光彩折射：布伦特·基·杨 (Brent Kee Young) 的玻璃艺术
布伦特·基·杨 (Brent Kee Young) 是当代玻璃艺术界的杰出人物，被誉为大师级工匠、创新艺术家和敬业的教育者。作为克利夫兰艺术学院的荣休教授，他的影响力远远超越课堂，遍及美国和亚洲的著名博物馆、画廊和收藏机构。他的最新作品”瀑布” (“Cascade”) 即将在西雅图-塔科马国际机场首次亮相，进一步巩固了他在该领域的卓越地位。
杨在整个职业生涯中，一直展现出他在玻璃艺术领域中的创新能力。从早期的《化石》 (Fossil Series) 系列（曾在史密森尼美国艺术博物馆的伦威克画廊展出）到开创性的《矩阵》系列 (Matrix Series) （同样收录于伦威克画廊），杨的作品以精湛技术和创意深度吸引着观众。特别是《矩阵》系列，突显了他对火焰加工硼硅酸盐玻璃棒的掌控，创造出复杂的网状结构，挑战了传统的玻璃艺术观念。
杨的艺术创作核心在于通过精密设计和细致入微的技法展现玻璃的自然流动美。他独特地运用光影效果，创造出实体与虚空之间令人着迷的互动。作品中流畅的、仿若神经网络的图案唤起动感和互联的感受，同时整体造型在坚韧与脆弱之间达成微妙平衡。这种和谐的反差引导观者思考自然与人工领域的交汇，将刚硬与柔软、实体与虚幻无缝地结合在一起。杨作品中错综复杂的精巧设计呼应了我们世界的互联性，折射出自然现象、人类思维和艺术表达中的共通模式。
杨独树一帜的玻璃艺术为他赢得了诸多殊荣，其中包括俄亥俄艺术委员会颁发的个人卓越奖，奠定了他在美国及国际工作室玻璃运动中的重要地位。在最近的一次深入对话中，杨深入分享了他的创作历程、艺术哲学及职业发展，使人们得以更全面地了解他对玻璃艺术的热忱、精湛技艺和创新思维。布伦特·基·杨的作品持续影响着当代玻璃艺术的发展方向，不仅启发了全球新锐艺术家，更进一步彰显了他在这一领域的深远影响和卓越贡献。
问：您的《矩阵》系列展示了由火焰加工的硼硅酸盐玻璃棒制成的复杂网状结构。是什么启发您发展这种独特的技术并专注于这些复杂的形态？
答：《矩阵》系列源于我对实验的执着，这是我在教学理念中强调的一个重要原则。我相信艺术家在整个职业生涯中持续实验至关重要，而不仅仅是在初始学习阶段。
这个系列的灵感来自大自然和我的周围环境。我观察到自然界中定义形状的闪烁光线、沙丁鱼群形成的图案，甚至是我工作室旁边一座被拆毁建筑留下的钢筋堆。我最初考虑将那些钢筋焊接成一个立方体形状的户外雕塑，因而激发了我用玻璃创造类似作品的想法。
大约在2002年，我创作了这种风格的第一件作品 – 一个内部有负立方空间的半球体，直径约16-18英寸。这是我首次使用硼硅酸盐玻璃，虽然我从70年代就开始用火焰加工技术创作《化石》系列。当我在教师展上展出这件作品时，由于它与我之前的作品有着鲜明的差异，引起了很大的好奇。
受到这种反响的鼓舞，我继续朝这个方向发展，并于2004年在华盛顿特区举办了我的第一次《矩阵》系列展览。从那时起，我决定完全专注于这种技术，搁置了我的吹制玻璃作品和其他方法。
为了帮助人们形象化这个概念，我经常用一个被切成立方体然后想象成玻璃的风滚草作为例子。这给人一种我用玻璃棒创造出复杂网状结构的概念。
值得注意的是，我是通过实验而不是正式的工作坊或培训来发展这种技术。这种边做边学的方法贯穿了我的整个职业生涯，包括我发展铸造技术的时候。我相信这种实验性的方法对艺术成长和创新至关重要。
