Our Narratives 300 px

Art

Matrix Series: "Cubism VIII" by Brent Kee Young, Glass artist, USA

光彩折射：布伦特·基·杨 (Brent Kee Young) 的玻璃艺术

Art /

Matrix Series: “Pigeon Flat Recall….” by Brent Kee Young, Image credit: Daniel FoxLumina Studio 光彩折射：布伦特·基·杨 (Brent Kee Young) 的玻璃艺术 布伦特·基·杨 (Brent Kee Young) 是当代玻璃艺术界的杰出人物，被誉为大师级工匠、创新艺术家和敬业的教育者。作为克利夫兰艺术学院的荣休教授，他的影响力远远超越课堂，遍及美国和亚洲的著名博物馆、画廊和收藏机构。他的最新作品”瀑布” (“Cascade”) 即将在西雅图-塔科马国际机场首次亮相，进一步巩固了他在该领域的卓越地位。 杨在整个职业生涯中，一直展现出他在玻璃艺术领域中的创新能力。从早期的《化石》 (Fossil Series) 系列（曾在史密森尼美国艺术博物馆的伦威克画廊展出）到开创性的《矩阵》系列 (Matrix Series) （同样收录于伦威克画廊），杨的作品以精湛技术和创意深度吸引着观众。特别是《矩阵》系列，突显了他对火焰加工硼硅酸盐玻璃棒的掌控，创造出复杂的网状结构，挑战了传统的玻璃艺术观念。 Matrix Series: “Cascade” by Brent Kee Young, Image credit: Daniel FoxLumina Studio 杨的艺术创作核心在于通过精密设计和细致入微的技法展现玻璃的自然流动美。他独特地运用光影效果，创造出实体与虚空之间令人着迷的互动。作品中流畅的、仿若神经网络的图案唤起动感和互联的感受，同时整体造型在坚韧与脆弱之间达成微妙平衡。这种和谐的反差引导观者思考自然与人工领域的交汇，将刚硬与柔软、实体与虚幻无缝地结合在一起。杨作品中错综复杂的精巧设计呼应了我们世界的互联性，折射出自然现象、人类思维和艺术表达中的共通模式。 杨独树一帜的玻璃艺术为他赢得了诸多殊荣，其中包括俄亥俄艺术委员会颁发的个人卓越奖，奠定了他在美国及国际工作室玻璃运动中的重要地位。在最近的一次深入对话中，杨深入分享了他的创作历程、艺术哲学及职业发展，使人们得以更全面地了解他对玻璃艺术的热忱、精湛技艺和创新思维。布伦特·基·杨的作品持续影响着当代玻璃艺术的发展方向，不仅启发了全球新锐艺术家，更进一步彰显了他在这一领域的深远影响和卓越贡献。 Matrix Series: “Cubism, Contiguous Lineage…. Interrupted” by Brent […]

光彩折射：布伦特·基·杨 (Brent Kee Young) 的玻璃艺术 Read More »

Bloom 2023, H335x W335x D140cm by Julia Hung, Weaving Artist, Taiwan

台湾新锐艺术家洪郁雯（Julia Hung）：多元文化艺术的动态视角

Art /

Self portrait, Image credit: JuJu Atelier 台湾新锐艺术家洪郁雯（Julia Hung）：多元文化艺术的动态视角 出生于1986年的台北，洪郁雯（Julia Hung）有着多元文化的成长经历。这份经历为她的身份和艺术注入了动态、不断变化的特质。她的创作如水一般，轻松地跨越边界和形式，同时保持其内在本质。这种流动性反映了她多样化的视角，并拥抱了道家关于相互依存和互换性的深刻哲学。 Biomimicry, 2018, mixed media (used plastic bag, resin, wire), H170 x W80 x D70 cm, Image credit: JuJu Atelier 热爱海洋的洪郁雯，曾在不同国家生活，这让她对海洋有强烈的归属感。从加拿大、瑞士到回到台湾，她创作了第一件用回收塑料袋制作的作品，名为“仿生 Biomimicry”，深受自然启发，模仿鱼尾、落叶和海草的形态和特征，对消费主义下的价值观提出疑问，并提倡自然中的平衡，以重新定义价值。  Infinite, 2022, Enamelled copper wire, stainless steel plate and screw, H178 x W90 x D90 cm, Image credit: JuJu Atelier Infinite, 2022, Enamelled copper

