创作，从而使我们构建的体验能够真正扎根于所服务的社区。 The device’s integrated camera recognizes available ingredients to inspire personalized meal suggestions | Image courtesy

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Gantri's newly launched digital manufacturing platform designed to support emerging designers and brands.

革新设计制造：Gantri Made如何让产品开发走向大众化

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Gantri’s newly launched digital manufacturing platform designed to support emerging designers and brands. Image credit: Matthew Gordon 这家来自加州的初创企业将设计周期从18个月压缩至3个月，同时降低成本并推动可持续发展 设计行业长期面临一个根本性矛盾：创意可以自由涌现，但从概念到市场的路径却往往缓慢、昂贵而复杂。传统制造需要六位数的资金投入，18个月的开发周期，以及庞大的起订量，这些条件往往让新兴设计师和小型品牌望而却步。 总部位于加州的照明公司Gantri正在打破这一局面。它推出了全新的Gantri Made平台，通过数字化制造创新，彻底重塑产品开发流程，为更多创作者敞开进入市场的大门。 3D-printed lighting panels housed within a USM Haller modular frame system. Image credit: Matthew Gordon 打破创意表达的壁垒 Gantri Made在纽约设计周正式亮相，这一发布标志着设计与品牌开发模式进入了全新的阶段。平台将传统长达十八个月的开发周期压缩至仅需三个月，同时把前期投入从六位数降低到约一万美元。时间与资金门槛的大幅下降，为那些过去因制造壁垒而被阻挡在外的创作者群体打开了全新的可能性。 Gantri创始人Ian Yang表示：“Gantri Made是我们迈向未来制造愿景的第一步。自公司创立以来，可持续解决方案与优质设计始终是我们使命的核心。我们非常高兴能够邀请不同阶段的设计师加入我们的世界，无论是成熟品牌还是新兴的独立创作者。” 在一次采访中，Gantri销售与市场副总裁菲利普·劳布（Phillip Raub）进一步阐述了这一平台的革新意义：“设计、品质与效率对我们来说都是不可妥协的。Gantri的理念源于Ian在制造、科技与设计领域的丰富经验与热情。Gantri Made将这些理念融合在一起，挑战家居设计行业的既有模式。” 该平台尤其面向中小型家居品牌、定制家具制造商以及独立设计师。这些群体在过去常常因制造经济的限制而面临重重困境。通过取消最低订购量、模具要求和大规模库存承诺，Gantri Made使创作者能够在风险显著降低的情况下探索全新的产品类别与设计方向。 Rarify and Gantri’s collaborative modular lighting design featuring

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The Waxing and Waning Series 2, 2024 Woven from ramie, China grass cloth, and bamboo, this piece continues the meditative essence of The Entropy Reduction of Hundun, embodying the eternal cycle of yin and yang. The interwoven circles reflect the waxing and waning of energies, the shifting densities symbolize space time's fluidity, and the contrast of textures affirms balance in opposites. A visual journey through cosmic rhythms, it invites contemplation of life's perpetual evolution and dynamic equilibrium by Wanbing Huang

