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Head-thorax-abdomen, white drosophila embryo segmentation, 6.3h x 9.8w x 6d, 2013 by Jiyong Lee, Glass Artist, South Korea, USA

塑造美学精髓：李知勇（Jiyong Lee）的前卫玻璃艺术

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Jiyong Lee 塑造美学精髓：李知勇（Jiyong Lee）的前卫玻璃艺术 在伊利诺伊州卡本代尔的静谧之处，李志勇（Jiyong Lee）以其精湛的技艺将艺术与科学完美融合，创作出反映生命微妙美的玻璃雕塑。身为杰出艺术家及教育者，自2005年起，他在南伊利诺伊大学的玻璃艺术项目扮演了核心角色，成功地将创新精神与传统元素结合，启发了未来一代。李志勇来自韩国，他的艺术之旅引领他至纽约的罗切斯特理工学院，在那里，他不仅进一步精炼了自己的工艺，还以教师身份传播他的知识与智慧。 Cell-Building block 14 x 14 x 14 inch, 2016, Image credit: Jiyong Lee 李志勇的艺术作品推崇细腻质感和高雅纯净的精神，避开了寻求喧哗的关注，转而以一种平和的魅力吸引观众的目光并激发他们的好奇心。他的雕塑因其宁静的美感和优雅的线条而受到赞誉，鼓励人们深入观察，去发现玻璃深处的精髓。”分割系列”最初由他孩子的超声图像激发，随后通过重温生物学教材，他重新连接了与细胞发展相关的研究——这是他从小就很熟悉的领域，因为他的父亲是名医生，他在一个充满生物学图像的家庭中长大。该系列深入探讨了生命的起源，体现了李志勇对这一主题的深刻思考和探索。 Green Cosmarium segmentation, 7.25 x 10 x 7.25 inch, 2018, Image credit: Jiyong Lee 李志勇运用冷加工与夹层玻璃技艺，通过彩色胶合剂层及复杂的切割手法，丰富了他的雕塑作品，令人联想到木工艺中的细腻技巧。这种精细的工艺创造出在透明与不透明之间变化无穷的艺术作品，反映了生命从混沌到秩序、从无形到有形的转变。李的艺术叙事深入微观世界，聚焦于肉眼难以察见但对我们的生存至关重要的细胞与生命元素。 White Drosophila embryo segmentation, 6.5h x 14.5w x 5.75d (inch), 2014, Image credit: Jiyong Lee 尽管生活中充满了丰富的色彩，李志勇在单色调的简洁美中找到了独到的共鸣，尤其是在白色的使用上，他在其“分割系列”中通过不同密度的层次探索了这一主题。这种偏好突显了光与影之间的微妙互动， 在简约的形态中展现了复杂的世界。 Diatom segmentation, 5.75 […]

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Picos 2 by Vanessa Barragão, Textile artist, Portugal

瓦妮莎·巴拉冈：纺织艺术与环保之结合

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Self portrait, Courtesy: Pedro Sadio Photography 瓦妮莎·巴拉冈：纺织艺术与环保之结合 葡萄牙南方的阿尔布费拉有着欧洲最佳的海滩，临近大西洋，为瓦妮莎·巴拉冈，一位生长于此地的艺术家，提供了无尽的创作灵感和对环境的尊重。她用纺织工厂回收的纱线创作出墙挂和地毯，它们如同大自然的模样，绵延不断、缠绕，形成了一种沉浸式的艺术装置。 凡妮莎用废弃毛线所编织出的挂毯，充满了活力，呈现出多重的风景面貌。她的环境作品包括了脆弱的珊瑚生态系统，真菌，藻类，岩石池，植物和宇宙的纹理。作为科学艺术的坚定拥护者，她为庞大的纺织业所废弃的残余物注入了新的生命。每件作品色彩鲜艳、设计精心，不仅展示了她的艺术才华，更提醒了人们纺织业对海洋生态系统破坏的足迹。 Coral Garden, Courtesy: Vanessa Barragão 艺术之旅 受到家族工艺的影响，凡妮莎走上了艺术之路。她的祖母擅长编织复杂的地毯，父亲是一位高超的木匠。这些家族的传统手艺深深地影响了她。直到高中毕业后，她才远赴里斯本学习时装设计并开始工作。在纺织业工作时，她目睹了浪费，这成为她人生的转折点，她决定重新利用被遗弃的纺织品，转化为独特的艺术作品。 Five Flower Lake, 2023, Courtesy: Vanessa Barragão 艺术背后的工艺 她在2014年创办的工作室是对环保理念的实践。从被废弃的羊毛到合成纤维，她的作品展现了丰富的色彩和形态。利用古老手工技巧，如搭钩、手揉、刺绣、毡和钩针，加上创新，凡妮莎为大自然的美景献上了艺术致敬。 A 20 Foot-Wide Tapestry by Vanessa Barragão at London’s Heathrow Airport, Courtesy: Vanessa Barragão A 20 Foot-Wide Tapestry by Vanessa Barragão at London’s Heathrow Airport, Courtesy: Vanessa Barragão 从想法到创作 瓦妮莎的艺术品是自然地演变。尽管她总是从客户的需求开始，但她的创造力却无法被限制。每一件作品都诉说着一个独特的故事。例如，为庆祝英國伦敦希思罗机场和皇家植物园的合作，她被委托创作了一幅巨大的植物挂毯。为了捕捉地球的多样环境，她使用了各种颜色和纹理来代表这颗星球的生动地貌。