台湾新锐艺术家洪郁雯（Julia Hung）：多元文化艺术的动态视角 Read More »

Head-thorax-abdomen, white drosophila embryo segmentation, 6.3h x 9.8w x 6d, 2013 by Jiyong Lee, Glass Artist, South Korea, USA

塑造美学精髓：李知勇（Jiyong Lee）的前卫玻璃艺术

Art /

Jiyong Lee 塑造美学精髓：李知勇（Jiyong Lee）的前卫玻璃艺术 在伊利诺伊州卡本代尔的静谧之处，李志勇（Jiyong Lee）以其精湛的技艺将艺术与科学完美融合，创作出反映生命微妙美的玻璃雕塑。身为杰出艺术家及教育者，自2005年起，他在南伊利诺伊大学的玻璃艺术项目扮演了核心角色，成功地将创新精神与传统元素结合，启发了未来一代。李志勇来自韩国，他的艺术之旅引领他至纽约的罗切斯特理工学院，在那里，他不仅进一步精炼了自己的工艺，还以教师身份传播他的知识与智慧。 Cell-Building block 14 x 14 x 14 inch, 2016, Image credit: Jiyong Lee 李志勇的艺术作品推崇细腻质感和高雅纯净的精神，避开了寻求喧哗的关注，转而以一种平和的魅力吸引观众的目光并激发他们的好奇心。他的雕塑因其宁静的美感和优雅的线条而受到赞誉，鼓励人们深入观察，去发现玻璃深处的精髓。”分割系列”最初由他孩子的超声图像激发，随后通过重温生物学教材，他重新连接了与细胞发展相关的研究——这是他从小就很熟悉的领域，因为他的父亲是名医生，他在一个充满生物学图像的家庭中长大。该系列深入探讨了生命的起源，体现了李志勇对这一主题的深刻思考和探索。 Green Cosmarium segmentation, 7.25 x 10 x 7.25 inch, 2018, Image credit: Jiyong Lee 李志勇运用冷加工与夹层玻璃技艺，通过彩色胶合剂层及复杂的切割手法，丰富了他的雕塑作品，令人联想到木工艺中的细腻技巧。这种精细的工艺创造出在透明与不透明之间变化无穷的艺术作品，反映了生命从混沌到秩序、从无形到有形的转变。李的艺术叙事深入微观世界，聚焦于肉眼难以察见但对我们的生存至关重要的细胞与生命元素。 White Drosophila embryo segmentation, 6.5h x 14.5w x 5.75d (inch), 2014, Image credit: Jiyong Lee 尽管生活中充满了丰富的色彩，李志勇在单色调的简洁美中找到了独到的共鸣，尤其是在白色的使用上，他在其“分割系列”中通过不同密度的层次探索了这一主题。这种偏好突显了光与影之间的微妙互动， 在简约的形态中展现了复杂的世界。 Diatom segmentation, 5.75

塑造美学精髓：李知勇（Jiyong Lee）的前卫玻璃艺术 Read More »

