Art

Artists: Bernd Weinmayer, Iris van Herpen, BIOMORPHISM, 2019, h=150cm, Photographer: Christoph Ascher; Bernd Weinmayer, Scientific Glass Artist, Austria

伯恩德·温迈尔(Bernd Weinmayer)令人惊叹的科学玻璃艺术

Self portrait, Courtesy: Bernd Weinmayer 奥地利玻璃艺术家,伯恩德·温迈尔(Bernd Weinmayer)的科学玻璃作品(特别是他的等离子体玻璃)以精湛的艺术手法,冷静细腻的表现方式,淋漓尽致地展示出各种生物形态。他的作品不但启发了人们对生命的反思,更激起大家对理解自然的渴望。晶莹剔透的艺术质感代表他对完美的追求,在该领域树立了一个难以匹配的标准,也为他嬴得了数多国际奖项,其中包括2007年美国纽约州康宁市的New Glass Review 28评审团奖;2010年德国兹维塞尔的Gletscherprise Glaskunstpreis奖;2011和2012年荷兰阿姆斯特丹的High Times Cannabis Cup奖。在2006年以及2013年,他的作品被选为德国科堡当代玻璃奖。 Artists: Bernd Weinmayer, Martin Walde, HALLUCIGENIA #21, 2020, Photographer: Christoph Ascher, Courtesy: Bernd Weinmayer 最近他与国际知名时尚设计师,Iris Van Herpen,合作的玻璃连衣裙,更是挑战了所有的不可能,将科学玻璃艺术发挥到极致。 我们很荣幸能够采访伯恩德,了解他如何迎接挑战,成为我们这时代备受尊敬的科学玻璃艺术家。 Artists: Bernd Weinmayer, Iris van Herpen, BIOMORPHISM, 2019, Photographer: Christoph Ascher, Courtesy: Bernd Weinmayer 问:你是一位非常杰出的玻璃艺术家。请告诉我们你的艺术养成道路。答:运气,运气,还是运气。我毕业于德国巴伐利亚州巴特艾布林的商业学校。从学校毕业后,我只是想确定我不再继续学习商业。那时17岁的我,完全没有计划,也没有自信,无法想像未来。我们家在Mariastein/Tyrol/Austria有一个度假屋。那是地球上最美丽的地方——一个被群山环抱的宁静朝圣之地。离这个天堂不远处是奥地利唯一的玻璃学校。由于没有其他选择,我母亲说服我去那所学校就读。一次偶然的机会,我进入了科学玻璃吹制部门。我很欣赏那里的老师和学生之间的轻松氛围,但是直到20岁前,我真正的爱好是爬山。每当空闲时,我就在前往某座山的路上。大多是独自一人,有时与培训伙伴一起。周末我们会去比赛。在玻璃学校里,我一直是位普通的学生。在我完成四年培训的第三年时,我的一位训练伙伴受了伤,我想给他一份特别的礼物。我用玻璃做了一个小的跑步者模型。第一次尝试时,我做的模型显示出很好的比例,真是令人惊讶。之后,我又制作了几件实心玻璃人偶。我的老师们很欣赏我的第一件创意作品。那时我在体育方面停滞不前,所以我的野心蔓延到了玻璃艺术上。同年1991年,我在Mariastein建立了一个小型玻璃吹制车间,在上学同时,我的大部分时间都在我的小“火焰地狱”中度过。从那时起,我就被一直伴随我的火焰工作病毒感染到了今天。在完成了4年的玻璃学校后,我又继续在这所学校参加了为期2年的设计和工艺美术高级课程。之后,我立即开始了自己的事业,并逐年地增加了我在商业上的成功——从极低的水平开始。 Artist: Bernd Weinmayer, Austria, MUTANT I, 2020, Photographer: […]

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By Tachiki Yoshie, Painter, Artist, Japan