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Helio Curve 2015 for Hyundai Motor Company by Reuben Margolin, Sculptor, Artist, USA

鲁本·马戈林 (Reuben Margolin) ：在动态雕塑中巧妙地融合艺术、自然和数学

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Self Portrait, Photo Credit: Pamela Palma 鲁本·马戈林 (Reuben Margolin) ：在动态雕塑中巧妙地融合艺术、自然和数学 鲁本·马戈林 (Reuben Margolin) ，是一位享誉国际的艺术家。他巧妙地将对大自然、数学和创新表达的热爱融为一体，从而创造出引人入胜的动态雕塑。在加州伯克利市长大的鲁本，其童年充满了户外冒险和木制创作，这些成长经验点燃了他对美丽自然世界的终身迷恋。 鲁本将艺术和数学的热情相结合，开发出一种独特的雕塑风格。从在意大利佛罗伦萨的查尔斯·塞西尔工作室学习光线和阴影，到在俄罗斯圣彼得堡艺术学院探索体积和质量，鲁本的学习经历塑造了他观察和理解元素相互作用的能力，使他能够引领观众，走进光影交织的奇幻世界中。 Dandelion 2017, Photo Credit: Richard Vertz 我们很高兴有机会采访鲁本并深入探讨他的创作世界。请加入我们，一起探索他非凡雕塑背后复杂的艺术性和富有想像力的视野。 问：请告诉我们你作为艺术家的背景和培训。你是如何发展动态雕塑并将自然与数学相结合？ 答：我生于20世纪70年代的加州伯克利市并在那长大。我的父母喜欢露营，所以我们花了很多时间在户外。我总是用木头制作物品，例如一对高跷、一个鸭子木偶，甚至还有一辆拖车，这样我就可以拖我们的独木舟。我们和许多人一样，都经历过那些难得的时光。当大自然突破平凡的日常生活时，我们观察到了一些美丽甚至神秘的现象。我也喜欢数学并享受挑战尤其是将自然模式描述为方程组。当我将所有这些元素混合在一起时，我创造了受自然和数学启发的动态雕塑！ 问：是什么促使你从学习数学和英语转向从事艺术事业？你早期的木工和绘画经历对你有何影响？ 答：我高中时喜欢数学，尤其是用数学，圆规和直尺做几何构造。我在哈佛时主修数学，但我也喜欢户外活动，因为想去露营，所以将专业改为地质学，然后是人类学，因为我想去旅行，最后主修变为英语，因为我想要成为一名诗人。然而，更早之前，我一直喜欢手工制作物品，当我用尽了所有的可能性，我想也许我是一名艺术家，如果是的话，我就应该学习如何绘制。 Helio Curve 2015 for Hyundai Motor Company, Photo Credit: Reuben Margolin 问：请描述一下你在意大利和俄罗斯学习时的经历？这些经历如何塑造了你的艺术视野，特别是在观察光影和构建体积和质量方面？ 答：我在两个写实派绘画学校度过了一段时间，分别是意大利佛罗伦萨的查尔斯·塞西尔工作室和俄罗斯的圣彼得堡艺术学院。意大利的学校教我如何画我看到的。我们花了好几天时间研究石膏模型中的阴影和高光，我喜欢那段经历的每一分钟。而当我去俄罗斯时，我发现他们从人类经验的另一层面来绘画，那就是通过了解人体解剖学来构建体积和质量。我意识到，观察世界有两种不同角度，但同样都是有效方法，这对我来说是一种启示，因此两种方法我都会使用。 Caterpillar with Chariot 2018. Photo Credit: Chris Potter 问：请分享一下你在苏格兰奥查顿之家 (Orchardton House) 驻地期间的经历？与一只绿色毛毛虫的邂逅是如何激发你对动态雕塑的兴趣？是什么驱使你去探索毛毛虫和蝴蝶的动能？ 答：在奥查顿之家的艺术家驻地生活非常有趣。大约有40位艺术家、音乐家、木工和铁匠，他们都在苏格兰乡村的一座巨大的石头豪宅中共同生活。每天我都会走到海岸，欣赏美丽的悬崖和泥滩。绘画了几个月后，我开始渴望用木头创作，也做一些数学题，那是因为我部分的思维在绘画中没有体现出来。我想到了几年前在犹他州徒步时看到的毛毛虫以波浪方式移动，于是我决定花几个星期时间来计算这方面的数学问题并制作了一只毛毛虫。我并未意识到这会改变我的生活方向。从那时起，我已经花了25年在波动和毛毛虫雕塑上。 Nebula 2010 for