Picos 2 by Vanessa Barragão, Textile artist, Portugal

瓦妮莎·巴拉冈：纺织艺术与环保之结合

Art /

Self portrait, Courtesy: Pedro Sadio Photography 瓦妮莎·巴拉冈：纺织艺术与环保之结合 葡萄牙南方的阿尔布费拉有着欧洲最佳的海滩，临近大西洋，为瓦妮莎·巴拉冈，一位生长于此地的艺术家，提供了无尽的创作灵感和对环境的尊重。她用纺织工厂回收的纱线创作出墙挂和地毯，它们如同大自然的模样，绵延不断、缠绕，形成了一种沉浸式的艺术装置。 凡妮莎用废弃毛线所编织出的挂毯，充满了活力，呈现出多重的风景面貌。她的环境作品包括了脆弱的珊瑚生态系统，真菌，藻类，岩石池，植物和宇宙的纹理。作为科学艺术的坚定拥护者，她为庞大的纺织业所废弃的残余物注入了新的生命。每件作品色彩鲜艳、设计精心，不仅展示了她的艺术才华，更提醒了人们纺织业对海洋生态系统破坏的足迹。 Coral Garden, Courtesy: Vanessa Barragão 艺术之旅 受到家族工艺的影响，凡妮莎走上了艺术之路。她的祖母擅长编织复杂的地毯，父亲是一位高超的木匠。这些家族的传统手艺深深地影响了她。直到高中毕业后，她才远赴里斯本学习时装设计并开始工作。在纺织业工作时，她目睹了浪费，这成为她人生的转折点，她决定重新利用被遗弃的纺织品，转化为独特的艺术作品。 Five Flower Lake, 2023, Courtesy: Vanessa Barragão 艺术背后的工艺 她在2014年创办的工作室是对环保理念的实践。从被废弃的羊毛到合成纤维，她的作品展现了丰富的色彩和形态。利用古老手工技巧，如搭钩、手揉、刺绣、毡和钩针，加上创新，凡妮莎为大自然的美景献上了艺术致敬。 A 20 Foot-Wide Tapestry by Vanessa Barragão at London’s Heathrow Airport, Courtesy: Vanessa Barragão A 20 Foot-Wide Tapestry by Vanessa Barragão at London’s Heathrow Airport, Courtesy: Vanessa Barragão 从想法到创作 瓦妮莎的艺术品是自然地演变。尽管她总是从客户的需求开始，但她的创造力却无法被限制。每一件作品都诉说着一个独特的故事。例如，为庆祝英國伦敦希思罗机场和皇家植物园的合作，她被委托创作了一幅巨大的植物挂毯。为了捕捉地球的多样环境，她使用了各种颜色和纹理来代表这颗星球的生动地貌。

瓦妮莎·巴拉冈：纺织艺术与环保之结合 Read More »

Helio Curve 2015 for Hyundai Motor Company by Reuben Margolin, Sculptor, Artist, USA

