无形似有形的雕塑：肯伊士曼 (Ken Eastman) 在形态与空无中的探索
肯伊士曼 (Ken Eastman) 凭借其作品《不再四处游荡》,《Don’t Get around much Anymore》获得了2024年罗意威 (Loewe) 工艺奖提名，这是他在陶艺领域中的一个重要里程碑。该作品探讨了空无与存在之间的相互关系，展示了伊士曼在操控粘土方面的精湛技艺。他将这件艺术品描述为对“空即存在”的沉思，通过精心平衡的构图来实现。这一创作过程涉及逐步的决策和对每个元素相互作用的细致关注，逐渐使概念愿景清晰起来。
自1980年在爱丁堡艺术学院初次接触黏土以来，伊士曼对陶艺的热情不断加深，演变成对这一基本媒介的深刻哲学思考。他选择使用白色陶器和有限的彩色泥浆和调色板，增强了其雕塑的结构和美学品质。伊士曼使用基本工具进行板材构建的方法，体现了一种约束促进而非限制的创造哲学，使他能够将建筑和绘画元素无缝整合到他的陶艺中。
伊士曼以期待和自发的方式对待每件新作品，将制陶视为哲学探究的基本表达。他的创作过程深深植根于不断探索和发现的循环中，成为表达更广泛存在主题的媒介，使每一件作品都成为与生命和艺术内在节奏共鸣的叙事。通过以下与伊士曼的对话，我们将深入了解他的创作哲学和过程。
作品简介：你能描述一下《不再四处游荡》这件获得2024年罗意威基金会工艺奖提名作品的灵感和创作过程吗？
作品的灵感主要来源于长期的粘土创作实践，旨在通过制作来探索和提出问题。这件作品定义了“空虚即存在”——它是一项研究，探讨构图和平衡如何影响封闭空间，并结合起来创造出能够触动我们情感的作品。这件作品是无数小决定、选择和行动的总和，通过逐步添加逐渐形成，使作品慢慢显现出来。通过这种方式，我能够专注于每个元素如何与其相邻元素相遇和联系，以及它对整体的贡献。
技巧与材料：你近期作品展示了使用白色陶土的卓越技艺。能否详细谈谈你对材料的选择，特别是使用彩色泥浆和氧化物，这些材料如何提升作品的美学和结构品质吗？
1980年，在爱丁堡艺术学院接触黏土的几周内，我就意识到这将是我一生的事业。黏土为我打开了无限可能的世界，提供了一种超越语言的普世且永恒的表达方式。我很快发现，材料的抽象性要求我在工作方法上设置结构和限制，以便取得进展——限制反而赋予了我自由。因此，多年来，我一直使用单一的白色陶器黏土、板材构建技术以及一些基本的手工工具——擀面杖、刀子和一些刷子。
每当开始创作新作品时，我通常只有一个模糊的想法。我会先用木制擀面杖将陶器黏土擀成板材。实际上，大部分的擀制过程是将黏土拍打平整，擀面杖在过程的最后阶段使材料变得光滑。黏土本身不会提供太多提示——它是冷的和沉默的，因此必须不断做出决定。决定不是关于作品的整体外观，而是关于细节——板材的宽度、长度、厚度等，这些选择决定了形状。将彩色泥浆和氧化物涂在表面，并反复烧制，使我的作品更接近绘画和建筑。
过程与灵感：你提到你的创作过程是属自发，从对黏土的操作开始。能分享更多关于你在开始一个新作品时所处的情感和精神状态吗？最初是什么激发了这个创意流程？
我一直在创作，我仍然有一种基本的需求去创作——这是我赋予世界形状和理解事物的方式。很多事物都能启发我——人、景观、音乐、阅读，但我不需要具体的灵感去创作——对我来说，创作是一种实践，必须反复进行——虽然这很难，某种程度上，如果不做反而更容易。我创作是为了探索和发现新事物——很大一部分原因是为了看到我从未见过的东西，建立一些我无法完全理解或解释的事物。从情感上讲，创作涉及焦虑、期待、忧虑、风险、动荡、困惑、释放、快乐、狂喜。整个过程令人精疲力尽。
容器的概念：你的作品经常以容器为中心。你能讨论一下容器的概念如何作为你抽象探索的载体，并如何帮助传达意义吗？