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"Old Meadows", oil on linen by John MacDonald, Painter, Artist, USA

约翰·麦克唐纳 (John MacDonald) 描绘的崇高自然之美

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Self portrait Courtesy: John MacDonald 约翰·麦克唐纳 (John MacDonald) 描绘的崇高自然之美 美国知名的外光派风景画画家，约翰.麦克唐纳（John MacDonald）以其柔和的色调、微妙的笔触，流畅的结构和安静的氛围而闻名。受早期印象派大师和后期的调性主义（Tonalism）影响，约翰的绘画不但表现出​​他对大自然千变万化的敏锐直觉，同时也反映出他内心的情绪转折以及心灵的升华。他的画风深沈，内谏，且收放自如，每每赋予观者冷暖交织的色彩，以及恬静诗意的心境。 “October Dusk”, oil on linen, Courtesy: John MacDonald 约翰的画有丰富的视觉语言。他形象地表现了环境在光线影响下的颜色变化。难得的是，他的画能在变化中达到宁静和谐的境界。约翰对风景画有其独到的见解；除了基本的绘画技巧外，他还相信“价值观——（光和影）在绘画中创造的光、空间和形式的幻觉”的重要性；一幅画的好坏，取决于画家对这方面的掌握和把控。 我们很荣幸能与约翰进行以下对话。他不仅分享了作为画家的心路历程，还提供了宝贵的绘画技法和理论见解，让我们受益匪浅。 “California Coast”, oil on linen, Courtesy: John MacDonald 问：你的外光派风景画作是如此出色迷人。请与我们分享你是如何成为如此杰出的艺术家。 答：和大多数艺术家一样，我对绘画的热爱从很小的时候就开始了。在大学时，我主修美术，然后继续在法国学习版画，获得了绘画硕士学位。直到结婚和第一个儿子出生后，我觉得有必要为家里的收入做出贡献，于是我开始从事自由插画工作。直到2010年初，我才重返全职绘画。 我一直觉得与大自然有著深厚的联系。现在回想起来，成为一名风景画家，对我来说是无法避免。然而，多年前，我以为最终会放弃风景画，并且完全离开具有具象性的工作。相反地，我现在发现这个主题越来越具有挑战性和意义。 “Summer Repose”, oil on linen, Courtesy: John MacDonald 问：绘画对你来说是什么？你试图通过你的画与观众交流什么？ 答：画了40年后，我不再去想太多完成的作品，也不再想它们缊含著什么样的信息。绘画越来越成为一种借口，让我完全沉浸在自然的状态中——在自然界中，瞬息万变的光线、颜色和形式中，远离人类的一切事物。目前，绘画对我来说，它既是一种审美体验，也是一种精神体验。如果我的画中有某种信息，那就是与19世纪中叶和20世纪初被称为调性主义的艺术运动保持一致。这与心情有关——在特定地点和时间对风景的安静沉思。 问：你认为动态景观画的重要元素是什么。 答：每幅画都由两个重要组成部分：绘画的主观性、特定信息（意图）和绘画的客观性、普遍结构（技术）；后者的成功取决于在每幅画中存在的五个元素，无论其流派如何：那就是构图、明度、颜色、边缘和细节。 当技术和绘画结构与信息无缝融合时，结果就是一幅可以吸引和打动观众的画作。创造不同于人物画、静物、海景或城市景观的“动态”景观并没有什么独特之处。任何绘画的成功都取决于视觉语言的基本元素。 “Slow Waterz’, oil on linen, courtesy: John MacDonald 问：你在Youtube视频中谈到了绘画的价值观。它们是什么以及如何确定它们的优先顺序。 答：正是价值观（明暗）在绘画中创造了光、空间和形式的幻觉。（即使是纯粹的抽象绘画也依赖价值观来创造作品的结构。）价值观有两种：基础（或主要）价值和次要价值。基础价值是构成构图的大而基本形状的2-5个值。一幅简单的山水画只能由浅色天空和深色地面组成。在这种情况下，有两个基础值。开始绘画时，确定基础值及其关系至关重要。