问：您是如何选择玻璃雕塑的主题？
答：我的主题通常来自于各种环境中引起我兴趣的物体。 例如，我可能会在艺术博物馆看到一个有趣的篮子形式，或者在我职业生涯的早期，在旧金山唐人街的街头集市上，我根据看到的蔬菜篮子创作了一件作品。
我的许多物品都或多或少受到民间艺术或其他我遇到的有趣形状的启发。我用这些作为起点，学习如何在玻璃中创造新的形状。这是一种通过用不同的、更复杂的媒介来呈现这些传统形式的方式，以此来致敬它们。
我也使用更多几何形状，如立方体、球体、椭圆形和拱形，它们创造了一种不同类型的视觉对话。 这些形式使我能够在同一技术中探索各种艺术构图和表达方式。
这个过程非常劳动密集，虽然不一定高度技术化。它类似于在空中焊接，用T形连接结合玻璃元素。每一个曲线和每一个连接都经过仔细弯曲和连接，几乎就像用玻璃棒在三维空间中绘画。
作品的复杂性是其吸引力的一部分。它通过详细的玻璃棒操作过程，将熟悉的物体转化为非凡的事物。
问：您能为我们介绍一下《矩阵》系列的创作过程吗？您是如何设计和构建这些复杂的作品？
答：我的创作过程几乎总是从一张示意图开始，这是作品的计划。对于球体等形状，我使用一个叫做”实体旋转体积”的概念，即将一条圆线围绕轴线旋转。我建造一个玻璃骨架，当它转动时，会形成一个半球体，指导我的工作顺序。
我经常创建一个玻璃下部结构，一种脚手架，来进行工作。这给我提供指导，有时也成为最终作品的一部分。物理上的焊接并不是最具挑战性的部分；难度在于设计构建形状的方法。在这方面，它类似于建筑学。
我的工程学背景帮助我设计这些不同的基本形式。这些部件最初并不是为一个单元所构建，而是分段构建——可能有多达七个、八个或更多个独立部件，这些部件随后被组装起来形成整体。
我追求的美学既具有混乱的氛围，又具有结构的完整性。这种二元性有助于吸引观众并参与作品，同时也展现了材料的特性。
尽管外观精致，但这些作品却出奇的坚固。它们足够坚固，可以搬运、移动并运往全国各地的画廊和博物馆。虽然如果处理不当它们会破裂，但由于硼矽酸盐玻璃的性质及其基质结构，它们比看起来要坚固得多。许多小元素连接在一起的网络创造了一个结构健全的部件，但显然不如实心玻璃球那么坚固。
这种表面的精致和实际强度之间的平衡是使这些作品引人入胜的部分原因。
问：您在《矩阵》系列中对光的运用使雕塑变得非常美丽。您能告诉我们更多关于这方面的讯息吗？
答：光的相互作用是我设计过程中不可或缺的一部分。这对于定义每件作品的形式至关重要。为了说明这个概念，想想观察一个花瓶或任何体积形状 – 光与其相互作用的方式有助于揭示其结构和形态。
这种现象的一个美丽例子可以在蒙特雷湾水族馆看到。他们有一个展览，里面有成千上万的沙丁鱼，当这些鱼游动时，反射在它们身上的光创造出一种令人着迷的效果。你看到的是光的片段，小小的闪光帮助定义了整个鱼群的整体形态。这与我在我的玻璃结构中想要达到的效果类似。
在我的作品中，你不会一次看到整个形态被照亮。相反，你会看到在某些点反射的光线，这有助于定义整体形状。形态的某些部分你可以看穿，而其他部分则以有趣的方式捕捉光线。
一天中的时间和光源的位置显著影响作品的外观。当你围绕雕塑移动，或者当光线从日出到日落变化时，形态的照明方式也会不同。这种外观的持续变化创造了一种不断变化的视觉兴趣，邀请观者从多个角度和不同时间与作品互动。
这种光、形态和观者视角之间的动态互动是使这些雕塑能吸引人和充满活力的关键元素。