立木美江(Tachiki Yoshie)的精美植物花卉艺术

Self portrait, Courtesy: Tachiki Yoshie 立木美江(Tachiki Yoshie)的精美植物花卉艺术 立木美江(Tachiki Yoshie)是一位才华横溢的日本艺术家,她致力于捕捉植物和花卉在时光穿梭中所产生的美感。一朵花或一根树枝会依著时令而有著不同的姿态,也会因光线的强弱而产生明暗深浅的变化。立木美江将这些细致的变化巧妙地融入画中,编织了一个日夜交汇、四季合一、并蕴含著无常之美的绮丽多变世界。虽然植根于侘寂哲学和日本传统美学,但她的艺术特点在于她的色彩韵律感和细腻感,将四季的嬗递,花草的枯荣表现无遗。 通过使用历代工匠所青睐的天然染料和纸张,立木美江在她的绘画中营造出一种迷人的古典气氛,淡雅且婉约。透过从大自然中所吸取的灵感,再加上敏锐的观察力,她所创作出的世界充满了惊艳,引人流连忘返。 在下面的深度采访中,立木美江揭示了她在艺术方面的心境和感想。希望你喜欢: Courtesy: Tachiki Yoshie 问:请与我们分享你的艺术养成之路。 答:我的绘画生涯始于意图“保留植物和花卉的迷人外观”的强烈愿望。 不同于西方以写实为目标的绘画风格,我使用类似于现代漫画的“写生”方式来捕捉植物的真实形态。 当天气不好,在户外写生时,我有时会收到“尝试根据照片来绘画”的建议,但根据照片所绘制的透视画面变得过於单一,主题失去了动感。 面对实物的好处是可以将不同时期的图案组合起来,即使是一片叶子,从不同的角度看也会完全不同,这让艺术家能够捕捉到每一种形态的精华。 当我在创作大件作品时,有时我会在一个主题上花费一年多的时间,当我捕捉到它们不断变化的外观时,我感到非常接近植物的生命。 面对它们的时间也是对话的时间,这是我在工作中非常珍惜的过程。 即使我只画了一条线,我认为如何能在这条线上投入多少想法是非常重要的过程。 Courtesy: Tachiki Yoshie 问:你在创作作品时使用什么媒介? 答:起初,我用水彩画植物花卉,刚完成时色彩新鲜。但是由于紫外线的强烈影响,我的作品很难长期保存。 后来,我遇到日本古典艺术中所使用的“日本画材”,我便开始采用矿物颜料、和纸、黑墨等天然材料作画。我被这些材料所吸引,这些材料取材于大自然,具有极好的强度,现在我用这些传统的绘画材料来创作我的作品。 日本画的基底是由非常坚固的纤维所制成,颜色分层涂抹而不会撕裂。尤其因为矿石的反射会让彩绘作品非常吸引人;根据早上、中午和晚上,不同的光量度,赋予作品不同的外观。 画材的使用多为口耳相传,所用的技法很少有官方记载。 Courtesy: Tachiki Yoshie 问:侘寂的主题是你的作品核心。请告诉我们更多关于这个主题以及它是如何影响你的创作。 答:我真的很喜欢植物,从小就花了很多时间观察它们。 在植物的世界里,生命的轮回非常快:开花、落叶、枯萎、等到春天再发芽。我在这种轮回的“转瞬即逝的美感”中找到了“侘寂”,这就是我现在的作品,“赞美生命”,的主题。 乍一看,我的画可能被描述为纯植物花卉画,但我以植物花卉作为肖像和群像的主题,用传统的绘画材料来描绘这些图像中所潜藏的情感,我希望将它们作为艺术作品被保存下来。很长一段时间,我喜欢拉斯科(Lascaux)的壁画。 Courtesy: Tachiki Yoshie 问:通过你的颜色选择表现出你的审美感与自然循环一致,请告诉我们你的颜色选择。 答:除了主题本身的颜色,我很清楚知道在什么样的环境、时间和灯光下,会衬托出什么样的主题魅力。 乍一看,背景可能看起来单调,但实际上我花了很多时间将许多颜色叠加在一起。 通过融合错综复杂的色彩,我希望观众对植物花卉的印象和以往有所不同。 然而,在日本绘画中,我相信亮度也作为颜色的标准。当你观看一件真正的艺术品时,即使它在屏幕上呈现棕色或灰色,那也是因为矿物、天然石头或彩色玻璃的微小石粒反射周围的光线造成画面中的单一颜色。绘画的世界和现实的世界是一致的。 除了岩画,金银叶在早、中、晚也呈现不同的颜色。当天空染上夕阳时,画中的世界也变成了夕阳色。在晚上,画家可以创作一幅月亮似乎漂浮在天空中的画作。 在日本绘画中,光的反射会使画作在一天中的不同时间看起来完全不同,所以当我画一幅画时,我总是试图通过在不同的时间环境中创造和谐——早上、中午和晚上。 至于我的色彩感,如果用画作比喻的话,我会说阳画就像太阳的光,色彩艳丽,有活力,阴画就像月光,有著舒缓疲劳的色调。 Courtesy: Tachiki Yoshie 问:你的灵感来源来自何处? 答:我的创作来自于与大自然野生植物的邂逅。当我每天在附近散步寻找主题时,会遇到许多让我止步的植物。很多时候,我会告诉自己“我应该画那棵植物”,但可悲的是,在完成一幅画后,通常该植物会被砍倒或变腐朽。 问:作为一名年轻而多产的日本艺术家,你如何在接受传统艺术的同时注入创新的元素? 答:Nihonga

