Ceramics, Glass, Pottery & Clay Arts

Butterfly Helmet, from Crowns of Glass, by Nancy Yu

以玻为甲

Ceramics, Glass, Pottery & Clay Arts / Adelina 艾德琳

Self Portrait, Image: Nancy Yu 俞钦如何学会由内而外地铸造盔甲以铸造玻璃与灯工技艺为媒介，俞钦（Nancy Yu，NC Qin）创作出系列兼具古典气韵与当代精神的器物。从头饰到盔甲，从头盔到王冠，其作品不断叩问：若自我保护之物终成伤害之源，该如何自处？继完成南伊利诺伊大学卡本代尔分校艺术硕士学业后，这位师承 Jiyong Lee 的艺术家正筹备重返悉尼建立工作室。在其毕业展《梦之悲剧》期间，我与她完成了这番深度访谈。 Glass Armour, by Nancy Yu. Image: Nancy Yu 编者按初次看到俞钦的作品，我就被其中一种难以言说的张力深深震撼。那是种不容置疑的美：由数百灯工组件精心拼组而成的玻璃皇冠、华丽头饰，还有展翅三米、在半空悬浮的等身人像。然而，作品并不让人安心欣赏。它们对观众有所要求，让你意识到穿戴者的身体，以及那份美所带来的代价。玻璃是少数能同时承载脆弱与永恒的材料。在巨大压力之下，它仍能维持自身的形态。俞钦对这一点有着深刻的理解，从未将其视为局限，而是转化为一种创作上的哲学立场。她自称“第三文化人”：出生于悉尼的华裔移民家庭，曾就读于北京中央美术学院与悉尼艺术学院，如今又在美国中西部完成研究生教育。跨文化经历并非作品点缀，而是驱动创作的核心引擎。她以西方个人主义视角重新解读中国英雄传说，却又不完全归属于任何单一传统。她在那位被父亲崇拜的古代英雄身上，看到了致命弱点。于是，她用玻璃铸造盔甲。接下来的对话，将围绕心碎、骄傲、传承，以及在破碎边缘筑就美学的心路历程。 Adelina 对话第一部分：塑造 Our Narratives 你曾在北京中央美术学院学习，随后又就读于悉尼艺术学院。这两段教育经历分别带给了你什么？这两种环境确实非常不同。高中毕业后，我第一次去中国，当时特别渴望接受一种更注重技艺的严格训练，而中央美术学院正好满足了我这一点。但很快我就意识到，自己其实过得并不开心，因为在观念和思考层面几乎没有得到重视。对我来说，创意本身以及想要传达的内容，与制作过程同样重要。那段时间获取信息的渠道也比较有限，我常常觉得自己的思考被压缩了，甚至在某种程度上受到了限制。还有语言的问题。虽然我的父母是中国人，但我出生并成长在澳大利亚，英语才是我的母语。在中国，日常交流没有太大障碍，但一旦进入更深入或更抽象的讨论，我就明显感到力不从心。那段经历让我深刻体会到语言对思考的塑造有多重要。当你缺乏足够的词汇去描述某件事时，那个想法本身也很难在脑海中清晰成形。乔治·奥威尔在《1984》中其实就触及了这一点，通过不断删减词汇来限制人们的思考，从而避免所谓的“思想犯罪”。不过，我仍然非常感激那段经历。它极大地拓展了我的世界观，直到现在，我依然会回想起当时文化课上接触到的一些哲学内容，并从中受益。相比之下，悉尼艺术学院则呈现出另一种面貌。那里非常重视观念，但在技术训练上相对宽松。同时，它设有中央美术学院没有的玻璃艺术专业，也给予我极大的自由去探索和实验。在这样的环境中，自由与自主并存，学生必须具备足够的自律，才能真正推动自己的创作进程。 Our Narratives 是什么吸引你选择脱蜡铸造玻璃？在这种创作媒介中，你发现了怎样的必然性？其实在真正意识到玻璃可以作为艺术媒介之前，我就已经对它产生了一种难以解释的亲近感。高中毕业创作时，我曾构想过一个从水中浮现的玻璃女性形象，带有某种重生的意味。当时老师甚至没有听说过玻璃可以用于铸造，但我知道失蜡法的存在，直觉上认为原理或许相通，于是便尝试去做。后来才发现，自己的理解只对了一部分。那个想法在当时无论在制作条件还是技术层面上几乎都无法实现，即使以现在的经验来看，仍然是一个相当具有挑战性的构想。铸造玻璃能够呈现出吹制玻璃难以达到的雕塑感。它会完整保留模具中的每一道细节，同时又不会完全透明，使作品自然带有一种内在的重量。对我而言，这种媒介带来的影响远不止视觉层面，对性格与创作方式的塑造同样深刻。整个过程失败率极高，刚开始时接近百分之七十。反复的失败迫使我学会更加谨慎，以更系统的方式思考问题，并逐渐培养出长时间投入的耐心。在玻璃铸造中，从一开始就必须明确想要的结果。一旦主模完成，后续几乎没有再调整方向的空间。对我来说，最令人兴奋的阶段反而是最初的构思。进入制作之后，一切都会转化为问题的拆解与解决，需要不断理解材料，并逐步逼近最终的想法。因此，最后完成的作品通常都与最初的设想非常接近。 Glass Armour (performance detail), by Nancy Yu. Image: Nancy Yu 第二部分：作品 Our Narratives 谈谈玻璃盔甲的起源。我知道它的观念框架，比如尼采或社会身份的构建，但它实际上是从哪里开始？ […]

