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ceramics

Sleeping Beauty Series, 2023, 37x31x28 cm, unglazed, porcelain, fired at 1280°C by Zsolt József Simon, Ceramicist, Hungary

形态的呼吸:西蒙(Zsolt József Simon)陶艺中的生命意象

Self portrait, Image credit: Szilvia Simon-Nagy 居于边界的存在:陶瓷形态的不息蜕变 匈牙利艺术家佐尔特·约瑟夫·西蒙(Zsolt József Simon)创作的陶瓷雕塑,巧妙地在静态形式中捕捉生命律动。他的作品并非仅是静止不动的物体,而是处于转化过程中的”边界生命”,邀请观者将当下的静态与其动态起源相连接。西蒙通过技艺精湛的创作,塑造出结构坚固却薄如蝉翼的陶瓷墙体,在几何精确性与有机形态之间达成平衡,唤起观者对花卉、海洋生物及地质构造的联想。 这些雕塑作品立足于相似性与抽象性的交汇点,既呼应植物与动物王国的结构,又令人联想到微观世界中的硅藻之美。一种引人入胜的张力贯穿其作品:密集而华丽的外表如同具有保护性的巢穴,逐渐过渡到柔和退缩的内部空间,充满神秘的黑暗。西蒙运用”想象轴心”的概念来协调对立力量:向内的液态流动与向外的锐利光芒相互平衡,同时通过微妙的色彩选择增强作品寓意,白色暗示骨骼,黄色象征植物,灰色则加深神秘感。 西蒙的作品挑战观众在静止之中感知生命的活力,并为积极投入的观者带来源源不断的视觉体验。他的雕塑深入探讨转化与生命本质等深层议题,为静态形式如何承载生命能量提供了哲学上的思考空间。在接下来的访谈中,佐尔特·约瑟夫·西蒙将分享那些赋予他作品生命力的哲学理念、创作过程以及他的美学视角。 Non-Babel series, 2024, 36x36x46 cm, unglazed, porcelain, fired at 1280°C, Image credit: Szilvia Simon-Nagy 问:您的作品中常见一种张力:静止的物体却仿佛蕴含着生命的律动。您如何理解这种动态与静态的共存?答:雕塑作为空间艺术,与音乐或戏剧这类依赖时间推进的艺术形式截然不同。它一旦完成,就处于一种恒定不变的状态,仿佛是某个瞬间的凝固,一种转变被“化石化”的状态。在我看来,它们呈现的是一种“死亡的变化”,不再流动,却承载着曾经的能量与方向。 因此,观众的角色不仅仅是观看者,更是感知的参与者。他们需要主动地穿越那表面的静止,去捕捉作品所蕴含的初始意图与生命感,而这一过程几乎完全依赖于视觉的触觉性。这不是关于投射幻想,而是一种深层的“认知”行为。 我们常常在不自觉中沉浸于作品的形式与色彩之中,仿佛将其“穿戴”在身,随着目光的流转进入它的内部空间。我个人偏好那些暗示“即将发生”的形态,比如含苞待放的花朵,那种紧绷中带着生成感的状态,而非像完美立方体那样的封闭与惰性。这种倾向,相信在我的作品中是可以感受到。 Flying Garden series, 2013, 27x27x21 cm unglazed, porcelain, stain, fired at 1280°C, Image credit: Szilvia Simon-Nagy 问:在您看来,艺术如何回应人们对“有生命”与“无生命”之间的感知?答:我并不认为这两者之间存在真正的鸿沟,而更像是一种持续进行的、尽管是单向的联结。生命体不断地生成、排出、剥落物质,最终转化为非生命的存在。我们的身体每天都会产生毛发、指甲、脱落的皮肤,这些都属于被抛弃的部分。类似地,远古海洋生物的骨骼沉积下来,经过地质演变,形成了今天的石灰岩山脉。生命始终在以各种形式走向固化,走向沉寂。 而人类的特别之处,在于我们拥有不断发展的意识,使我们能够将超越生理需求的能量用于创造,用于推动个人或集体的精神成长。作为艺术家,我们是在这种节奏中工作。一方面是活生生的创作行为,另一方面则是产出一种终将静止、凝固、趋于永恒的“死物”。艺术的实践,本身就是一种节奏感极强的交织,生命与非生命在此并存,在当下的每一次尝试与调整中相互作用。 这并不意味着艺术能赋予死物真实的生命,但在雕塑的领域,我们确实能够通过对材料的组织与形态的构建,将那些原本冷硬、线性、边角分明的矿物质,转化为富有生命感的存在。让它们不再只是物理结构,而是拥有某种节奏、某种情感,甚至某种精神气息的存在体。 这种努力的最高表达,也许可以在古希腊的雕塑中找到答案。那些作品至今仍能唤起我们对生命的感知,不是因为它们在动,而是因为它们以静制动,于不动之中传递出蓬勃、生生不息的张力。 Sleeping Beauty Series, 2023, 37x31x28 cm, […]