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Autumn Solstice by Lee Chen-Lin, Textile artist, Taiwan

臺灣藝術家李偵綾的绮麗景觀織作

Self portrait, Courtesy: Lee Chen-Lin 臺灣藝術家李偵綾的绮麗景觀織作 “唧唧復唧唧”的織布聲在北朝(386年—581年)民歌《木蘭詩》開篇的第一句,就生動地描述了古代婦女用腳踏著木造機織布的忙碌狀況。这种织布方法被人們沿用了許多个世纪。 到了19世紀初,法國人,約瑟夫·瑪麗·雅卡爾 (Joseph Marie Jacquard)設計出人類歷史上首臺可設計的織布機——雅卡爾提花機 (Jacquard Loom)。他發展了一套打洞卡片系統來控制織布機上的編織圖樣。這套機械編制技巧後來被改良成紙捲鋼琴錄音,也激發IBM創建者赫門荷勒里斯(Herman Hollerith)使用打洞卡來記錄數據和做計算機程序設計。IBM爲紀念紡織工業,後來在1994年也將其操作系統命名爲OS/2 Warp(warp即是紡織布上的經線)。(資料出処: Baidu)  Variation Landscape II – Taroko Gorge, Courtesy: Lee Chen-Lin 時到今日,數位化的雅卡爾提花機更將織作提升到用機器織布並可大量生產。臺灣女藝術家,李偵綾確將數位雅卡爾提花機轉換成她的畫筆,在經緯交錯中,用她對抽象編碼的邏輯和色彩質感的敏銳性,以超高的感性,知性和技巧編織出獨特用心的作品,成為臺灣少有的織作藝術家。 在國立臺南藝術大學讀研究所時,李偵綾埋首鑽研織作过程,並利用学校的提花機織出她的首展作品系列,《變奏山水》,以緬懷她童年生長的家鄉,花蓮。不過那是一段不願碰觸的記憶,因為小時候的艱苦生活環境,讓她對花蓮的自然環境多有著”看山不是山”的痛苦回憶。但是,在研究所的那兩年中,她强忍著心中的不願,以超強的毅力去面對過去,這段創作期間也變成她的療癒過程。慢慢地,從織作中,她學會了釋懷。 Variation Scenery II – Mount Qilai, Courtesy: Lee Chen-Lin Variation Scenery II – Mount Qilai, Courtesy: Lee Chen-Lin 研究所畢業後,李偵綾不願投身商業織作行列中,堅持成為織作藝術家。但是她面對的第一個難題就是如何購買數位雅卡尔提花机,它的價錢不菲,再加上軟體,她是不可能負擔得起。後來,在指導教授幫助下,有幸獲得一台二手机,並用數位繪畫軟體(Photoshop)畫出她心中的圖案來輔助她的编織,如此她就無須再購買昂貴的軟體。 解決這些難題之後,她開始全心投入藝術創作並對織作有了新的想法,那就是反轉傳统觀念將織物視為繪畫的延續。根據李偵綾: ”不論是在西方壁毯與繪畫的親緣關係,從故宮也能得知緙絲能反映出當時代的書畫特徵與織造技術。整體而言,織造出繪畫的美在視覺效果上與繪畫有許多的相似性,以至於造成將對象物(織物)視為繪畫的傳達媒介,成為服務繪畫而存在。 “ Five Mountains, Three Points, One Strange,