鲁本·马戈林 (Reuben Margolin) ：在动态雕塑中巧妙地融合艺术、自然和数学

Art /

Self Portrait, Photo Credit: Pamela Palma 鲁本·马戈林 (Reuben Margolin) ：在动态雕塑中巧妙地融合艺术、自然和数学 鲁本·马戈林 (Reuben Margolin) ，是一位享誉国际的艺术家。他巧妙地将对大自然、数学和创新表达的热爱融为一体，从而创造出引人入胜的动态雕塑。在加州伯克利市长大的鲁本，其童年充满了户外冒险和木制创作，这些成长经验点燃了他对美丽自然世界的终身迷恋。 鲁本将艺术和数学的热情相结合，开发出一种独特的雕塑风格。从在意大利佛罗伦萨的查尔斯·塞西尔工作室学习光线和阴影，到在俄罗斯圣彼得堡艺术学院探索体积和质量，鲁本的学习经历塑造了他观察和理解元素相互作用的能力，使他能够引领观众，走进光影交织的奇幻世界中。 Dandelion 2017, Photo Credit: Richard Vertz 我们很高兴有机会采访鲁本并深入探讨他的创作世界。请加入我们，一起探索他非凡雕塑背后复杂的艺术性和富有想像力的视野。 问：请告诉我们你作为艺术家的背景和培训。你是如何发展动态雕塑并将自然与数学相结合？ 答：我生于20世纪70年代的加州伯克利市并在那长大。我的父母喜欢露营，所以我们花了很多时间在户外。我总是用木头制作物品，例如一对高跷、一个鸭子木偶，甚至还有一辆拖车，这样我就可以拖我们的独木舟。我们和许多人一样，都经历过那些难得的时光。当大自然突破平凡的日常生活时，我们观察到了一些美丽甚至神秘的现象。我也喜欢数学并享受挑战尤其是将自然模式描述为方程组。当我将所有这些元素混合在一起时，我创造了受自然和数学启发的动态雕塑！ 问：是什么促使你从学习数学和英语转向从事艺术事业？你早期的木工和绘画经历对你有何影响？ 答：我高中时喜欢数学，尤其是用数学，圆规和直尺做几何构造。我在哈佛时主修数学，但我也喜欢户外活动，因为想去露营，所以将专业改为地质学，然后是人类学，因为我想去旅行，最后主修变为英语，因为我想要成为一名诗人。然而，更早之前，我一直喜欢手工制作物品，当我用尽了所有的可能性，我想也许我是一名艺术家，如果是的话，我就应该学习如何绘制。 Helio Curve 2015 for Hyundai Motor Company, Photo Credit: Reuben Margolin 问：请描述一下你在意大利和俄罗斯学习时的经历？这些经历如何塑造了你的艺术视野，特别是在观察光影和构建体积和质量方面？ 答：我在两个写实派绘画学校度过了一段时间，分别是意大利佛罗伦萨的查尔斯·塞西尔工作室和俄罗斯的圣彼得堡艺术学院。意大利的学校教我如何画我看到的。我们花了好几天时间研究石膏模型中的阴影和高光，我喜欢那段经历的每一分钟。而当我去俄罗斯时，我发现他们从人类经验的另一层面来绘画，那就是通过了解人体解剖学来构建体积和质量。我意识到，观察世界有两种不同角度，但同样都是有效方法，这对我来说是一种启示，因此两种方法我都会使用。 Caterpillar with Chariot 2018. Photo Credit: Chris Potter 问：请分享一下你在苏格兰奥查顿之家 (Orchardton House) 驻地期间的经历？与一只绿色毛毛虫的邂逅是如何激发你对动态雕塑的兴趣？是什么驱使你去探索毛毛虫和蝴蝶的动能？ 答：在奥查顿之家的艺术家驻地生活非常有趣。大约有40位艺术家、音乐家、木工和铁匠，他们都在苏格兰乡村的一座巨大的石头豪宅中共同生活。每天我都会走到海岸，欣赏美丽的悬崖和泥滩。绘画了几个月后，我开始渴望用木头创作，也做一些数学题，那是因为我部分的思维在绘画中没有体现出来。我想到了几年前在犹他州徒步时看到的毛毛虫以波浪方式移动，于是我决定花几个星期时间来计算这方面的数学问题并制作了一只毛毛虫。我并未意识到这会改变我的生活方向。从那时起，我已经花了25年在波动和毛毛虫雕塑上。 Nebula 2010 for

鲁本·马戈林 (Reuben Margolin) ：在动态雕塑中巧妙地融合艺术、自然和数学 Read More »