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2022 Rainbow Lorikeet by Toots Zynsky, Glass artist, USA

编织色彩的玻璃艺术：图茨·金斯基（Toots Zynsky）的创作之路

Ceramics, Glass, Pottery & Clay Arts / Adelina 艾德琳

Toots Zynsky, Image credit: Nicole Ross “当我聆听音乐时，它会转化为色彩。” — 图茨·金斯基在当代玻璃艺术的殿堂中，图茨·金斯基（Toots Zynsky）是一个享有至高敬意与广泛认可的名字。凭借其颠覆性的“玻璃丝网”技术，她不仅重塑了玻璃作为艺术媒介的边界，更奠定了自己作为现代工艺领域先锋人物的地位。在数十载的实验、失落与重生之中，金斯基女士的创作早已超越了传统藩篱。她将绘画、雕塑与装饰艺术的精髓熔于一炉，编织出一种全然属于她自己的视觉语言。最近，我们有幸与她展开了一场精彩对谈，得以深入探寻她的艺术人生。 2025 Non Binary Rosebreasted Grosbeak, Image credit: Toots Zynsky 从音乐到玻璃艺术的先驱金斯基的艺术人生，其序章并非由玻璃谱写，而是由跃动的音符开启。她三岁习琴，五岁便接受正规指导，在一位“出色的德国钢琴老师”的教导下，早早展現出不凡的技艺。尽管对音乐的热爱深入骨髓，品味亦横跨多种流派，但在青少年时期，她迎来了那个至关重要的清醒认知：“我清楚地知道，我无法作曲。”然而，这一刻的明悟并未带来挫败感，反而成为点燃她视觉艺术天赋的催化剂。 “我一直都由衷地喜爱绘画、涂色和动手做东西，”金斯基回忆道，并将这些并行爱好的发展归功于母亲的鼓励。十一岁那年，她的人生航向便已笃定地指向一个目标：罗德岛设计学院（Rhode Island School of Design）。她当时听闻那是“全美最顶尖的艺术学府”。即便那时的罗德岛设计学院并无玻璃专业，她本人亦不确定未来的创作方向，但这份宣言般的决心却已异常坚定。 1973 Video Time Release InfraRed, Image credit: Buster Simpson 偶然之门，必然之路在罗德岛设计学院的第一年，她的生活充满了迷惘与挑战。当金斯基完成基础部的通识课程后，她陷入了对未来方向的迷雾之中。她回忆道：“那时的大学新生相当封闭。我既不知道该选什么专业，甚至开始怀疑自己是否来对了地方。”她并未就此退学，而是选择了暂时休学，并从行政部门申请了一张通行证，决意对校园的每个角落进行一次彻底的探索。然而，一个又一个院系都未能触动她的心弦。对于她那充满动能的内在天性而言，周遭的一切似乎都“太过沉静”。“我走遍了所有系科，心里想着，我欣赏他们创作的东西，但那并非我心之所向。”就在她准备离开最后一栋教学楼，内心已然打算彻底放弃时，命运以一种极富戏剧性的方式降临了。 “我走向一扇我原以为通往楼梯的门，”她回忆说，“当我推开它，一阵轰鸣声伴随着极其响亮的音乐扑面而来，人们在门口川流不息。”尽管门上标着“陶瓷储藏室”，里面却是一个近乎癫狂的场景：“熔炉喷吐着火焰与声响，喧闹的音乐震耳欲聋，一群人穿着夸张怪诞的奇装异服，正在拍摄着疯狂的电影。要知道，在1970年，如此景象绝不寻常。” 1982 Clipped Grass , (A.K.A. The Barefoot Bowl), Image credit: Toots Zynsky 那股原始的生命力让她目眩神迷。“每个人都在移动……他们在滚烫的玻璃周围旋转舞动，彼此却不会碰撞，”她回忆道。这种动态与同样“热爱舞蹈”且天生精力旺盛的她产生了深刻共鸣。“我总是精力过剩，需要不停活动。在其他任何院系，静坐着完成某件事都无法吸引我，而这里的人们却时刻都在移动。我瞬间觉得，‘这，我能行’。” 尽管有了这次石破天惊的相遇，金斯基最初还是休学了八个月，期间她甚至考察了医学预科课程。然而，她的父母却将一切默默记在心里。在一次极为难得的即兴安排下，他们为她争取到了海斯塔克山工艺学院（Haystack

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WIND by Eudald De Juana Gorriz, Sculptor, Spain