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Sleeping Beauty Series, 2023, 37x31x28 cm, unglazed, porcelain, fired at 1280°C by Zsolt József Simon, Ceramicist, Hungary

The Breath of Form: Life Imagery in Zsolt József Simon’s Ceramics

Self portrait, Image credit: Szilvia Simon-Nagy Border Beings: Ceramic Forms in Perpetual Transformation Hungarian artist Zsolt József Simon creates ceramic sculptures that capture living motion within static form. His works are not merely motionless objects but “border beings” caught in transformation, inviting viewers to connect their still present with dynamic origins. Simon achieves remarkable technical

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Chica Inaba, Ceramic Artist, Japan

塑造陶瓷艺术的完美典范-访谈稻叶周子

塑造陶瓷藝術的完美典范-訪談稻叶周子 稻叶周子(Chica Inaba)是日本当代陶瓷艺术家中的佼佼者,她能够通过千变万化的形状,将陶瓷的强度和柔韧性展现得淋漓尽致。她的陶瓷用途广泛,并具有多重的艺术表现力。最重要的是,稻叶周子将大自然的的基本要素:活力和脆弱,同时结合在一起,塑造出独特的陶瓷作品。强烈且具有张力的白线突显出柔和的深色阴影,不仅增强视觉效果,更让人们意识到大自然的细腻和力量。要创造出如此雅致且有力的器皿,需要艺术家的敏锐,勤奋和想像力。 Self Portrait: Courtesy: Chica Inaba 此外,根据稻叶周子的说法,陶瓷不仅只是实用,而是能够容纳不同的思想和文化。有了这层体认,她在陶瓷器皿中增加了另一个隐形的维度,从而奠定了其独特且完美的典范。这个额外的元素也将她的作品推上了顶峰,为智慧和欣赏提供了无限的可能。 我们很荣幸能够采访稻叶周子,并学习她在创造独一无二的陶瓷时,所采用的哲学和技术。在以下的采访中,稻叶周子谈到了她的“枯叶”作品及其传达的含义。她的睿智展示了她对大自然的深刻见解。 Courtesy: Chica Inaba 问: 你的陶瓷是如此的优雅与精致,请与我们分享你的故事和如何成为日本杰出的陶瓷艺术家。  答: 我从小就喜欢在户外玩,但与此同时,我也喜欢在家创作和绘画。当我大约14岁时,我开始模糊地认为我这一生都会想吃东西,这是我用手工制作器皿的开始,也是我第一次在高中上“手工艺”课时对陶器的体验。在“手工艺”的课程中,我有机会使用各种材料,例如木工,漆,皮革和绘画,但是我对陶瓷最感兴趣,并且想继续学习。在武藏野美术大学修完陶瓷课程后,我开始沉迷于[使用容器]的创作,毕业后,我在日本,欧美等地学习了三年左右,然后去了位在多治见市的陶瓷设计研究所。在那里,我不仅学习了如何使用陶土制作器皿,还深入地了解土壤和陶瓷制作之间的哲学。同时我也受到同学们的启发和影响,因为他们对陶瓷艺术同样地充满了热情。  之后的十多年,我主要从事制作陶瓷器皿,但我始终认为器皿不仅能够存储食物和植物,而且还可以将人们联系起来并接受彼此的思想及感受。之后,我在台湾遇见了荷叶。 Courtesy: Chica Inaba 在台湾的三个月中,我造访了多処的荷塘,我观察到当荷花盛开时,荷叶会在微风中摇曳,真是美不胜收,所以那时我一直以荷花为主题。但是随着时间的流逝,花开花落后,叶子会枯萎变成褐色,同时叶子也会卷起。这时枯萎的叶子看起来就像是祖母的手,轻轻地呵护着流逝的光阴。这种容忍度/接受程度就是大自然的本质!我相信建模本身也给我留下了深刻的印象,从此我开始了以枯叶为主题的创作。 为了要创建一件[不仅能装东西,而且还能接受思想的器皿],我以更自由的形式来设计作品。当然,我的设计还是将实用放在首位。但是,我会进一步地将枯叶的灵感融入我的创作中。也因此我的创作一点一点地在改变。近年来,我的陶瓷创作逐渐地转变成雕塑,不过我认为它不断地在变化。当然,我会继续创作具有实用性并以叶子为主题的器皿。 Courtesy: Chica Inaba 问: 你似乎偏爱白色,是有特殊的原因吗? 答: 在我的作品中,我认为白色强调了由线条的扩散和堆积所组成的流动性,优雅地表达了由这些线条所形成的形状。再加上由棱线所产生的阴影,强大了作品的柔韧性。是的,我使用的釉料具有柔和的效果,我喜欢它,因为它比反光的白色,感觉更柔软。 此外,除了我的创作外,我也被以白色为主的作品所吸引。它们不限于陶瓷,但是当我遇到由于表面(例如其他材料和绘画中的纹理和阴影)变化而使作品更具有深度或宽广感时,我会很欣悦地接收创作者想要表达的信息。 Courtesy: Chica Inaba 问: 你使用哪种材料制作陶瓷,以及使用什么技术制作出如此漂亮的螺旋形状? 答: 我没有使用任何不寻常的材料或技术。首先,我会先将脑海里的构思画在纸上,再用Mino陶土做成很细的条状,从底部开始堆叠(此时表面光滑)来制作模型。 然后我会应用线条的流动,对其进行雕刻以制作出山脊的效果。由于压痕是根据行距和深度而产生变化,因此雕刻以及成型过程都得非常小心。干燥后,再涂上浑浊的釉并将其烧制(氧化)来完成作品。 问: 是否有任何艺术家激发了你的灵感? 答: 埃贡·席勒(Egon Schiele)孤独且颓废的色调和具有强烈质疑态度的表现手法,今我着迷。 我欣赏伊藤敬二(Keiji Ito)作品的安静,和有力且粗糙的表面,以及偶尔瞥见的幽默造型。柔软度和清晰度并存在他的作品中,其所表达的内涵令我动容。 Courtesy: Chica Inaba 问: 大自然似乎是你的灵感主要来源,请与我们分享你最喜欢在何处获取灵感。 答: 自然界所创造的形状,让我留下了深刻的印象并从中获得启示。因为我对地点没有偏好,我将谈论一下我对枯叶的感觉,因为是“枯叶”给了我灵感。 即使所有的叶子在成长的时候看起来都一样,但是当叶子枯萎时,叶脉会卷起,而有着不同的外观。这时枯萎的生命力和脆弱性同时并存,既美丽且迷人。 枯萎的叶子就像一件器皿,给人的感觉是它“充满”了生机。装满水的枯叶,躺在地上,虽然已枯萎,却代表着这片枯叶孕育着为再生作好准备,或是它正在遭受着命运的作弄。我被它的意志力所感动和吸引。