"Old Meadows", oil on linen by John MacDonald, Painter, Artist, USA

约翰·麦克唐纳 (John MacDonald) 描绘的崇高自然之美

Art /

Self portrait Courtesy: John MacDonald 约翰·麦克唐纳 (John MacDonald) 描绘的崇高自然之美 美国知名的外光派风景画画家，约翰.麦克唐纳（John MacDonald）以其柔和的色调、微妙的笔触，流畅的结构和安静的氛围而闻名。受早期印象派大师和后期的调性主义（Tonalism）影响，约翰的绘画不但表现出​​他对大自然千变万化的敏锐直觉，同时也反映出他内心的情绪转折以及心灵的升华。他的画风深沈，内谏，且收放自如，每每赋予观者冷暖交织的色彩，以及恬静诗意的心境。 “October Dusk”, oil on linen, Courtesy: John MacDonald 约翰的画有丰富的视觉语言。他形象地表现了环境在光线影响下的颜色变化。难得的是，他的画能在变化中达到宁静和谐的境界。约翰对风景画有其独到的见解；除了基本的绘画技巧外，他还相信“价值观——（光和影）在绘画中创造的光、空间和形式的幻觉”的重要性；一幅画的好坏，取决于画家对这方面的掌握和把控。 我们很荣幸能与约翰进行以下对话。他不仅分享了作为画家的心路历程，还提供了宝贵的绘画技法和理论见解，让我们受益匪浅。 “California Coast”, oil on linen, Courtesy: John MacDonald 问：你的外光派风景画作是如此出色迷人。请与我们分享你是如何成为如此杰出的艺术家。 答：和大多数艺术家一样，我对绘画的热爱从很小的时候就开始了。在大学时，我主修美术，然后继续在法国学习版画，获得了绘画硕士学位。直到结婚和第一个儿子出生后，我觉得有必要为家里的收入做出贡献，于是我开始从事自由插画工作。直到2010年初，我才重返全职绘画。 我一直觉得与大自然有著深厚的联系。现在回想起来，成为一名风景画家，对我来说是无法避免。然而，多年前，我以为最终会放弃风景画，并且完全离开具有具象性的工作。相反地，我现在发现这个主题越来越具有挑战性和意义。 “Summer Repose”, oil on linen, Courtesy: John MacDonald 问：绘画对你来说是什么？你试图通过你的画与观众交流什么？ 答：画了40年后，我不再去想太多完成的作品，也不再想它们缊含著什么样的信息。绘画越来越成为一种借口，让我完全沉浸在自然的状态中——在自然界中，瞬息万变的光线、颜色和形式中，远离人类的一切事物。目前，绘画对我来说，它既是一种审美体验，也是一种精神体验。如果我的画中有某种信息，那就是与19世纪中叶和20世纪初被称为调性主义的艺术运动保持一致。这与心情有关——在特定地点和时间对风景的安静沉思。 问：你认为动态景观画的重要元素是什么。 答：每幅画都由两个重要组成部分：绘画的主观性、特定信息（意图）和绘画的客观性、普遍结构（技术）；后者的成功取决于在每幅画中存在的五个元素，无论其流派如何：那就是构图、明度、颜色、边缘和细节。 当技术和绘画结构与信息无缝融合时，结果就是一幅可以吸引和打动观众的画作。创造不同于人物画、静物、海景或城市景观的“动态”景观并没有什么独特之处。任何绘画的成功都取决于视觉语言的基本元素。 “Slow Waterz’, oil on linen, courtesy: John MacDonald 问：你在Youtube视频中谈到了绘画的价值观。它们是什么以及如何确定它们的优先顺序。 答：正是价值观（明暗）在绘画中创造了光、空间和形式的幻觉。（即使是纯粹的抽象绘画也依赖价值观来创造作品的结构。）价值观有两种：基础（或主要）价值和次要价值。基础价值是构成构图的大而基本形状的2-5个值。一幅简单的山水画只能由浅色天空和深色地面组成。在这种情况下，有两个基础值。开始绘画时，确定基础值及其关系至关重要。

约翰·麦克唐纳 (John MacDonald) 描绘的崇高自然之美 Read More »

“Monarchs Drift” (2022), oil on linen, 121 x 153 centimeters by Nathan Walsh, Painter, Artist, UK