临界之境：尤达尔·德·胡安娜·戈里兹（Eudald De Juana Gorriz）的雕塑探索

Ceramics, Glass, Pottery & Clay Arts / Adelina 艾德琳

Self portrait, Image credit: Maria Alzamora 游走于形态、材料与想象临界的雕塑实践近期，西班牙雕塑家尤达尔·德·胡安娜·戈里兹（Eudald De Juana Gorriz）的作品在香港海港城购物中心展出，数千名过往行人意外地邂逅了一组仿佛游走于不同维度之间的雕塑。这七件引人入胜的作品，是电影《风林火山》（@sons.of.the.neon.night）的定制委托创作。它们从艺术家的工作室启程，历经漫长旅途，最终抵达了上个月首映该电影的戛纳电影节（@festivaldecannes），而这部电影本身也耗时数载方才磨砺而成。 Juno from Sons of the Neon Night, Image credit: Eudald De Juana Gorriz 这些作品充分展现了德·胡安娜·戈里兹运用黏土捕捉心理深度的卓越才能。在其中一件作品中，一位女性人物张开双臂，这个姿态既暗示着顺从，又传递着拥抱与超越的意味。她的面容保持着古典式的宁静，而身上的衣物却仿佛正在消解和破碎。另一件作品呈现了一个承载着复杂故事的男性形象，他的躯干遍布深深的刻痕与裂纹，宛如历经沧桑，而头部却在静默中保持着沉思的状态。这些刻意营造的对比，创造出艺术家所称的“临界空间”，在这里，人物似乎从塑造他们的物质中浮现，又重新融入其中。在当今艺术界，数字媒体和观念装置主导着画廊空间，而尤达尔·德·胡安娜·戈里兹却是一个引人注目的例外。他的作品处于一个迷人的边界地带：古典写实与当代抽象在此交汇，精湛工艺与概念深度在此融合，古老的黏土媒介在此成为完全现代化叙事的载体。在我们最近与德·胡安娜·戈里兹在其西班牙工作室的对话中，我们深入了解了这些引人深思的作品背后的哲学思考，并发现了一位能够承继数世纪雕塑传统、同时回应当代议题的艺术家。 NIGHT SKY, Image credit: Eudald De Juana Gorriz 触觉的传承德·胡安娜·戈里兹出生于雕塑世家，他与黏土的关系并非源于艺术选择，而是一种生活现实。”我们家中总是有黏土，”他回忆道，描述着一个雕塑不仅是职业更是生活方式的童年。这种与材质的早期亲密关系为他的艺术身份奠定了基础，确立了他所谓作品中的”人性维度”，艺术家手迹的可见痕迹，跨越世纪与人对话。当德·胡安娜·戈里兹回忆起遇见一件米开朗基罗小型赤陶作品时，这种触觉传承的深刻影响变得清晰：”我能感受到指纹，感受到他手指的运动轨迹……我感到米开朗基罗在与我对话，即便已过去500年。”这种艺术家之间跨越时空的共鸣，揭示了其创作实践背后更深层的哲学。对德·胡安娜·戈里兹而言，雕塑不仅仅是创造物体，更是编码存在，确保人类的触碰保持可见性和意义性。 EARTH LISTENER, Image credit: Eudald De Juana Gorriz 学院叛逆与古典精通德·胡安娜·戈里兹的正规教育经历，清晰展现了体制规范与他个人创作愿景之间引人入胜的张力。在巴塞罗那大学攻读美术期间，尽管当时的课程普遍强调概念框架，他内心深处始终怀有对具象表现的强烈渴望。他的应对方式极具独创性：“我对自己说，我要在每一个项目中都尝试融入具象作品，尤其是具象雕塑。” 这段学院时期，恰恰培养了他日后成熟作品的标志性特征，也就是在古典形式中巧妙融入叙事与概念的能力。然而，这段经历也同时暴露出当代艺术教育在回应他更深层艺术追求上的局限。他清晰地意识到“有太多东西缺失”，于是毅然决定前往佛罗伦萨艺术学院，在那里深入学习十九世纪学院派的严苛训练体系。在佛罗伦萨两年的沉浸式学习，以及随后三年的教学经验，为德·胡安娜·戈里兹的创作打下了坚实的技术基础。正是这深厚的功底，使他能够在作品中实现精准与直觉之间独到的平衡。这种古典训练，也让他得以追求他所说的“受控的偶然”即在高度掌握技艺的基础上，为创作过程中意想不到的灵感和惊喜留出充足空间。 Liu from Sons of the

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Sleeping Beauty Series, 2023, 37x31x28 cm, unglazed, porcelain, fired at 1280°C by Zsolt József Simon, Ceramicist, Hungary