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“Monarchs Drift” (2022), oil on linen, 121 x 153 centimeters by Nathan Walsh, Painter, Artist, UK

内森·沃尔什（Nathan Walsh）描绘的“既不在这里也不在那里”的世界

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Self portrait, Courtesy: Nathan Walsh 内森·沃尔什（Nathan Walsh）描绘的“既不在这里也不在那里”的世界 内森·沃尔什（Nathan Walsh）凭借著天赋和多年对建筑绘画技巧的掌握，逐渐地成为一位完美的超写实艺术家。他擅长于在城市景观中，变换视角和渲染细节。目前，内森致力于将不同的时间、空间和场景巧妙地融合起来，创造出一个如梦似幻的多元宇宙世界，让人沉浸与向往。 童年的记忆、旅行的印象、周遭的环境，均成为内森多年来绘画的参考点。从这些参考点，他添加细节，例如光的反射，街道的纹理以及层次分明的色彩，然后从不同的角度来创建建筑物和景观。因此，他的画作永远不会沉闷，太多的细节和惊喜让人目不暇接。 “Rue Des Saints” (2022), oil on linen, 129 x 123 centimeters, Courtesy: Nathan Walsh 从他最近的作品中，如”Rue des Saints”和“Monarchs Drift”，观赏者可以看到内森的求变精神。这两幅画加入了更多的元素和技法，使不同的场景得以相互融合而不冲突；画作更加流畅和更具敏锐性；勾勒出动态的多元宇宙世界。他巧妙地利用消失点（两条平行线在视觉上总会汇聚于很远很远的某一点）的绘画技巧，从中蜕变，升华，从而提供给观赏者更多的想像空间。 我们很荣幸能够采访到这位才华横溢的艺术家。在下面的访谈中，他详细地描述了自己的绘画技巧和心境。我们希望它能激发读者更多的想像力和欣赏角度。 “Delmonico’s” (2021), oil on linen, 87 x 90 centimeters, Courtesy: Nathan Walsh 问：你的城市景画非常壮观。将观众带入既令人怀旧而又困惑的世界。首先，请与我们分享你的建筑绘画背景。答：在英国，我遵循了一条相当传统的艺术教育路线，先是基础课程，接著是学位，然后是硕士学位。我有幸在攻读硕士学位时，师从两位杰出的写实主义画家，史蒂夫·怀特海德 （Steve Whitehead）和克莱夫·海德 （Clive Head）。虽然克莱夫在我还在读书的时候就离开了全职画画，但我还继续和他保持了多年的友谊。虽然这不是正式的教学关系，但我相信他的建议和分享知识的意愿对我的发展至关重要。 大约在2000年代中，写实主义，特别是照片写实主义受到了广泛的关注，尤其是在欧洲。在当时，克莱夫和Ben Johnson等欧洲艺术家，不论在博物馆或是画廊所举办的多项展览，均很突出。其重点是尝试扩展照片写实主义的视觉语言，而不是仅仅重复过去的范本，这一点对我来说很为明显。至关重要的是放弃照片写实主义的绘画主题，通过机械或半机械的方式将图像从源头转移到画布上。必须探索构建图形空间的新视角，而不是投影或仿制图像。通过应用先简单后复杂的透视绘画方式，我可以越来越少地依赖摄影图像及其处理方式。在2005年左右，我的许多画作都是通过单点透视构建的，到了2013年，单幅画作通常有数百个独立的消失点、多条地平线和站点。通过这种演变，我能够完全地掌控绘画过程以及想像的绘画空间。 “Metaphores” (2023), oil on linen, 122 x

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“The Tree in Me” by Christian Verginer, Artist, Sculptor, Italy