我的作品以容器的概念为核心——我使用容器作为主题，赋予表达意义和形式。通过陶瓷这一媒介，我既可以是建造者，也可以是画家；既可以处理形状和结构，也可以探索色调和颜色。引用赫伯特·里德的话：“陶艺是所有艺术中最简单又最难的媒介。因为是最简单，所以它是最基本；也因为它是最难，所以它是最抽象。”
光与空间的哲学：光与空间在你的作品中似乎至关重要，特别是在定义形式和表面方面。你能详细说明一下在创作过程中是如何构思和操控这些元素吗？
你说得对——表面的起伏、颜色和光线的结合，是我作品的核心内容。从某种意义上说，光是所有的一切——它既是作品的主题，也是作品所表达的内容。在创作过程中，我随着一天和一年中不同时间的变化，利用自然光的变化和流动来进行调整。
拟人化特质：《关于时间》和《距离拉近》等作品展现出一种动态、几乎像人类一样的能量。你能谈谈将这种拟人化特质注入无生命的粘土的过程吗？这带来哪些挑战？
通过直觉方式用大块软粘土建造，陶瓷的拟人化特质常常显而易见。创作是一个物理过程，我花费数小时触摸材料，在作品的外部、周围和内部。粘土的主体通过创作者变成了器皿的主体。线条、表面和形状讲述故事，蕴含意义。对我来说，挑战在于意识到这些含义和关联，保持敏感，找到一种方法来包容并接受它们，但也要调节它们——这是一种平衡。粘土平面角度的微小变化，可以使一个严厉的作品变得温和，或使一个强硬的作品变得宽容。
内与外：你创作了具有隐藏内部空间和复杂外部结构的作品。内外的二分法揭示了你在哲学或艺术上的哪些探求？
“那一天她把我们的头凑到一起，
命运有她的想象，
你的头脑如此关注外在，
而我的则关注内在，气候。”
——罗伯特·弗罗斯特，《窗边的树》
在用粘土制作容器时，大部分物体总是处于视线之外——一次只能看到约30%的部分，其余大部分都在下面、里面或背面。所以从某种意义上说，我是在“盲作”（顺便说一下，我越来越多地在闭眼状态下创作）。多年制作板坯容器的经验告诉我，这种方式很适合我——我乐于与未知共舞，喜欢探索，提出问题而不是寻找答案。
颜色和纹理的演变：多年来，你对颜色和纹理的处理方式是如何演变，特别是向更多单色和微妙变化的转变？
我的作品有时是多色，有时是单色——一直都是如此。当我在制作一件作品时，我并不知道它最终会是什么颜色。一旦作品开始成形，我经常会在表面上绘画——定义或有时改变其形式感。这是一种发现和理解我正在制作的方式。粘土表面上的绘画会改变我们对底层形式的解读。形式与表面、二维与三维之间的对话与互动是我作品的核心。
未来方向：你目前正在探索哪些新主题或新技术？可以告诉我们一些即将进行的项目或展览吗？
除了罗威工艺奖 (Loewe Craft Prize) 展览外，我目前还有许多项目在进行中，作品在世界各地的各个画廊展出。特别是，我正在为2024年秋季在英国的Make Hauser和Wirth画廊举办的展览做准备。
传承与建议：你会给仰慕你作品的陶艺新手什么建议？你希望你在这一领域的贡献将如何被记住？
始终保持创作，这是一种实践。要诚实，相信自己的眼睛，敢于冒险，自我批判，接受自己的作品。没有固定的规则。
在探索肯伊士曼陶艺艺术的复杂层次时，很明显他的创作不仅仅是物品；它们是对空间、形式和人类情感的深刻探索。通过他既严谨又深具直觉的创作过程，伊士曼不断重新定义陶艺的边界，为观众和同行艺术家提供了丰富的纹理、色彩和形式供他们探索。深入了解他的思想和方法，我们不仅能洞察他工艺的复杂性，还能欣赏到指导他作品的深刻哲学基础。伊士曼的传承，以对探索和表达的坚定奉献为特征，邀请我们通过无限可能和细腻艺术对话的视角来看待陶艺世界。