形态的呼吸：西蒙（Zsolt József Simon）陶艺中的生命意象

Ceramics, Glass, Pottery & Clay Arts / Adelina 艾德琳

Self portrait, Image credit: Szilvia Simon-Nagy 居于边界的存在：陶瓷形态的不息蜕变匈牙利艺术家佐尔特·约瑟夫·西蒙（Zsolt József Simon）创作的陶瓷雕塑，巧妙地在静态形式中捕捉生命律动。他的作品并非仅是静止不动的物体，而是处于转化过程中的”边界生命”，邀请观者将当下的静态与其动态起源相连接。西蒙通过技艺精湛的创作，塑造出结构坚固却薄如蝉翼的陶瓷墙体，在几何精确性与有机形态之间达成平衡，唤起观者对花卉、海洋生物及地质构造的联想。这些雕塑作品立足于相似性与抽象性的交汇点，既呼应植物与动物王国的结构，又令人联想到微观世界中的硅藻之美。一种引人入胜的张力贯穿其作品：密集而华丽的外表如同具有保护性的巢穴，逐渐过渡到柔和退缩的内部空间，充满神秘的黑暗。西蒙运用”想象轴心”的概念来协调对立力量：向内的液态流动与向外的锐利光芒相互平衡，同时通过微妙的色彩选择增强作品寓意，白色暗示骨骼，黄色象征植物，灰色则加深神秘感。西蒙的作品挑战观众在静止之中感知生命的活力，并为积极投入的观者带来源源不断的视觉体验。他的雕塑深入探讨转化与生命本质等深层议题，为静态形式如何承载生命能量提供了哲学上的思考空间。在接下来的访谈中，佐尔特·约瑟夫·西蒙将分享那些赋予他作品生命力的哲学理念、创作过程以及他的美学视角。 Non-Babel series, 2024, 36x36x46 cm, unglazed, porcelain, fired at 1280°C, Image credit: Szilvia Simon-Nagy 问：您的作品中常见一种张力：静止的物体却仿佛蕴含着生命的律动。您如何理解这种动态与静态的共存？答：雕塑作为空间艺术，与音乐或戏剧这类依赖时间推进的艺术形式截然不同。它一旦完成，就处于一种恒定不变的状态，仿佛是某个瞬间的凝固，一种转变被“化石化”的状态。在我看来，它们呈现的是一种“死亡的变化”，不再流动，却承载着曾经的能量与方向。因此，观众的角色不仅仅是观看者，更是感知的参与者。他们需要主动地穿越那表面的静止，去捕捉作品所蕴含的初始意图与生命感，而这一过程几乎完全依赖于视觉的触觉性。这不是关于投射幻想，而是一种深层的“认知”行为。我们常常在不自觉中沉浸于作品的形式与色彩之中，仿佛将其“穿戴”在身，随着目光的流转进入它的内部空间。我个人偏好那些暗示“即将发生”的形态，比如含苞待放的花朵，那种紧绷中带着生成感的状态，而非像完美立方体那样的封闭与惰性。这种倾向，相信在我的作品中是可以感受到。 Flying Garden series, 2013, 27x27x21 cm unglazed, porcelain, stain, fired at 1280°C, Image credit: Szilvia Simon-Nagy 问：在您看来，艺术如何回应人们对“有生命”与“无生命”之间的感知？答：我并不认为这两者之间存在真正的鸿沟，而更像是一种持续进行的、尽管是单向的联结。生命体不断地生成、排出、剥落物质，最终转化为非生命的存在。我们的身体每天都会产生毛发、指甲、脱落的皮肤，这些都属于被抛弃的部分。类似地，远古海洋生物的骨骼沉积下来，经过地质演变，形成了今天的石灰岩山脉。生命始终在以各种形式走向固化，走向沉寂。而人类的特别之处，在于我们拥有不断发展的意识，使我们能够将超越生理需求的能量用于创造，用于推动个人或集体的精神成长。作为艺术家，我们是在这种节奏中工作。一方面是活生生的创作行为，另一方面则是产出一种终将静止、凝固、趋于永恒的“死物”。艺术的实践，本身就是一种节奏感极强的交织，生命与非生命在此并存，在当下的每一次尝试与调整中相互作用。这并不意味着艺术能赋予死物真实的生命，但在雕塑的领域，我们确实能够通过对材料的组织与形态的构建，将那些原本冷硬、线性、边角分明的矿物质，转化为富有生命感的存在。让它们不再只是物理结构，而是拥有某种节奏、某种情感，甚至某种精神气息的存在体。这种努力的最高表达，也许可以在古希腊的雕塑中找到答案。那些作品至今仍能唤起我们对生命的感知，不是因为它们在动，而是因为它们以静制动，于不动之中传递出蓬勃、生生不息的张力。 Sleeping Beauty Series, 2023, 37x31x28 cm,

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Gondole Nautile I by Stephen Pon, Glass Artist, Canada