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Magic Circle Colour Detail by Rogan Brown, Paper Sculptor, Artist, France

罗根·布朗(Rogan Brown)的纸上奇迹

Self portrait, Courtesy: Rogan Brown 罗根·布朗(Rogan Brown)的纸上奇迹 罗根·布朗(Rogan Brown)是一位出色的艺术家,他通过纸上的创意,模仿了大自然的美丽和复杂性,并用精致的纸雕表达了自己对自然的诠释——微小而有生命力的粒子构成了无限的浩瀚。它们看似随机的聚集,却充满了活力,创造了一个美好的共存世界。 从微生物到时尚,罗根的创造力揭示了纸张在美学上的表现和纹理方面的多功能性。面对著现今科学被爆炸性增长的数据所驱动,罗根视自己为局外人,但确能出色地将此感知转化为令人惊叹的艺术。凭借著精准的执行力和丰富的想像力,罗根一次又一次地让他的观众沉浸在无数的纸上自然奇观中。 我们很高兴能够采访罗根。从下面的对话,让我们一窥这位几十年来一直致力于以一种单一媒介拥抱大自然的优秀艺术家和他的内心世界。 Ghost Coral Venice Variation, Courtesy: Rogan Brown 问:你的精美纸雕令人难以置信。请与我们分享你的艺术养成。答:我是一名自学的艺术家,在过去的40年里一直从事艺术创作。 问:你为什么选择纸作为雕塑的媒介?答:我一直在寻找一种媒介来捕捉自然界微妙而且脆弱的质感。我开始尝试剪纸,对它的材料特性感到震惊,它可以被切割成多种形式却仍然保持其结构的完整性。作为一种来自大自然的有机材料,它非常适合有机的自然雕塑创作。 Vortex, Courtesy: Rogan Brown 问:你曾说过“我的作品是在科学事实和科幻小说相遇和融合的空间中所产生。”请详细说明此点。答:艺术作品的最简单形式是关于自然和想像力,因此我一方面深受到传统浪漫主义的影响,另一方面可能自相矛盾地受到科学的影响。当我开始创作时,我生活在法国一个非常狂野和偏远的农村地区,我想以艺术的方式融入那种环境。但是大自然是如此之大,种类之多,细节之复杂,令人难以抗拒,以至于很难知道从哪里开始。此外,今天,借助卫星或电子显微照片等科学和科学成像技术,我们可以观看各类的自然图像,从细胞结构到正在形成的星系。这些图像不但增加了我们的知识,也增加了我们的困惑。当通过大量的视觉数据,我开始识别和理解自然界中所存在的不同模式和不同尺寸的重复图案。我开发了不同模式的作品集,或者更确切地说是分类法,然后我用它来构建想像中的有机体。这对我来说很重要,我相信艺术家的角色是改变现实,而不仅仅是模仿或转录它。我征求观众的认可,并且通过不同的形状,创作了多个视觉参考:其中包括细胞结构、微生物、海藻、珊瑚、植物形态、云层、地形图、人体器官和孔口……最终目的是让人们停下来、欣赏、和观察围绕著他们的自然世界是如此的美丽、错综复杂,以及多样和脆弱。 “不同尺度”=不同层次的物理尺度,从微观到宏观;例如,螺旋的结构可以在星系中或蜗牛的外壳上观察到。 Coral Garden Detail, Courtesy: Rogan Brown 問:你的三维紙雕所呈現的藝術形式是如此的細緻、富有創意、和充滿想像力。你創作的主要主題是什麼?你是如何想出這個主題?答:我們如何從字面和概念上看待大自然是貫穿我的作品的共同主題。由於科學和科學成像技術,我們對自然世界的了解不斷地擴大。甚至在技術革命之前,大自然就以深不可測的能量和規模壓倒了我們,從而產生了崇高的哲學。我們對環繞著自身的浩瀚宇宙又比18世纪的康德多瞭解多少呢?科學不只是調解我們對自然的看法,它現在完全支配了自然,並且改變了我們對周圍世界結構的理解。物理世界(包括我們自己的身體)的堅固性幻覺已被原子化為一團越來越小的結構:細胞、蛋白質、分子、原子、質子、夸克和量子能量場。我在作品中所探索的正是這種對世界的新認識,試圖找到易於理解的視覺隱喻來描述由於規模而難以理解的現象:尺寸無限小,數量卻難以想像。 問:如果你不介意,請帶我們進入你的工作過程。你在雕塑時使用了哪些工具和技術?答:我首先創建詳細的圖紙,再將這些圖紙矢量化並從紙張上進行激光切割。然後,我會用有著複雜結構的手工切割卡片和泡沫板墊片,將切口進行分層和分離,營造出一層漂浮在另一層之上的錯覺。 Iris van Herpen, ‘Earthrise’ photographed by Fee-Gloria Grönemeyer , Courtesy: Rogan Brown Iris van Herpen, ‘Earthrise’ photographed by Fee-Gloria Grönemeyer ,