问：您的作品曾在《New Glass Review》和《Studio Glass 50 Years of Studio Glass》等出版品中得到专题报导。您如何看待自己在过去几十年工作室玻璃运动演变中的角色？
答：我认为我在工作室玻璃运动中的角色有些像局外人或反主流者。虽然大多数流行的玻璃艺术倾向于色彩丰富和有机形态，但我的方法倾向于极简主义，这在玻璃艺术界相当独特。
我经常告诉我的学生，玻璃可能是自己最大的敌人，因为它固有的美丽和使用它的乐趣。例如，玻璃吹制是一个令人惊叹的工艺，已经发展了几个世纪。然而，我的目标是以不同的方式使用这些材料，为其带来新的感受。
我的极简主义方法部分受到科学方法论的启发。通过消除变量，在这种情况下是颜色，我可以更专注于形式和结构。虽然我曾经尝试过使用颜色，但我似乎总是回到无色的作品，因为它允许我在没有干扰的情况下专注于我想要实现的目标。
在过去的50-60年里，这个领域已经从被材料控制演变为艺术家控制材料。玻璃艺术的装饰性、时尚化和更具雕塑性、艺术性之间仍然存在分歧。作为一名工匠，我相信我们可以跨越这两个世界。
虽然我对玻璃艺术中许多流行的作品并不那么着迷，但我很欣赏它的普及，因为这帮助我在更广泛的工艺文化中呈现我的想法。我认为自己是这个运动的一部分，但更倾向于较不受欢迎的雕塑作品方面。
本质上，我的角色一直是扩展玻璃艺术的可能性，远离典型形式，探索更多极简主义和结构性的方法。通过提供不同的视角来展示玻璃艺术可以实现的目标，这有助于工作室玻璃运动的多样性和发展。
问：可以介绍一下您的教育背景吗？是什么促使您从工程专业转而追求玻璃艺术？
答：我从工程到玻璃艺术的旅程是一条相当曲折的道路。小时候，我喜欢用科学玩具和建筑玩具制作东西，这促使我最初在大学选择了工程专业。我先在一所初级学院学习了两年，然后转到了圣何塞州立大学完成了工程学的低年级课程。在此期间，我还在加州的一家土木工程公司工作。
然而，我很快意识到，办公室工作，主要是绘图，并没有满足我创造事物的愿望。后来，一个关键时刻到来了，一位高中陶瓷系的朋友邀请我尝试用手作陶罐。这种实务经验对我来说是属革命性。
那年夏天，我在俄勒冈州立大学上了一些课程，包括陶艺和书法。大约同一时期，我参观了在奥克兰艺术博物馆举办名为”美国物品”的展览，展示了各种工艺品。萨姆·马卢夫的木工作品给我留下了特别深刻的印象，展示了一个人可以通过亲手创造美丽物品来谋生。
受到启发，我回到圣何塞州立大学，选修了陶艺课程。我继续从事工程工作以资助我的学业，但我的重心已经转移。我最终完成了陶艺本科学位，辅修玻璃艺术。
对于研究生院，我最初申请的是陶艺项目，但被纽约州立陶瓷学院在阿尔弗雷德大学的新玻璃项目录取。我接受了，条件是我可以辅修陶瓷雕塑。
有趣的是，我的工程背景，特别是绘图方面，在我的玻璃工作中证明很有价值。这种技术技能和艺术视野的结合塑造了我对玻璃艺术独特的方法。
问：除了《矩阵》系列，您目前是否在探索新的主题？
答：目前，我并没有脱离矩阵概念，因为我发现它提供了一个多功能的框架，很像建筑学，允许我在我的美学范围内创造各种各样的物体。我不是寻求革命性的改变，而是专注于不断进化。
我倾向于在几何构图和更具叙事性的作品之间来回切换。例如，到目前为止我只制作了两件梯子作品，我很好奇第三件会是什么样子。最近，我完成了一件大型几何作品，其特点是抽象的中国钱币图案——一个圆形中带有方形孔——被置于一个大立方体内的金字塔中。这件作品代表了我对几何形态的持续探索。