穿越时空的玻璃：史蒂芬·庞（Stephen Pon）的人性寻迹

Ceramics, Glass, Pottery & Clay Arts / Adelina 艾德琳

Self portrait, Image credit: Stephen Pon 在人间、大海与星辰之间，以玻璃铸就的人类故事在魁北克凛冬刺骨中，即使零下三十五度的严寒也无法凝滞史蒂芬·庞（Stephen Pon）工作室里流淌的炽热温暖。炉火翻腾的炽焰，交织着艺术家本人如同玻璃般清澈优雅的气质，将工作室幻化成一方温暖的避风港。在这座艺术的圣殿里，庞以玻璃为语言，将转瞬即逝的温度，凝练成永恒的艺术。他的作品宛如时光容器，晶莹剔透的玻璃人形在光影交错间翩然游弋，如凝固的舞者，在无声中诉说生命的律动。庞赋予冰冷的玻璃以灵魂——那些漂浮、舞动、交织的形态，在这片透明的宇宙中，执着地探寻永恒的真谛，无声地诉说着关于人性的深邃寓言。 Gondole 2, Image credit: Stephen Pon 从金融到玻璃：一段蜕变之旅庞从银行家到玻璃艺术大师的转变，是一段深刻的自我救赎之旅。三十多岁时，尽管拥有稳定的事业和家庭，内心的空虚和抑郁却驱使他重拾艺术梦想。他毅然选择了蒙特利尔Espace VERRE玻璃艺术学校，在这里，他遇见了改变命运的熔炉。二十多年来，他将自己投入玻璃艺术的怀抱，在创造性的冒险中找到了生命的热度。从最初的不确定到技艺的纯熟，庞用炙热的玻璃重塑了自己的人生，也铸就了独特的艺术语言。 Odyssey, Image credit: Stephen Pon 玻璃中的双重交响在庞的工作室中，两种截然不同的创作方式交相辉映。玻璃吹制是一场激情的合奏——他与三位工匠的默契配合，让高温中的玻璃在呼吸间化作细长优雅的形态，最长可达八英尺。”这是一场与时间赛跑的艺术，”他说，”每个动作都必须准确而迅捷，团队的呼吸必须合而为一。” 而窑铸则是一曲独奏的冥想。在这里，200磅熔融的玻璃通过失蜡工艺，在艺术家的精心雕琢下渐次成形。即使从艺四分之一世纪，每次开窑仍是一次充满未知的冒险。”这种不确定性，”庞微笑着说，”正是艺术最迷人之处。” 每件作品的诞生都是一次不可复制的历程，因为模具会在创作中破碎，如同蝴蝶破茧而出，留下永恒的瞬间。 Navire joanne 2023, Image credit: Stephen Pon 神话与叙事之境：玻璃中的史诗在庞的玻璃方舟中，神话与现实交织成诗。他细长的器型系列化身为漂浮的寓言，沉思的人形在玻璃河流中穿行，既显露人性的坚韧，又暗示生命的无常。 “艺术不应止于视觉的愉悦，”他说，”我试图用玻璃讲述那些流传千年的故事，那些关于人类如何在命运长河中相互扶持的传说。”每一件作品都是一个微型剧场，演绎着关于生存、希望与救赎的永恒主题。 Constellation serie: Orion, Image credit: Stephen Pon 星空之梦：玻璃宇宙的低语《星群》系列（Constellation series）是庞对夜空的深邃冥想。在通透的玻璃中，人形如星辰般升腾，描绘出震撼心灵的宇宙图谱。”仰望星空时，”他说，”我们看到的不仅是遥远的光芒，更是人类文明的航标。” 每件作品都框住无限。光线穿透玻璃，跨越星际距离，将人类对永恒的渴望转化为艺术。在庞看来，人类旅程恰如群星——脆弱的生命在浩瀚未知中寻找永恒意义。这些作品成为穿越时空的桥梁，让观者触摸到关于人性的永恒真理，古老智慧在此与当代思考交汇。 Sous la Voie Lactée Under the Milky Way,

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光彩折射：布伦特·基·杨 (Brent Kee Young) 的玻璃艺术

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Matrix Series: “Pigeon Flat Recall….” by Brent Kee Young, Image credit: Daniel FoxLumina Studio 光彩折射：布伦特·基·杨 (Brent Kee Young) 的玻璃艺术布伦特·基·杨 (Brent Kee Young) 是当代玻璃艺术界的杰出人物，被誉为大师级工匠、创新艺术家和敬业的教育者。作为克利夫兰艺术学院的荣休教授，他的影响力远远超越课堂，遍及美国和亚洲的著名博物馆、画廊和收藏机构。他的最新作品”瀑布” (“Cascade”) 即将在西雅图-塔科马国际机场首次亮相，进一步巩固了他在该领域的卓越地位。杨在整个职业生涯中，一直展现出他在玻璃艺术领域中的创新能力。从早期的《化石》 (Fossil Series) 系列（曾在史密森尼美国艺术博物馆的伦威克画廊展出）到开创性的《矩阵》系列 (Matrix Series) （同样收录于伦威克画廊），杨的作品以精湛技术和创意深度吸引着观众。特别是《矩阵》系列，突显了他对火焰加工硼硅酸盐玻璃棒的掌控，创造出复杂的网状结构，挑战了传统的玻璃艺术观念。 Matrix Series: “Cascade” by Brent Kee Young, Image credit: Daniel FoxLumina Studio 杨的艺术创作核心在于通过精密设计和细致入微的技法展现玻璃的自然流动美。他独特地运用光影效果，创造出实体与虚空之间令人着迷的互动。作品中流畅的、仿若神经网络的图案唤起动感和互联的感受，同时整体造型在坚韧与脆弱之间达成微妙平衡。这种和谐的反差引导观者思考自然与人工领域的交汇，将刚硬与柔软、实体与虚幻无缝地结合在一起。杨作品中错综复杂的精巧设计呼应了我们世界的互联性，折射出自然现象、人类思维和艺术表达中的共通模式。杨独树一帜的玻璃艺术为他赢得了诸多殊荣，其中包括俄亥俄艺术委员会颁发的个人卓越奖，奠定了他在美国及国际工作室玻璃运动中的重要地位。在最近的一次深入对话中，杨深入分享了他的创作历程、艺术哲学及职业发展，使人们得以更全面地了解他对玻璃艺术的热忱、精湛技艺和创新思维。布伦特·基·杨的作品持续影响着当代玻璃艺术的发展方向，不仅启发了全球新锐艺术家，更进一步彰显了他在这一领域的深远影响和卓越贡献。 Matrix Series: “Cubism, Contiguous Lineage…. Interrupted” by Brent