意大利雕塑家克里斯蒂.韦吉纳（Christian Verginer）与自然和谐共处的纯粹追求

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Self portrait, Courtesy: Christian Verginer 意大利雕塑家克里斯蒂.韦吉纳（Christian Verginer）与自然和谐共处的纯粹追求 位于意大利北部的上阿迪杰地区（Alto Adige region），住著一位年轻雕塑家，克里斯蒂.韦吉纳（Christian Verginer）。他用一颗纯净的心和敏锐的双眼来观察世界，并用创作来追求人生真理。他在雕刻中运用少数且反差的颜色，生动的表情以及内省的主题来述说著心中的愿景，那就是人类有能力与自然之间和谐共存，没有冲突。经由精湛的雕刻技术，他的作品充充份地表达了这颗赤子之心，更淋漓尽致地阐释了人与自然的关系。 “The Tree in Me”, Courtesy: Christian Verginer “The Tree in Me”, Courtesy: Christian Verginer 年轻的孩子在他的雕塑中占有重要地位。不论是在“The Tree in Me”, “Different stories”还是在“Too far too close”作品中，他将孩子的天真无邪，尤其是自我与大自然之间的想像与困惑，表现无疑。他巧妙地将孩子们的目光、表情和动作融入到艺术作品中，不仅唤起了人们对自己童年的怀念，同时也唤醒了人们久已遗忘的纯真和与自然和谐相处的渴望。 克里斯蒂与父亲Willy Verginer以及孪生兄弟Matt Verginer在雕塑领域中，各有长才及发展。他们将于今年5月在纽伦堡的一家画廊举行联展。希望以下我们与克里斯蒂的对话，能让你更加了解他本人及作品。 “Different stories” (2021), Courtesy: Christian Verginer 问：你的木雕，不论是外观或是试图传达的含义都非常独特。请先与我们分享你的木雕培训。答：在我生活和工作的所在地，意大利的Val Gardena山谷里，有著悠久的木雕传统。这个传统可以追溯到大约500年前，当时这里的木匠为世界各地的教堂雕刻宗教雕塑，同时也生产木制玩具……因此，在我们的山谷中有专门的木工学校。我的学习之旅很自然地从义务教育开始，之后我上了一所艺术高中，直到18 岁。在国家考试之后，我选择去托斯卡纳的卡拉拉（Carrara，Tuscany）美术学院学习一年。 我很幸运有一位雕塑家父亲，因此在卡拉拉待了一年后，我回到家，在父亲的工作室里工作，并且学到了更多的雕刻技艺。至今，我已经与父亲威利和孪生兄弟马蒂亚斯一起工作了近22年。 “Too far too close” (2023), Courtesy: Christian Verginer

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Iris Germanica ‘Baltic Star’ XL Gold 33 x 27” Hand applied 23,75 karat gold leaf over archival inks and watercolor by Ingrid Elias, Botanic Artist, the Netherlands

英格丽德·埃利亚斯（Ingrid Elias）画笔下飞舞的鸢尾花

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Self portrait, Courtesy: Ingrid Elias 英格丽德·埃利亚斯（Ingrid Elias）画笔下飞舞的鸢尾花 英格丽德·埃利亚斯（Ingrid Elias）是位住在荷兰的植物艺术家，因其作品中表现出的生动，精准度，自由感，以及对细节的关注而闻名。她对色彩的运用非常出色，不仅丰富，而且在纹理中传达出动态的对比水平，从而为主题本身赋予了隽永的生命力。她所描绘的鸢尾花，尤其是胡须鸢尾花，展示了她能够画出花朵最优雅的一面，就像在风中翩翩起舞的舞者一样。 在2018年全职致力于水彩画之前，英格丽德参加了各种绘画研讨会和课程。一旦她掌握了技巧，她的艺术事业就起飞了，现在人们为她的花卉风格所著迷。在过去的十年中，她不断地在博物馆和艺术画廊展出她的艺术作品（如 The Shirley Sherwood Gallery、Kew Gardens、London、Noordbrabants Museum、Historic centre of ‘s-Hertogenbosch, NL、Museum De Zwarte Tulp, Lisse, NL、Flower Art Museum，Aalsmeer，NL等）。我们很高兴能够在接下来的采访中展示她精湛的植物绘画艺术。 Iris Germanica ‘Premier Cru’ XL Rose Gold 27 x 31” Hand applied 22 karat rose gold leaf over archival inks and watercolor, Courtesy: Ingrid Elias 问：你的植物艺术非常地精致。请与我们分享你如何成为如此优秀的艺术家。 答：非常感谢你的客气话，如此令人鼓舞。我成为艺术家的道路或多或少地在潜意识中显露出来。当我在2009年第一次接触水彩这一媒介时，我无法预期它会引导我进入现在的阶段。当时我是一名行政助理，我觉得有必要创造性地挑战自己。所以我决定在2009年参加水彩画课程。 在那个课程中，我很快就明白自己偏爱细致的画风，我喜欢花几个小时采用最适合的画笔来作画。当我参观一个展示植物艺术的博物馆时，我就对用水彩来详细描绘花朵非常地著迷，于是我开始寻找机会学习植物绘画的基础知识。我很快就加入了荷兰植物艺术家协会，并报名参加了Anita