循道自然：黄婉冰（Wanbing Huang）的韵律创作

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Self portrait, Image credit: Wanbing Huang 在农业原型中寻找宇宙的韵律 在历史传承与创新表达的精妙交织中，鲜有艺术家能如黄婉冰（Wanbing Huang）这般深思熟虑地游走其间。毕业于伦敦中央圣马丁学院的她，通过独特的当代视角，对中国文化遗产进行了细致入微的重新诠释。她的创作实践深深植根于农业原型、世代相传的知识以及自然材料的本质，构建了一座跨越地域界限的桥梁。 黄婉冰的作品体现了她所称的”东方时间”哲学，这种理念尊重循环律动和具象记忆的实质元素，摆脱了线性发展的束缚。这使她能够提炼并提升中国特有的元素，创造出超越单一文化背景而产生共鸣的作品。 艺术家在材料选择上的细腻考究，揭示了一种超越纯粹美学考量的创作哲学。苎麻、夏布、竹以及其他传统元素，在她手中并非单纯的创作工具；它们化身为“时间的器官”与“文化记忆的延伸”。这种精炼的感知力，是在她多元的国际教育背景下磨砺而成。在此期间，她不仅学会了审问基本预设，同时亦加深了与《易经》等恒久中华宇宙观传统的连结。 Transformation of formless Chi into the tangible rhythm of Cadence., Image credit: Wanbing Huang 由此诞生的作品，时常转化诸如谷仓、蚕茧等农耕符号，本身便化为一方庇护之所，既体现了守护，亦寓示着蜕变。她对物质材料及其无形文化底蕴之间复杂互动的开创性探索，为她赢得了国际赞誉，实至名归。其中包括入围罗意威基金会手工艺奖（Loewe Foundation Craft Prize）决赛，以及作品登载于《T》杂志、《Beaux Arts》杂志等知名出版物。 黄婉冰艺术实践中最鲜明的特点或许是她坚决拒绝肤浅的文化拼贴，而选择真实而深刻地传达文化遗产。她建议新兴创作者首先”保持沉默，走向土地，与祖先对话”，然后才尝试任何形式的文化表达。 在我们这个常被喧嚣与持续加速所裹挟的时代，她的作品提供了一条别样的路径，邀请观者放缓脚步，通过那些既回响着历史意蕴、又直指普世人类经验的形态，重新连接感官记忆的深层智慧。正如她所阐释的，她对“自然、精神、文化、故事和本土材料”的持久迷恋，驱动着其艺术之旅在坚定植根于中华传统丰厚土壤的同时，不断探求普世的共鸣。 The Divinatory Line Series 5, 2024. This collection unites ancient wisdom with contemporary vision, translating universal complexities into abstract totems. Inspired by the

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'Ebb Tide' by Polly Adams Sutton, Basket Artist, Washington State, USA

波莉·亚当斯·萨顿 (Polly Adams Sutton) 的《落潮》：当代篮艺杰作

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Self portrait, Image credit: Polly Adams Sutton 波莉·亚当斯·萨顿 (Polly Adams Sutton) 的《落潮》：当代篮艺杰作 波莉·亚当斯·萨顿 (Polly Adams Sutton) 的篮子作品《落潮》(Ebb Tide) 入围了2024年Loewe基金会工艺奖全球决赛的前30名，其迷人的特质让人容易理解其中原因。这个篮子以其有机、波动的形态为特征，展示了天然和黑色染料材料之间引人注目的互动，增强了作品的三维质量，使其成为当代篮子艺术的一个引人入胜和美丽的例子。 ‘Ebb Tide’, Image credit: Paul deRoos 《落潮》的灵感来源于萨顿在太平洋西北部家附近萨利希海(Salish Sea)不断涨落的海洋潮汐。其精湛工艺体现在萨顿细致的编织技术中，天然纤维，主要是雪松皮，与黑色藤条或类似材料巧妙地交织在一起，形成了一个复杂而和谐的设计。篮子的边缘以编织完成，增加了结构完整性和美学吸引力。其不对称的形状，带有曲线和凹陷，赋予其独特的，几乎是雕塑般的存在。这种形态突显了萨顿将天然材料塑造成令人愉悦的艺术品能力。 ‘Pleasant Corners’, Image credit: Bill Wickett 萨顿只在得到许可的情况下，从将被砍伐的树木中收集树皮，并且所有材料在编织前都需要精心准备。她的篮子编织之旅始于她的雕塑和绘画背景，随后加入了西雅图的编织者行会，在那里她学会了制作小篮子。后来，她在一所新开的编织学校帮助教授雪松树皮课程，并爱上了这种材料，从那时起一直教授篮子工艺。萨顿开始使用雪松，并从海岸萨利希族编织者埃德·卡里埃(Ed Carriere)、安娜·杰斐逊(Anna Jefferson)、莉莲·普伦(Lillian Pullen)和弗兰·詹姆斯(Fran James)那里学习。她没有追求传统的篮子编织，因为她觉得并不属于她。反而，她让作品演变成复杂的雕塑形式。 ‘Bear Bark’, Image credit: Paul deRoos 起初，萨顿认为她可以从一个想法开始，勾勒出一个形状，然后尝试在编织中重新创造它。然而，她很快就意识到，脑子里有一个固定的想法并没有效。材料，特别是在潮湿时，非常柔软且有弹性，于是她允许它们在一定程度上自行塑形。她发现她需要让这个过程自然展开，而不是试图强加预定的形状。当她编织时，她会观察形状的走向。如果她喜欢它的方向，她会用手或调整她所使用的金属丝张力来轻轻地影响它。这使得整件作品能够有机地发展。她意识到先入为主的想法常常会干扰自然的流动，所以她让材料来引导她。这种方法产生了独特的、自发性的形式，反映了材料和编织过程的内在品质。 Image credit: Bill Wickett 萨顿的作品通常以斜纹编织为基础。在加入金属丝时，她使用了一种缠绕技术，将一根金属丝缠绕在另一根金属丝上，产生编织效果。她使用的雪松颜色从浅金棕色到红棕色不等。她曾尝试将雪松浸泡在锈水中使其变黑，虽然产生了惊人的效果，但会削弱雪松的强度，所以她并不广泛使用这种方法。为了对比，她有时会使用来自篮子供应公司的黑藤或从另一家白蜡篮制造商购买的白蜡，因为白蜡不是华盛顿州本地所产。编织过程需要仔细放置每一针，金属丝将结构固定到位，允许随着她的进步进行调整。这种技术提供了一种自由感，使她能够在需要时进行改变和修改。 萨顿最难忘的项目之一是使用新材料黄雪松。与红雪松不同，黄雪松属于不同科，生长在华盛顿到阿拉斯加。她开始使用朋友在阿拉斯加收集的黄雪松外树皮，并尝试将通常被丢弃的外树皮融入作品。黄雪松外树皮具有独特的微红色，非常片状，除非附着一些内树皮，否则难以加工。弄清如何将其有效地融入编织一直是个有益的挑战。雪松随着时间的推移保持良好状态，许多由雪松树皮制成的旧篮子仍在博物馆和收藏中，状况良好。知道她的创作可能会世代相传，使用雪松进行编织既具挑战又有回报。 ‘Facing the Unexpected’, Courtesy