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Chica Inaba, Ceramic Artist, Japan

Paradigm of Perfection – Inaba’s Ceramics

Paradigm of Perfection – Inaba’s Ceramics Chica Inaba’s beautiful ceramics exhibit both strength and gentleness through a myriad of changes in shape. Her ceramics are versatile in usage while at the same time artistic expressions. Chica unites the essential elements of nature, vitality and fragility, into creating her ceramics. Strong white lines accentuate tender dark

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"Tiger's Face" by Kazuyoshi Kitamura, “Kutani” Ware Artist, Japan

“Kutani” Ware’s New Look By Kazuyoshi Kitamura

“Kutani” Ware’s New Look By Kazuyoshi Kitamura The highly acclaimed Japanese porcelain “Kutani” ware originated from Kaga, Ishikawa, during the early Edo period of Japan around the 1650s. The “Kutani” ware became famous because of its pure white base color. On top of the base, artisans would paint vibrant colors (usually five colors: green, blue,

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Ceramic Sculptor Alberto Bustos, "My blood is self-taught", Spain

阿爾貝托(Alberto Bustos) 獨樹一格的陶瓷雕塑

阿尔贝托(Alberto Bustos)的陶瓷雕塑以抽象化的线条、色彩,以及高度强烈的空间概念而闻名。他用超凡的技巧将瓷器打造的纤细且多样,并将其组合成各种三维形式,来传递他内心的感受。他的作品有时柔顺的像迎风的野草,有时张狂如火啖,又有时像波涛汹涌的大海。由于这种极富想像又善于利用空间造型的创造力,使他的作品在现代艺术界中独树一格。

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