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Artists: Bernd Weinmayer, Iris van Herpen, BIOMORPHISM, 2019, h=150cm, Photographer: Christoph Ascher; Bernd Weinmayer, Scientific Glass Artist, Austria

伯恩德·温迈尔（Bernd Weinmayer）令人惊叹的科学玻璃艺术

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Self portrait, Courtesy: Bernd Weinmayer 奥地利玻璃艺术家，伯恩德·温迈尔（Bernd Weinmayer）的科学玻璃作品（特别是他的等离子体玻璃）以精湛的艺术手法，冷静细腻的表现方式，淋漓尽致地展示出各种生物形态。他的作品不但启发了人们对生命的反思，更激起大家对理解自然的渴望。晶莹剔透的艺术质感代表他对完美的追求，在该领域树立了一个难以匹配的标准，也为他嬴得了数多国际奖项，其中包括2007年美国纽约州康宁市的New Glass Review 28评审团奖；2010年德国兹维塞尔的Gletscherprise Glaskunstpreis奖；2011和2012年荷兰阿姆斯特丹的High Times Cannabis Cup奖。在2006年以及2013年，他的作品被选为德国科堡当代玻璃奖。 Artists: Bernd Weinmayer, Martin Walde, HALLUCIGENIA #21, 2020, Photographer: Christoph Ascher, Courtesy: Bernd Weinmayer 最近他与国际知名时尚设计师，Iris Van Herpen，合作的玻璃连衣裙，更是挑战了所有的不可能，将科学玻璃艺术发挥到极致。 我们很荣幸能够采访伯恩德，了解他如何迎接挑战，成为我们这时代备受尊敬的科学玻璃艺术家。 Artists: Bernd Weinmayer, Iris van Herpen, BIOMORPHISM, 2019, Photographer: Christoph Ascher, Courtesy: Bernd Weinmayer 问：你是一位非常杰出的玻璃艺术家。请告诉我们你的艺术养成道路。答：运气，运气，还是运气。我毕业于德国巴伐利亚州巴特艾布林的商业学校。从学校毕业后，我只是想确定我不再继续学习商业。那时17岁的我，完全没有计划，也没有自信，无法想像未来。我们家在Mariastein/Tyrol/Austria有一个度假屋。那是地球上最美丽的地方——一个被群山环抱的宁静朝圣之地。离这个天堂不远处是奥地利唯一的玻璃学校。由于没有其他选择，我母亲说服我去那所学校就读。一次偶然的机会，我进入了科学玻璃吹制部门。我很欣赏那里的老师和学生之间的轻松氛围，但是直到20岁前，我真正的爱好是爬山。每当空闲时，我就在前往某座山的路上。大多是独自一人，有时与培训伙伴一起。周末我们会去比赛。在玻璃学校里，我一直是位普通的学生。在我完成四年培训的第三年时，我的一位训练伙伴受了伤，我想给他一份特别的礼物。我用玻璃做了一个小的跑步者模型。第一次尝试时，我做的模型显示出很好的比例，真是令人惊讶。之后，我又制作了几件实心玻璃人偶。我的老师们很欣赏我的第一件创意作品。那时我在体育方面停滞不前，所以我的野心蔓延到了玻璃艺术上。同年1991年，我在Mariastein建立了一个小型玻璃吹制车间，在上学同时，我的大部分时间都在我的小“火焰地狱”中度过。从那时起，我就被一直伴随我的火焰工作病毒感染到了今天。在完成了4年的玻璃学校后，我又继续在这所学校参加了为期2年的设计和工艺美术高级课程。之后，我立即开始了自己的事业，并逐年地增加了我在商业上的成功——从极低的水平开始。 Artist: Bernd Weinmayer, Austria, MUTANT I, 2020, Photographer:

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By Tachiki Yoshie, Painter, Artist, Japan