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‘Out of my hands’, 45cm high, 2023 by Ken Eastman, Potter, Ceramic Artist, England

无形似有形的雕塑：肯伊士曼 (Ken Eastman) 在形态与空无中的探索

Ceramics, Glass, Pottery & Clay Arts / Adelina 艾德琳

Self portrait, Image credit: Ken Eastman 无形似有形的雕塑：肯伊士曼 (Ken Eastman) 在形态与空无中的探索肯伊士曼 (Ken Eastman) 凭借其作品《不再四处游荡》,《Don’t Get around much Anymore》获得了2024年罗意威 (Loewe) 工艺奖提名，这是他在陶艺领域中的一个重要里程碑。该作品探讨了空无与存在之间的相互关系，展示了伊士曼在操控粘土方面的精湛技艺。他将这件艺术品描述为对“空即存在”的沉思，通过精心平衡的构图来实现。这一创作过程涉及逐步的决策和对每个元素相互作用的细致关注，逐渐使概念愿景清晰起来。自1980年在爱丁堡艺术学院初次接触黏土以来，伊士曼对陶艺的热情不断加深，演变成对这一基本媒介的深刻哲学思考。他选择使用白色陶器和有限的彩色泥浆和调色板，增强了其雕塑的结构和美学品质。伊士曼使用基本工具进行板材构建的方法，体现了一种约束促进而非限制的创造哲学，使他能够将建筑和绘画元素无缝整合到他的陶艺中。伊士曼以期待和自发的方式对待每件新作品，将制陶视为哲学探究的基本表达。他的创作过程深深植根于不断探索和发现的循环中，成为表达更广泛存在主题的媒介，使每一件作品都成为与生命和艺术内在节奏共鸣的叙事。通过以下与伊士曼的对话，我们将深入了解他的创作哲学和过程。 ‘Don’t get around much anymore’, 65cm high, 2023, Image credit: Ken Eastman 作品简介：你能描述一下《不再四处游荡》这件获得2024年罗意威基金会工艺奖提名作品的灵感和创作过程吗？作品的灵感主要来源于长期的粘土创作实践，旨在通过制作来探索和提出问题。这件作品定义了“空虚即存在”——它是一项研究，探讨构图和平衡如何影响封闭空间，并结合起来创造出能够触动我们情感的作品。这件作品是无数小决定、选择和行动的总和，通过逐步添加逐渐形成，使作品慢慢显现出来。通过这种方式，我能够专注于每个元素如何与其相邻元素相遇和联系，以及它对整体的贡献。 ‘Lost and found’, 55cm high, 2018, Image credit: Ken Eastman 技巧与材料：你近期作品展示了使用白色陶土的卓越技艺。能否详细谈谈你对材料的选择，特别是使用彩色泥浆和氧化物，这些材料如何提升作品的美学和结构品质吗？1980年，在爱丁堡艺术学院接触黏土的几周内，我就意识到这将是我一生的事业。黏土为我打开了无限可能的世界，提供了一种超越语言的普世且永恒的表达方式。我很快发现，材料的抽象性要求我在工作方法上设置结构和限制，以便取得进展——限制反而赋予了我自由。因此，多年来，我一直使用单一的白色陶器黏土、板材构建技术以及一些基本的手工工具——擀面杖、刀子和一些刷子。每当开始创作新作品时，我通常只有一个模糊的想法。我会先用木制擀面杖将陶器黏土擀成板材。实际上，大部分的擀制过程是将黏土拍打平整，擀面杖在过程的最后阶段使材料变得光滑。黏土本身不会提供太多提示——它是冷的和沉默的，因此必须不断做出决定。决定不是关于作品的整体外观，而是关于细节——板材的宽度、长度、厚度等，这些选择决定了形状。将彩色泥浆和氧化物涂在表面，并反复烧制，使我的作品更接近绘画和建筑。 ‘Out of my hands’, 45cm high, 2023, Image

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Head-thorax-abdomen, white drosophila embryo segmentation, 6.3h x 9.8w x 6d, 2013 by Jiyong Lee, Glass Artist, South Korea, USA