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By Gé Pellini, Artist, Sculptor, France

力与美的展现,法国雕塑家Gé Pellini的”有角动物”系列

Self portrait, Courtesy: Gé Pellini 力与美的展现,法国雕塑家Gé Pellini的”有角动物”系列 无论是犀牛还是公牛,法国艺术家,Gé Pellini,深刻地塑造了有角动物的力与美。从大理石到青铜,他的雕刻如史诗般地重现有角动物的雄伟风格。简洁有力的线条中迸发出优雅的造型,Gé完美地将动物身上所拥有的强劲活力呈现给世人。由于人类文化的进步以至对自然世界的贬低,濒临绝种动物的原本面貌和内在精神久被忽视,甚至被遗忘;但是Gé的高超技艺,却能重新恢复其原始的精神并赋与其更神圣的意义。Gé对艺术卓越的追求和对主题的深刻体认,塑造出无可伦比的杰作,重新唤起人们对这些动物的敬重和珍惜。 Courtesy: Gé Pellini 我们很高兴能够展示Gé的作品,因为它们代表了一系列充满活力的动物,有著崇高的体态和内在精神。Gé的文字就像他的雕塑,简单、直接,却又富有冲击力。 Courtesy: Gé Pellini 问:你的”有角动物”系列想传达的主题以及为什么要传达此主题?答:我的雕塑经常以公牛和犀牛为主题。 对我来说,犀牛是人类野蛮行为的见证之一。 与其他许多动物一样,这种动物是人类的受害者,它们很快就会从这个世界上消失。 公牛则是权力的象征,尤其是重生的象征。目前正是改变以及重生的好时候了。 Courtesy: Gé Pellini 问:雕刻时,你最喜欢的材料是什么以及为什么?答:大理石,一种珍贵的材料。 还有青铜,因为它为我提供了创作这些动物强壮本质的可能性。 Courtesy: Gé Pellini 问:你的雕塑有著简单的线条和形状,但更有一种动感的力量。你是如何实现这种转变?答:这是经过一段相当长时间的研究,其中包含著大量的设计研究。简化模型是非常复杂的过程。我觉得艺术家不应该使其作品,尤其是形象部分,变得太过复杂且难懂。 Courtesy: Gé Pellini 问:你为什么选择动物为雕刻的主要题材?在雕刻之前,你会研究特定的动物吗?如果是,动物的哪些特征最吸引你?答:是的,我不再对人类感兴趣。我观察动物,画它,再画它,然后我会让时间流逝,我忘记它,然后我会恢复记忆。再用我的记忆创作,最重要的…… Courtesy: Gé Pellini 问:有没有哪位艺术家或艺术作品曾激发你的灵感?答:我参观过很多展览。我喜欢看他人的创作,但是我想忘记它们,以免复制它们。我想获得的灵感是对我影响最小的他人作品。 Courtesy: Gé Pellini 问:人们在哪里可以看到你的雕塑,你有什么即将举办的展览想与我们的读者分享吗?答:我的下一个大型展览将在六月,地点是位在巴黎孚日广场的Artmundi画廊。否则,你可以通过我的网站或是Instagram,用电子邮件与我联系。我会很高兴见到你。 Courtesy: Gé Pellini 我们感谢Gé Pellini表达了他对动物精神的艺术表现及其神圣意义的看法。 Gé的网站Ge的Instagram 