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By Yong Ju Lee, Architect, South Korea

青苔柱：自然与技术之间的新联盟

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Image credit: Yong Ju Lee 青苔柱：自然与技术之间的新联盟 在COVID-19大流行的阴影下，我们与生活空间的关系经历了深刻的变革。在这一背景下，南韩的Yong Ju Lee建筑事务所引入了一项创新探索——青苔柱，这是一个将生命体的本质与建筑设计的精确性结合起来的项目。此原型标志着建筑行业新时代的到来，挑战了建筑材料长期以来保持不变的现状。 Image credit: Yong Ju Lee 这一开创性项目的核心是一个简单而深刻的概念：直接将青苔嵌入人造材料中。青苔以其低矮以及非维管的结构，不需要土壤滋养，使其成为这个实验的理想选择。它们可以锚定，无需深根或广泛的护理即可茁壮成长。这一特性允许使用先进的计算工具制作出复杂且高分辨率的设计，创造出有机与无机之间的共生关系。 Image credit: Yong Ju Lee 采用最先进的建筑技术，包括配备工业机器人臂的大型3D打印机，青苔柱项目将一度被认为难以实现的复杂形态变为现实。这种创新方法不仅旨在将绿色植物整合到建筑中，而且寻求在自然和人造结构之间建立无缝的联系，反映了一种模仿自然界自身有机过程的共生关系。 项目利用一种称为反应-扩散系统的数学模型来模拟自然生长和衰退的复杂模式，使得创造一个动态结构成为可能，在这个结构中，青苔不仅装饰而且积极融合进其3D打印的基础中。采用熔融颗粒制造（FGF）技术，并通过6轴机器人臂操作，确保这些设计不仅具有远见，而且可行，标志着迈向可持续和环保建筑实践的重要一步。 Image credit: Yong Ju Lee 这一努力不仅仅是一个实验；它是重新思考我们如何将自然世界整合到城市景观中的呼吁。通过突出数字、物理和自然元素之间和谐共存的潜力，青苔柱项目为建筑行业的未来创新铺平了道路。它展示了技术和自然不是对立，而是合作伙伴，共同创造一个可持续、能呼吸的城市环境。 当我们展望未来时，这种整合的含义是广泛的，承诺将彻底改变我们构思和建造生活空间的方式。通过像青苔柱这样的项目，Yong Ju Lee建筑事务所不仅挑战了传统设计的界限，而且还邀请我们设想一个新的城市愿景。 建筑师：Yong Ju Lee Architecture 制造：首尔科技大学机器人制造工作室设计团队：Jisu Noh 和 Hyun Kyung Yoo

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