塑造美学精髓：李知勇（Jiyong Lee）的前卫玻璃艺术

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Jiyong Lee 塑造美学精髓：李知勇（Jiyong Lee）的前卫玻璃艺术在伊利诺伊州卡本代尔的静谧之处，李志勇（Jiyong Lee）以其精湛的技艺将艺术与科学完美融合，创作出反映生命微妙美的玻璃雕塑。身为杰出艺术家及教育者，自2005年起，他在南伊利诺伊大学的玻璃艺术项目扮演了核心角色，成功地将创新精神与传统元素结合，启发了未来一代。李志勇来自韩国，他的艺术之旅引领他至纽约的罗切斯特理工学院，在那里，他不仅进一步精炼了自己的工艺，还以教师身份传播他的知识与智慧。 Cell-Building block 14 x 14 x 14 inch, 2016, Image credit: Jiyong Lee 李志勇的艺术作品推崇细腻质感和高雅纯净的精神，避开了寻求喧哗的关注，转而以一种平和的魅力吸引观众的目光并激发他们的好奇心。他的雕塑因其宁静的美感和优雅的线条而受到赞誉，鼓励人们深入观察，去发现玻璃深处的精髓。”分割系列”最初由他孩子的超声图像激发，随后通过重温生物学教材，他重新连接了与细胞发展相关的研究——这是他从小就很熟悉的领域，因为他的父亲是名医生，他在一个充满生物学图像的家庭中长大。该系列深入探讨了生命的起源，体现了李志勇对这一主题的深刻思考和探索。 Green Cosmarium segmentation, 7.25 x 10 x 7.25 inch, 2018, Image credit: Jiyong Lee 李志勇运用冷加工与夹层玻璃技艺，通过彩色胶合剂层及复杂的切割手法，丰富了他的雕塑作品，令人联想到木工艺中的细腻技巧。这种精细的工艺创造出在透明与不透明之间变化无穷的艺术作品，反映了生命从混沌到秩序、从无形到有形的转变。李的艺术叙事深入微观世界，聚焦于肉眼难以察见但对我们的生存至关重要的细胞与生命元素。 White Drosophila embryo segmentation, 6.5h x 14.5w x 5.75d (inch), 2014, Image credit: Jiyong Lee 尽管生活中充满了丰富的色彩，李志勇在单色调的简洁美中找到了独到的共鸣，尤其是在白色的使用上，他在其“分割系列”中通过不同密度的层次探索了这一主题。这种偏好突显了光与影之间的微妙互动，在简约的形态中展现了复杂的世界。 Diatom segmentation, 5.75

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By Curtis Benzle, Potter, Ceramic Artist, USA

柯蒂斯·本兹勒（Curtis Benzle）的艺术之旅：提炼光泽优雅的彩色透明瓷

Ceramics, Glass, Pottery & Clay Arts / Adelina 艾德琳

Self portrait, Image credit: Curtis Benzle 柯蒂斯·本兹勒（Curtis Benzle）的艺术之旅：提炼光泽优雅的彩色透明瓷柯蒂斯·本兹勒（Curtis Benzle）在陶瓷世界的旅程是一个引人入胜的故事，始于密西根州希尔斯代尔学院 (Hillsdale College)。在伯特·芬克（Bert Fink）的专业指导下，本兹勒深入研究陶瓷手工制作的传统艺术，点燃了他对这种表现媒介的终身热爱。之后，他的学术之路将他带到了俄亥俄州立大学，在佐久间隆雄（Takao Sakuma）的指导下，他更加注重实践和触觉体验，而不仅仅是理论学习。本兹勒在威斯康辛州与罗伯特·埃克斯 (Robert Eckles）学习期间，职业生涯迎来重要发展，主要在于提升陶艺技能。后来，他被罗彻斯特理工学院的玻璃项目所吸引，对玻璃的清晰度和透明度产生浓厚兴趣。但最终，陶土的丰富性和触感吸引他回归，他在南卡罗来纳州建立了自己的工作室。在那里，本兹勒创造性地结合了玻璃的光感与黏土的物质感，开创了独特的透明瓷和彩色陶土技术。这种被称为“堆层泥”的技术，将他推上了艺术领域的新高度。 Scone, Image credit: Curtis Benzle 本兹勒的艺术之旅证明了他将精致美学与创新工艺相结合的坚定承诺。当我们探索他的旅程以及他的创作过程和理念的演变时，我们与本兹勒进行了深思熟虑的对话，揭示了他在彩色透明瓷方面的专长和面对的挑战。背景：你提到最初对陶轮的热爱导致了你对黏土的终生迷恋。能否详细叙述这一段历程？事实上，我对黏土的热爱并不始于陶艺车轮，而是从密歇根州一所小型文理学院——希尔斯代尔学院，在伯特·芬克（Bert Fink）的指导下学习传统手工制作时开始。我和希尔斯代尔学院并不是特别合拍，因为那时它已经逐渐成为保守思想的堡垒。然而，在离开去俄亥俄州立大学之前，出于兴趣我决定再上一学期的课程。这些课程包括陶瓷学。芬克教授那个夏天让我成为他的助手，我为他的所有课程制作黏土。我发现制作黏土和制作陶器一样有趣。这是化学和创造力的美妙融合。等到我到达俄亥俄州立大学时，我已经全身心投入到黏土中，幸运的是，当时俄亥俄州立大学有一个优秀的陶瓷系。我的第一个OSU陶瓷指导来自佐久间隆雄（Takao Sakuma）。佐久间隆雄英语有限，这很完美，因为它迫使我通过观察和重复动作来学习。当我的美术本科同学们专注于图像、态度和新奇性时，他鼓励我提升自己的技艺。毕业后，我在威斯康辛州贝菲尔德的罗伯特·埃克尔斯（Robert Eckles）那里继续我的陶瓷教育。在本科教育的竞争性喧嚣中脱身后，我继续沿著佐久间隆雄开创的道路前进。在制作了数千件成品后，我的技能和可接受率从接近零缓慢提高到大约 75%。 Pottery example from apprenticeship with Robert Eckels, 1970, Image credit: Curtis Benzle 你能告诉我们更多关于这段旅程是如何开始，以及是什么特别吸引你对瓷器及其透明度的兴趣吗？在罗伯特·埃克尔斯学徒期结束后，我报名参加了罗切斯特理工学院/美国工匠学校的玻璃研究生项目。我在OSU学习了玻璃，并对其鲜艳的色彩和透明度着迷。虽然我喜欢玻璃的外观，但几乎完全没有触感参与是个问题。一年后我离开了玻璃项目，在南卡罗来纳州开了一间黏土工作室。在那里的两年时间里，我制作了很多陶器，但开始思考如何能将玻璃的发光品质与黏土的触感特性结合起来，并开发出一种将成型和装饰过程融合在一起的工作方式，就像玻璃、编织和篮子编织一样。被北伊利诺伊大学粘土研究生课程录取后，我花了一年半的时间开发出一种高度半透明的粘土体以及将颜色直接融入粘土的材料和工艺。因为这种探索早于梅森著色剂的出现，所以我尝试了各种有颜色的材料…氧化物、釉著色剂和釉下著色剂。最终，我找到了能够创造出粉红色、蓝色和黄色的材料，这些材料既能承受2,300 °F度的高温，又能保持新瓷体的半透明性。至于你问我为何被瓷器和透明度所吸引，我更直接的回答是……以下图像一直在我的脑海中。我确切地知道所用材料和最终成品应该是什么样子。更多的是发现和发明特定的方法和材料，将我的想象转化为现实的过程。 Piece from graduate studies at Northern Illinois University, 1976, Image