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"A New Dawn" by Wu Lan-Chiann, painter, artist, Taiwan, USA

專訪當代水墨畫家吳嵐倩:為世人照亮明路的「珍貴之光」

Wu Lan-Chiann in Studio, Courtesy: Wu Lan-Chiann 專訪當代水墨畫家吳嵐倩:為世人照亮明路的「珍貴之光」 吳嵐倩女士的水墨畫如夢似幻、意境深遠,溫柔裡帶著堅韌,淡泊中帶著濃郁的情感和詩意。她的畫作展現了中國水墨畫的精髓,也融入了西方立體畫的技法。吳女士的畫風獨特,訴說了她在塵世中所憧憬的世界,既纯淨且迷人。她的畫充滿了意象,並能喚起人們心中掩埋已久的那塊淨土。吳女士在當代的水墨畫壇中佔有重要地位。她的畫作,也因此被世界各地的藝術愛好著和一些博物館所珍藏。 “Lantern Festival I”, Courtesy: Wu Lan-Chiann 吳嵐倩出生於台灣,就讀於台北中國文化大學,之後在美國的纽约大學進修。經過了中西文化的洗禮,並且精通了中西繪畫的技巧,她的畫作表現出一位創作者對人生的深刻體驗:她用心地傾聽著內心,仔細地觀察著世界,意識到不論是來自於西方或是東方,我們都是肉軀之身,都經歷同樣過程,最後生老病死,無可倖免。但是人類的韌性、智慧及愛心卻能帶領我們超越世俗的牽絆,給了我們一起創造一個和諧世界的希望。吳嵐倩的「珍貴之光」系列(Precious Light Series),代表著她對人生的這份領悟,對人類的同理心,再加上個人對童年的一些缅懐以及對人世的願景。 我們很榮幸能採訪到吳女士,她洞悉人生的智慧話語,以及雋永的畫作,是那麼地深植人心。希望以下的訪談也能為你點亮一盞明燈。 “Impromptu Concert”, Courtesy: Wu Lan-Chiann 問:你的水墨畫在東西方都獲得了極高的評價。請與我們分享一下,是甚麼樣的背景和藝術訓練,使你成為如此傑出的當代水墨畫家。答:從我有記憶以來, 我就知道我想成為一名藝術家。大約在 9 歲的時候,我的父母送給了我一套國際博物館繪畫目錄時,我的世界頓時豁然開朗。這些圖像美得令人窒息…當下我就下定決心要找到我們家能負擔得起的最好的老師來學習繪畫。我十二歲參加水彩比賽,先嬴得市級,然後嬴得省級,最後獲得全國水彩比賽第二名。我獲得了台北市長的嘉獎,而這個光榮也讓我取得了在金華女中美術班就讀的名額。為了去這所學校上課,我做了很多犧牲,我每天步行二十分鐘,然後坐一小時火車,再坐半小時公交車到學校。每天來回四個小時,我就是這麼堅決地要成為一位藝術家! 我在台北中國文化大學學習水墨畫。當時雖然很多人鼓勵我追求觀念藝術,但我卻被傳統的水墨畫所吸引。我通過臨摹台北故宮博物院收藏的傑作來學習。這個學習方法的理念是:除了學習到繪畫技巧外,你還需要用靈魂去吸收這些傑作的精髓——這點我當然做到了!此外,還有幾位優秀的老師教導我,像是最知名的歐豪年,他是嶺南畫派的在世大師,嶺南畫派是中國現代水墨畫的一個重要藝術革新運動。 接著,在紐約大學,我接觸了西方藝術,並探索了油畫和壓克力畫。我師從Arnold Mesches(1923-2016),他是一位對藝術創作非常熱情而且有感染力的藝術家。在紐約學習藝術,完善了我的藝術形成,讓我有機會進一步發展結合東西方繪畫精華的表達方式。畢業後,我回到了水墨畫領域,並開始塑造更加個人化的風格。墨和紙讓我能夠以最完善的程度來表達我獨特的藝術創作,也讓我能夠在畫作裏注入深刻的意義。我將我的作品視作詩歌一般,像詩歌一樣,往往具有超越文字之美的深刻涵義。 “Precious Light”, Courtesy: Wu Lan-Chiann 問:你的「珍貴之光」系列(Precious Light Series),似乎反映了一個充滿夢想和深刻記憶的世界。請告訴我們是什麼促使你開啓這個系列,並與我們分享它背後的一些故事。答:我開始「珍貴之光」(Precious Light Series)系列是因為我有興趣在畫作中表達出全世界人類共通的主題和價值觀。在我的作品中,我使用這個想法轉化並創造成我想像中的現實世界—一個聯結過去與現在並跨越不同文化的現實世界 。我們都面臨同樣的問題:我們為什麼在這裏以及我們的生活目的是什麼?人類的智力和情感深度是一個取之不盡的資源,例如我們出生即存有的內在力量。這種力量幫助我們克服個體或是全體人類所面臨的許多挑戰。而這種人類先天固有的內在力量使我深深地為它著迷。 每個人都以屬於自我的方式去體驗他們的生命,但是,我們有時會面臨到艱困的時刻,例如:親人的去世。在那個當下,我和其他人所面對的苦痛並沒有任何不同,然而,我透過繪畫來直面我的掙扎。在我的創作中,我有意識的聯繫情感和空間的關係。在我的「珍貴之光」系列中,我反覆地使用光,即使有時只是微光,都是對人性堅韌的隱喻:我們內在的愛、希望和力量。 我的畫作「反思過往」Reflections of the Past(1999)和「珍貴之光」Precious Light (2012)就是很好的例子。堅韌是這些畫作的中心主題。這是我們所有人共有且是與生俱來的力量,它幫助我們度過人生中的艱難階段。Reflections of the Past的靈感來自日本的夏季紀念節,稱為盂蘭盆節(O-Bon)。 盂蘭盆節每年都會提醒我們家庭關係的重要性,尊重我們的先祖,以及我們共同生活過的短暫和寶貴的時光。日本人通過漂浮在水上的紙燈籠迎接已故親人的靈魂回家。我敏銳地意識到,每個人的靈魂深處都帶著對逝去愛人的記憶,就像珍貴的發光燈。「珍貴之光」Precious Light這幅畫就是一個好例子。雖然盂蘭盆節是對逝者的集體致敬,但「珍貴之光」Precious Light中孤獨的小男孩則表達了我的信念,即每個人都以非常個人的方式處理自己的記憶,而在這幅畫中,意境尤其淒美。