立木美江（Tachiki Yoshie）的精美植物花卉艺术

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Self portrait, Courtesy: Tachiki Yoshie 立木美江（Tachiki Yoshie）的精美植物花卉艺术 立木美江（Tachiki Yoshie）是一位才华横溢的日本艺术家，她致力于捕捉植物和花卉在时光穿梭中所产生的美感。一朵花或一根树枝会依著时令而有著不同的姿态，也会因光线的强弱而产生明暗深浅的变化。立木美江将这些细致的变化巧妙地融入画中，编织了一个日夜交汇、四季合一、并蕴含著无常之美的绮丽多变世界。虽然植根于侘寂哲学和日本传统美学，但她的艺术特点在于她的色彩韵律感和细腻感，将四季的嬗递，花草的枯荣表现无遗。 通过使用历代工匠所青睐的天然染料和纸张，立木美江在她的绘画中营造出一种迷人的古典气氛，淡雅且婉约。透过从大自然中所吸取的灵感，再加上敏锐的观察力，她所创作出的世界充满了惊艳，引人流连忘返。 在下面的深度采访中，立木美江揭示了她在艺术方面的心境和感想。希望你喜欢： Courtesy: Tachiki Yoshie 问：请与我们分享你的艺术养成之路。 答：我的绘画生涯始于意图“保留植物和花卉的迷人外观”的强烈愿望。 不同于西方以写实为目标的绘画风格，我使用类似于现代漫画的“写生”方式来捕捉植物的真实形态。 当天气不好，在户外写生时，我有时会收到“尝试根据照片来绘画”的建议，但根据照片所绘制的透视画面变得过於单一，主题失去了动感。 面对实物的好处是可以将不同时期的图案组合起来，即使是一片叶子，从不同的角度看也会完全不同，这让艺术家能够捕捉到每一种形态的精华。 当我在创作大件作品时，有时我会在一个主题上花费一年多的时间，当我捕捉到它们不断变化的外观时，我感到非常接近植物的生命。 面对它们的时间也是对话的时间，这是我在工作中非常珍惜的过程。 即使我只画了一条线，我认为如何能在这条线上投入多少想法是非常重要的过程。 Courtesy: Tachiki Yoshie 问：你在创作作品时使用什么媒介？ 答：起初，我用水彩画植物花卉，刚完成时色彩新鲜。但是由于紫外线的强烈影响，我的作品很难长期保存。 后来，我遇到日本古典艺术中所使用的“日本画材”，我便开始采用矿物颜料、和纸、黑墨等天然材料作画。我被这些材料所吸引，这些材料取材于大自然，具有极好的强度，现在我用这些传统的绘画材料来创作我的作品。 日本画的基底是由非常坚固的纤维所制成，颜色分层涂抹而不会撕裂。尤其因为矿石的反射会让彩绘作品非常吸引人；根据早上、中午和晚上，不同的光量度，赋予作品不同的外观。 画材的使用多为口耳相传，所用的技法很少有官方记载。 Courtesy: Tachiki Yoshie 问：侘寂的主题是你的作品核心。请告诉我们更多关于这个主题以及它是如何影响你的创作。 答：我真的很喜欢植物，从小就花了很多时间观察它们。 在植物的世界里，生命的轮回非常快：开花、落叶、枯萎、等到春天再发芽。我在这种轮回的“转瞬即逝的美感”中找到了“侘寂”，这就是我现在的作品，“赞美生命”，的主题。 乍一看，我的画可能被描述为纯植物花卉画，但我以植物花卉作为肖像和群像的主题，用传统的绘画材料来描绘这些图像中所潜藏的情感，我希望将它们作为艺术作品被保存下来。很长一段时间，我喜欢拉斯科（Lascaux）的壁画。 Courtesy: Tachiki Yoshie 问：通过你的颜色选择表现出你的审美感与自然循环一致，请告诉我们你的颜色选择。 答：除了主题本身的颜色，我很清楚知道在什么样的环境、时间和灯光下，会衬托出什么样的主题魅力。 乍一看，背景可能看起来单调，但实际上我花了很多时间将许多颜色叠加在一起。 通过融合错综复杂的色彩，我希望观众对植物花卉的印象和以往有所不同。 然而，在日本绘画中，我相信亮度也作为颜色的标准。当你观看一件真正的艺术品时，即使它在屏幕上呈现棕色或灰色，那也是因为矿物、天然石头或彩色玻璃的微小石粒反射周围的光线造成画面中的单一颜色。绘画的世界和现实的世界是一致的。 除了岩画，金银叶在早、中、晚也呈现不同的颜色。当天空染上夕阳时，画中的世界也变成了夕阳色。在晚上，画家可以创作一幅月亮似乎漂浮在天空中的画作。 在日本绘画中，光的反射会使画作在一天中的不同时间看起来完全不同，所以当我画一幅画时，我总是试图通过在不同的时间环境中创造和谐——早上、中午和晚上。 至于我的色彩感，如果用画作比喻的话，我会说阳画就像太阳的光，色彩艳丽，有活力，阴画就像月光，有著舒缓疲劳的色调。 Courtesy: Tachiki Yoshie 问：你的灵感来源来自何处？ 答：我的创作来自于与大自然野生植物的邂逅。当我每天在附近散步寻找主题时，会遇到许多让我止步的植物。很多时候，我会告诉自己“我应该画那棵植物”，但可悲的是，在完成一幅画后，通常该植物会被砍倒或变腐朽。 问：作为一名年轻而多产的日本艺术家，你如何在接受传统艺术的同时注入创新的元素？ 答：Nihonga