内森·沃尔什（Nathan Walsh）描绘的“既不在这里也不在那里”的世界

Art /

Self portrait, Courtesy: Nathan Walsh 内森·沃尔什（Nathan Walsh）描绘的“既不在这里也不在那里”的世界 内森·沃尔什（Nathan Walsh）凭借著天赋和多年对建筑绘画技巧的掌握，逐渐地成为一位完美的超写实艺术家。他擅长于在城市景观中，变换视角和渲染细节。目前，内森致力于将不同的时间、空间和场景巧妙地融合起来，创造出一个如梦似幻的多元宇宙世界，让人沉浸与向往。 童年的记忆、旅行的印象、周遭的环境，均成为内森多年来绘画的参考点。从这些参考点，他添加细节，例如光的反射，街道的纹理以及层次分明的色彩，然后从不同的角度来创建建筑物和景观。因此，他的画作永远不会沉闷，太多的细节和惊喜让人目不暇接。 “Rue Des Saints” (2022), oil on linen, 129 x 123 centimeters, Courtesy: Nathan Walsh 从他最近的作品中，如”Rue des Saints”和“Monarchs Drift”，观赏者可以看到内森的求变精神。这两幅画加入了更多的元素和技法，使不同的场景得以相互融合而不冲突；画作更加流畅和更具敏锐性；勾勒出动态的多元宇宙世界。他巧妙地利用消失点（两条平行线在视觉上总会汇聚于很远很远的某一点）的绘画技巧，从中蜕变，升华，从而提供给观赏者更多的想像空间。 我们很荣幸能够采访到这位才华横溢的艺术家。在下面的访谈中，他详细地描述了自己的绘画技巧和心境。我们希望它能激发读者更多的想像力和欣赏角度。 “Delmonico’s” (2021), oil on linen, 87 x 90 centimeters, Courtesy: Nathan Walsh 问：你的城市景画非常壮观。将观众带入既令人怀旧而又困惑的世界。首先，请与我们分享你的建筑绘画背景。答：在英国，我遵循了一条相当传统的艺术教育路线，先是基础课程，接著是学位，然后是硕士学位。我有幸在攻读硕士学位时，师从两位杰出的写实主义画家，史蒂夫·怀特海德 （Steve Whitehead）和克莱夫·海德 （Clive Head）。虽然克莱夫在我还在读书的时候就离开了全职画画，但我还继续和他保持了多年的友谊。虽然这不是正式的教学关系，但我相信他的建议和分享知识的意愿对我的发展至关重要。 大约在2000年代中，写实主义，特别是照片写实主义受到了广泛的关注，尤其是在欧洲。在当时，克莱夫和Ben Johnson等欧洲艺术家，不论在博物馆或是画廊所举办的多项展览，均很突出。其重点是尝试扩展照片写实主义的视觉语言，而不是仅仅重复过去的范本，这一点对我来说很为明显。至关重要的是放弃照片写实主义的绘画主题，通过机械或半机械的方式将图像从源头转移到画布上。必须探索构建图形空间的新视角，而不是投影或仿制图像。通过应用先简单后复杂的透视绘画方式，我可以越来越少地依赖摄影图像及其处理方式。在2005年左右，我的许多画作都是通过单点透视构建的，到了2013年，单幅画作通常有数百个独立的消失点、多条地平线和站点。通过这种演变，我能够完全地掌控绘画过程以及想像的绘画空间。 “Metaphores” (2023), oil on linen, 122 x

内森·沃尔什（Nathan Walsh）描绘的“既不在这里也不在那里”的世界 Read More »