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Artists: Bernd Weinmayer, Iris van Herpen, BIOMORPHISM, 2019, h=150cm, Photographer: Christoph Ascher; Bernd Weinmayer, Scientific Glass Artist, Austria

伯恩德·温迈尔（Bernd Weinmayer）令人惊叹的科学玻璃艺术

Ceramics, Glass, Pottery & Clay Arts / Adelina 艾德琳

Self portrait, Courtesy: Bernd Weinmayer 奥地利玻璃艺术家，伯恩德·温迈尔（Bernd Weinmayer）的科学玻璃作品（特别是他的等离子体玻璃）以精湛的艺术手法，冷静细腻的表现方式，淋漓尽致地展示出各种生物形态。他的作品不但启发了人们对生命的反思，更激起大家对理解自然的渴望。晶莹剔透的艺术质感代表他对完美的追求，在该领域树立了一个难以匹配的标准，也为他嬴得了数多国际奖项，其中包括2007年美国纽约州康宁市的New Glass Review 28评审团奖；2010年德国兹维塞尔的Gletscherprise Glaskunstpreis奖；2011和2012年荷兰阿姆斯特丹的High Times Cannabis Cup奖。在2006年以及2013年，他的作品被选为德国科堡当代玻璃奖。 Artists: Bernd Weinmayer, Martin Walde, HALLUCIGENIA #21, 2020, Photographer: Christoph Ascher, Courtesy: Bernd Weinmayer 最近他与国际知名时尚设计师，Iris Van Herpen，合作的玻璃连衣裙，更是挑战了所有的不可能，将科学玻璃艺术发挥到极致。我们很荣幸能够采访伯恩德，了解他如何迎接挑战，成为我们这时代备受尊敬的科学玻璃艺术家。 Artists: Bernd Weinmayer, Iris van Herpen, BIOMORPHISM, 2019, Photographer: Christoph Ascher, Courtesy: Bernd Weinmayer 问：你是一位非常杰出的玻璃艺术家。请告诉我们你的艺术养成道路。答：运气，运气，还是运气。我毕业于德国巴伐利亚州巴特艾布林的商业学校。从学校毕业后，我只是想确定我不再继续学习商业。那时17岁的我，完全没有计划，也没有自信，无法想像未来。我们家在Mariastein/Tyrol/Austria有一个度假屋。那是地球上最美丽的地方——一个被群山环抱的宁静朝圣之地。离这个天堂不远处是奥地利唯一的玻璃学校。由于没有其他选择，我母亲说服我去那所学校就读。一次偶然的机会，我进入了科学玻璃吹制部门。我很欣赏那里的老师和学生之间的轻松氛围，但是直到20岁前，我真正的爱好是爬山。每当空闲时，我就在前往某座山的路上。大多是独自一人，有时与培训伙伴一起。周末我们会去比赛。在玻璃学校里，我一直是位普通的学生。在我完成四年培训的第三年时，我的一位训练伙伴受了伤，我想给他一份特别的礼物。我用玻璃做了一个小的跑步者模型。第一次尝试时，我做的模型显示出很好的比例，真是令人惊讶。之后，我又制作了几件实心玻璃人偶。我的老师们很欣赏我的第一件创意作品。那时我在体育方面停滞不前，所以我的野心蔓延到了玻璃艺术上。同年1991年，我在Mariastein建立了一个小型玻璃吹制车间，在上学同时，我的大部分时间都在我的小“火焰地狱”中度过。从那时起，我就被一直伴随我的火焰工作病毒感染到了今天。在完成了4年的玻璃学校后，我又继续在这所学校参加了为期2年的设计和工艺美术高级课程。之后，我立即开始了自己的事业，并逐年地增加了我在商业上的成功——从极低的水平开始。 Artist: Bernd Weinmayer, Austria, MUTANT I, 2020, Photographer:

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