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Autumn Solstice by Lee Chen-Lin, Textile artist, Taiwan

臺灣藝術家李偵綾的绮麗景觀織作

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Self portrait, Courtesy: Lee Chen-Lin 臺灣藝術家李偵綾的绮麗景觀織作 “唧唧復唧唧”的織布聲在北朝（386年—581年）民歌《木蘭詩》開篇的第一句，就生動地描述了古代婦女用腳踏著木造機織布的忙碌狀況。这种织布方法被人們沿用了許多个世纪。 到了19世紀初，法國人，約瑟夫·瑪麗·雅卡爾 （Joseph Marie Jacquard）設計出人類歷史上首臺可設計的織布機——雅卡爾提花機 （Jacquard Loom）。他發展了一套打洞卡片系統來控制織布機上的編織圖樣。這套機械編制技巧後來被改良成紙捲鋼琴錄音，也激發IBM創建者赫門荷勒里斯（Herman Hollerith）使用打洞卡來記錄數據和做計算機程序設計。IBM爲紀念紡織工業，後來在1994年也將其操作系統命名爲OS/2 Warp（warp即是紡織布上的經線）。（資料出処: Baidu）  Variation Landscape II – Taroko Gorge, Courtesy: Lee Chen-Lin 時到今日，數位化的雅卡爾提花機更將織作提升到用機器織布並可大量生產。臺灣女藝術家，李偵綾確將數位雅卡爾提花機轉換成她的畫筆，在經緯交錯中，用她對抽象編碼的邏輯和色彩質感的敏銳性，以超高的感性，知性和技巧編織出獨特用心的作品，成為臺灣少有的織作藝術家。 在國立臺南藝術大學讀研究所時，李偵綾埋首鑽研織作过程，並利用学校的提花機織出她的首展作品系列，《變奏山水》，以緬懷她童年生長的家鄉，花蓮。不過那是一段不願碰觸的記憶，因為小時候的艱苦生活環境，讓她對花蓮的自然環境多有著”看山不是山”的痛苦回憶。但是，在研究所的那兩年中，她强忍著心中的不願，以超強的毅力去面對過去，這段創作期間也變成她的療癒過程。慢慢地，從織作中，她學會了釋懷。 Variation Scenery II – Mount Qilai, Courtesy: Lee Chen-Lin Variation Scenery II – Mount Qilai, Courtesy: Lee Chen-Lin 研究所畢業後，李偵綾不願投身商業織作行列中，堅持成為織作藝術家。但是她面對的第一個難題就是如何購買數位雅卡尔提花机，它的價錢不菲，再加上軟體，她是不可能負擔得起。後來，在指導教授幫助下，有幸獲得一台二手机，並用數位繪畫軟體（Photoshop）畫出她心中的圖案來輔助她的编織，如此她就無須再購買昂貴的軟體。 解決這些難題之後，她開始全心投入藝術創作並對織作有了新的想法，那就是反轉傳统觀念將織物視為繪畫的延續。根據李偵綾: ”不論是在西方壁毯與繪畫的親緣關係，從故宮也能得知緙絲能反映出當時代的書畫特徵與織造技術。整體而言，織造出繪畫的美在視覺效果上與繪畫有許多的相似性，以至於造成將對象物（織物）視為繪畫的傳達媒介，成為服務繪畫而存在。 “ Five Mountains, Three Points, One Strange,

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