DRIFT与自然相连的表演装置艺术

Art /

DRIFT Partners, Lonneke Gordijn and Ralph Nauta, Dutch, Courtesy: DRIFT DRIFT与自然相连的表演装置艺术 一直以来，DRIFT就对大自然的鸟类、云彩、波浪和动物之间的移动模式感到好奇，也是其装置艺术的驱动因素。 DRIFT是一家独特的艺术和设计工作坊，由两位荷兰艺术家Lonneke Gordijn和Ralph Nauta于2007年创立。多年来，DRIFT通过利用先进技术来模拟自然的潜在机制而确立了自己的地位。正如DRIFT的座右铭所说：“DRIFT通过使用技术来展示自然现象和隐藏特性，以便从地球的潜在机制中学习并重新建立人类与它的联系。” Flightlight, PAD Paris (FR), Courtesy: Adrien Millot 通过DRIFT的项目，如鸟群（Flylight）、闪灯 – 花朵随环境的开合（Shylight）、振幅波（Amplitude）等，DRIFT巧妙地改造了空间，并将观众与人造自然联系起来，以唤起人们对这一神秘机制的欣赏和认识。同时，他们提出更深层次的问题，例如个人与群体行为、人性与自然等之间的微妙平衡。 多年来，DRIFT也致力于用无人机舰队照亮天空。他们使用“真实生活、真人大小的渲染图来形象化不可能的事物”，创造了奇妙的空中雕塑、装置和表演。目前，他们的重建建筑物（Re-building buildings）项目则是呼吁所有建筑师来展望他们的未来工作，并以可持续且令人着迷的方式实现他们的设计。DRIFT再次使用其技术帮助人们形象化他们的希望和梦想。 我们很高兴能够联系到DRIFT并进行以下采访。通过这次采访，我们很高兴向你展示DRIFT多年来发起和参与的各种项目。 问：DRIFT是间独特的设计工作坊。首先，请介绍一下创始人，朗内克·戈尔丁 （Lonneke Gordijn）和拉尔夫·诺塔（Ralph Nauta）的背景。答：小时候，朗内克就已感受到与大自然的紧密联系，因为正是大自然的无形过程引起了她的注意。而拉尔夫则对科幻小说很感兴趣，并对我们的复杂发明感到惊讶。 朗内克和拉尔夫在设计学院相识，他们都在那里学习。毕业后，他们开始追求各自的艺术创作。因为他们共用一间工作室，一年之内，他们即开始合作。 在2006年，Studio Drift就此诞生了，此为当时的名字。 问：DRIFT的设计理念是什么？答：朗内克解释“在动画和虚拟现实中，一切都可以模拟。但我们认为创造真实的体验很重要，你可以在现实世界中用自己的眼睛感受和看到，而不是通过屏幕。我们创造你认为不可能的艺术品和体验，但它们是真实的现场体验。” ShyLight at Art Basel Miami 2021 (USA), Courtesy: Ossip van Duivenbode 问：请与我们分享DRIFT最近在纽约市芭蕾舞团剧院的装置；它的主题和设计。答：纽约市芭蕾舞团为了举办第十届年度艺术系列，他们邀请一位当代艺术家创作一件特定地点的作品，这些作品会在他们的冬季展出。今年是DRIFT被纽约市芭蕾舞剧院邀请，为他们安装了标志性的作品，闪灯（Shylight），配合由艺术家自己监督的定制编舞。闪灯是一个表演雕塑，将工业电机的运动与丝绸酒杯状结构结合成自然的舞蹈编排，目的是在静态的材料中找到鲜活的情感和个性。闪灯的灵感来自花朵响应环境开合能力的自然机制。 Flylight at Arsenale Biennale Venice 2014 (IT),

DRIFT与自然相连的表演装置艺术 Read More »

“The Tree in Me” by Christian Verginer, Artist, Sculptor, Italy

意大利雕塑家克里斯蒂.韦吉纳（Christian Verginer）与自然和谐共处的纯粹追求

Art /

Self portrait, Courtesy: Christian Verginer 意大利雕塑家克里斯蒂.韦吉纳（Christian Verginer）与自然和谐共处的纯粹追求 位于意大利北部的上阿迪杰地区（Alto Adige region），住著一位年轻雕塑家，克里斯蒂.韦吉纳（Christian Verginer）。他用一颗纯净的心和敏锐的双眼来观察世界，并用创作来追求人生真理。他在雕刻中运用少数且反差的颜色，生动的表情以及内省的主题来述说著心中的愿景，那就是人类有能力与自然之间和谐共存，没有冲突。经由精湛的雕刻技术，他的作品充充份地表达了这颗赤子之心，更淋漓尽致地阐释了人与自然的关系。 “The Tree in Me”, Courtesy: Christian Verginer “The Tree in Me”, Courtesy: Christian Verginer 年轻的孩子在他的雕塑中占有重要地位。不论是在“The Tree in Me”, “Different stories”还是在“Too far too close”作品中，他将孩子的天真无邪，尤其是自我与大自然之间的想像与困惑，表现无疑。他巧妙地将孩子们的目光、表情和动作融入到艺术作品中，不仅唤起了人们对自己童年的怀念，同时也唤醒了人们久已遗忘的纯真和与自然和谐相处的渴望。 克里斯蒂与父亲Willy Verginer以及孪生兄弟Matt Verginer在雕塑领域中，各有长才及发展。他们将于今年5月在纽伦堡的一家画廊举行联展。希望以下我们与克里斯蒂的对话，能让你更加了解他本人及作品。 “Different stories” (2021), Courtesy: Christian Verginer 问：你的木雕，不论是外观或是试图传达的含义都非常独特。请先与我们分享你的木雕培训。答：在我生活和工作的所在地，意大利的Val Gardena山谷里，有著悠久的木雕传统。这个传统可以追溯到大约500年前，当时这里的木匠为世界各地的教堂雕刻宗教雕塑，同时也生产木制玩具……因此，在我们的山谷中有专门的木工学校。我的学习之旅很自然地从义务教育开始，之后我上了一所艺术高中，直到18 岁。在国家考试之后，我选择去托斯卡纳的卡拉拉（Carrara，Tuscany）美术学院学习一年。 我很幸运有一位雕塑家父亲，因此在卡拉拉待了一年后，我回到家，在父亲的工作室里工作，并且学到了更多的雕刻技艺。至今，我已经与父亲威利和孪生兄弟马蒂亚斯一起工作了近22年。 “Too far too close” (2023), Courtesy: Christian Verginer