展望未来，我计划在等待新灵感的同时，更多地使用几何形状。我正在考虑的一个想法涉及创造类似字母块的形式，内部有球体，这些球体会滚动而不是整齐堆叠，从而创造出一种紧张感和不平衡感。
我的创作过程涉及大量的思考和绘画。通常，想法会随机出现在我脑海中，我确保将它们记下来，以便稍后重新审视，看看它们是否仍然有共鸣。虽然我最初的草图是二维，但我的工程背景允许我在规划时以三维方式思考。我使用绘制正视图、俯视图、侧视图和正交图等技术来可视化完整的形态。
这种在矩阵框架内不断演进的方法，结合我的工程背景，使我能够继续探索新的可能性，而不完全脱离我作品的核心概念。
问：在《矩阵》系列中使用的硼矽酸盐玻璃棒与您在早期《化石》系列中使用的技术有何不同？
答：我在矩阵系列中使用的技术和材料与早期的《化石》系列有很大的不同。
对《化石》系列，我使用的是一种被称为苏打石灰玻璃的材料，通常用于吹制的玻璃类型。与我在《矩阵》系列中使用的硼硅酸盐玻璃棒相比，这种玻璃更软，有更长的工作温度范围。苏打石灰玻璃不太适合创造我在矩阵作品中制作的复杂结构。
创作《化石》系列作品的过程也非常不同。我亲自吹制这些作品的玻璃，通常需要助手的帮助，因为处理大块玻璃（有些重达20磅）需要很大的体力。图像是用我之前制作的透明玻璃棒进行火焰加工，并在分层过程中嵌入内部基底，创造出类似化石负片的浮雕效果。
相比之下，《矩阵》系列涉及更为复杂和精确的硼硅酸盐玻璃棒连接过程。这种玻璃具有不同的特性，可以创造出该系列特有的复杂网状结构。
从《化石》系列到《矩阵》系列的转变不仅代表了美学上的变化，也代表了我在玻璃工艺方法上的重大演变。这要求我开发新的技能和技术，专门用于处理硼硅酸盐玻璃棒，从传统的玻璃吹制转向更具雕塑性的、和以构建为基础的方法。
问：回顾您的职业生涯，有哪些特别的时刻或成就对您来说具有特殊意义？
答：回顾我42年的教学生涯，特别是本科教学，有许多时刻具有特殊意义。看到学生的职业发展并知道我在他们的旅程中发挥了作用，这非常有成就感。有许多前学生继续成长并专业地从事艺术或教学工作的例子。最近一个突出的经历是接到一位前学生的电话，他现在正在纽约建立一个冷加工工作室。另一个是在芬兰教学的经历。
我早期职业生涯中的一个转折性时刻发生在我的陶艺本科学习期间。我创作了一件作品，将我在陶艺中学到的基本技巧与我土木工程背景中的概念结合起来，特别是我对地形学的兴趣。当我从窑中取出那件作品时，那是一个开创性的时刻。它向我展示了我可以将独特的、个人的美学带入我的作品中，从我自己的背景中汲取灵感，而不是模仿他人。
另一个关键时刻是当我在教师展上展出第一件《矩阵》实验作品时。我的同事，画家朱利安·斯坦查克（Julian Stanczak）来找我，并对这件作品有所好奇，这件作品与我之前的作品有很大不同。他的反应既不明显正面也不明显负面，这促使我真正审视这件作品，并认识到这个新方向的潜力。
我的工程学习和实践对塑造我的方法起到了重要作用。它给了我对材料物理和化学工作的不同看法。甚至在我的吹制作品中也很明显，其中颜色的使用经常反映出类似风景的质感。
这些实验、认可和综合我多样化背景的时刻，对定义我的职业生涯和艺术认可至关重要。它们强化了将独特经历和知识带入个人艺术实践的价值，以及对新方向和对自己作品的新解释保持开放态度的重要性。
问：您的作品常常展现出脆弱与强韧之间的微妙平衡。脆弱性和韧性这些主题是如何在您的艺术中体现？