意大利雕塑家克里斯蒂.韦吉纳（Christian Verginer）与自然和谐共处的纯粹追求 Read More »

Iris Germanica ‘Baltic Star’ XL Gold 33 x 27” Hand applied 23,75 karat gold leaf over archival inks and watercolor by Ingrid Elias, Botanic Artist, the Netherlands

英格丽德·埃利亚斯（Ingrid Elias）画笔下飞舞的鸢尾花

Art /

Self portrait, Courtesy: Ingrid Elias 英格丽德·埃利亚斯（Ingrid Elias）画笔下飞舞的鸢尾花 英格丽德·埃利亚斯（Ingrid Elias）是位住在荷兰的植物艺术家，因其作品中表现出的生动，精准度，自由感，以及对细节的关注而闻名。她对色彩的运用非常出色，不仅丰富，而且在纹理中传达出动态的对比水平，从而为主题本身赋予了隽永的生命力。她所描绘的鸢尾花，尤其是胡须鸢尾花，展示了她能够画出花朵最优雅的一面，就像在风中翩翩起舞的舞者一样。 在2018年全职致力于水彩画之前，英格丽德参加了各种绘画研讨会和课程。一旦她掌握了技巧，她的艺术事业就起飞了，现在人们为她的花卉风格所著迷。在过去的十年中，她不断地在博物馆和艺术画廊展出她的艺术作品（如 The Shirley Sherwood Gallery、Kew Gardens、London、Noordbrabants Museum、Historic centre of ‘s-Hertogenbosch, NL、Museum De Zwarte Tulp, Lisse, NL、Flower Art Museum，Aalsmeer，NL等）。我们很高兴能够在接下来的采访中展示她精湛的植物绘画艺术。 Iris Germanica ‘Premier Cru’ XL Rose Gold 27 x 31” Hand applied 22 karat rose gold leaf over archival inks and watercolor, Courtesy: Ingrid Elias 问：你的植物艺术非常地精致。请与我们分享你如何成为如此优秀的艺术家。 答：非常感谢你的客气话，如此令人鼓舞。我成为艺术家的道路或多或少地在潜意识中显露出来。当我在2009年第一次接触水彩这一媒介时，我无法预期它会引导我进入现在的阶段。当时我是一名行政助理，我觉得有必要创造性地挑战自己。所以我决定在2009年参加水彩画课程。 在那个课程中，我很快就明白自己偏爱细致的画风，我喜欢花几个小时采用最适合的画笔来作画。当我参观一个展示植物艺术的博物馆时，我就对用水彩来详细描绘花朵非常地著迷，于是我开始寻找机会学习植物绘画的基础知识。我很快就加入了荷兰植物艺术家协会，并报名参加了Anita

英格丽德·埃利亚斯（Ingrid Elias）画笔下飞舞的鸢尾花 Read More »