答：与其说是一种平衡，我更倾向于将脆弱和强韧之间的相互作用视为我作品的固有特征，它作为一种强大的工具来吸引观众。当人们看到一个熟悉的物体，比如用玻璃制成的椅子时，它会立即吸引他们。形式的识别与意想不到的材料相结合，创造出一种引人入胜的张力，邀请人们进行更仔细的观察。
我的构建方法是实现这种效果的关键。我不是在处理实心的、庞大的形态，而是在处理一个由较小元素组成的网络。这种方法与我在矩阵概念中对极简主义的美学偏好相一致。我选择使用更薄、更小的元素，而不是使用大型、坚固的组件。这种选择不是为了刻意使作品更加精致，而是为了在挑战人们对强度和脆弱性的认知的同时，保持对矩阵美学的忠实。
一个很好的例子是我的”铁砧”作品。真正的铁砧是巨大的，通常重175磅或更多，由锻钢制成以承受巨大的力量。相比之下，我的玻璃铁砧是用精致的玻璃棒网络所构建。这种将传统上坚固的物体用看似脆弱的材料所呈现的对比，挑战了观众以不同的方式思考玻璃及其属性。
这种方法以微妙的方式体现了脆弱性和韧性的主题。这些作品看起来精致，甚至可能脆弱，但由于其矩阵结构，它们具有意想不到的韧性。这不是为了在这些特质之间创造完美的平衡，而是利用它们之间的相互作用来吸引观众，挑战他们的期望，并邀请他们重新考虑对材料和形式的看法。
通过以这种意想不到的方式呈现熟悉的物体，我鼓励观众思考强度和脆弱性的本质，以及这些概念如何能超越物理领域而被应用。这是一种让人们以不同方式思考玻璃的方式，进而可能也让他们以不同方式思考他们世界的其他方面。
问：您能分享一下2023年作品”Reach…”背后的故事吗？您通过这件作品探索了哪些概念或情感？
答：对于”Reach…”，我更感兴趣的是提出问题，而不是提供答案。这件作品探索了各种概念 – 有攀爬的暗示，有向天花板伸展的意味，也有工作行为的体现。标题本身就邀请人们进行思考。
我的主要挑战之一是创造一个独立的梯子，这与我之前靠墙的梯子作品不同。我希望它能在空间中央有一种存在感。过程的一部分就是弄清楚我是否能构建这样的形态。
这件作品，就像我的许多作品一样，源自日常物品。这种可及性是有意为之 – 我希望观众能够与它所代表的物体产生联系。它以这种方式成为一个标志性的、可识别的对象，使人们能够轻松地与之联系。
然而，它也质疑了功能性 – 这个玻璃梯子真的能作为梯子使用吗？这种熟悉形式与意外材料之间的矛盾邀请观众从多个层面与作品互动。
相比之下，我的几何作品更多是关于理解形式，它们有不同的心理效果。它们更抽象，不那么容易立即产生共鸣。
最终，像”Reach…”这样的作品是为了创造对话。我对人们看到它时会有什么样的问题感兴趣。它旨在引发思考和激发好奇心，而不是提供明确的陈述或答案。
当我们结束对布伦特·基·杨艺术的探索时，我们对他在玻璃艺术世界的深远影响感到敬畏。从他创新的技术到引人深思的作品，杨不断拓展这种具有挑战性的媒介的边界。他的《矩阵》系列见证了他的技术掌控和创造性，而他作为教育者的贡献继续激励新一代艺术家。通过与杨的对话，我们获得了对这位先驱者思维的宝贵洞察，理解了塑造他非凡职业生涯的奉献、实验和艺术哲理。当布伦特·基·杨继续编织他光辉的作品时，也为玻璃艺术的未来指明了方向，照亮了新的可能性，挑战我们以非凡的新方式看待熟悉的世界。
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