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Edgware by Ed Fairburn, artist, cartographer, England

埃德·费尔伯恩 (Ed Fairburn)的“拓扑点画” – 地形图+肖像画

Self portrait, Courtesy: Ed Fairburn 埃德·费尔伯恩 (Ed Fairburn)的“拓扑点画” – 地形图+肖像画 我们对一个地方的归属感来自我们对该地方的联结以及情感上的认同。埃德·费尔伯恩 (Ed Fairburn)的艺术性将这种抽象的联系变得更为明确。通过描绘地图的轮廓,埃德巧妙地将道路、河流和地形与人物肖像融合在一起,提醒了我们与周遭环境的关系,尤其是在情感上;我们是谁,我们属于哪里。 Denver Southbound, Courtesy: Ed Fairburn 埃德使用传统的“墨水和铅笔”来重建原始地图,并且通过绘制肖像细节来改造地图。由于对地图的详细研究以及深刻地掌握了人物的表情,埃德无缝地使用地图来“锚定”人物的归属感。他的艺术创作涵盖了地形和点彩(从特写点到远处的二维图像),具有惊人的视觉效果。每张脸都无可比拟,不但没有被地图所混淆,反而是与其共存并且给人一种身临其境的感觉。 我们很高兴能够采访彻底改变制图和肖像画的埃德。希望下面的对话能帮助你了解他的非凡作品和“拓扑点画”的定义。 Boston, Courtesy: Ed Fairburn 问:你的作品是如此的与众不同;将两种不同的创作类型组合成独特的艺术展现。请告诉我们你的艺术训练和背景。答:我来自一个与绘画有关的背景,曾在卡迪夫艺术与设计学院学习插画。我选择这门课程主要只是想画画。我在卡迪夫的那段时间,插图是一门非常开放的课程 —  作为学生,我们有很大的自由度去探索自己的兴趣,并且寻求突破插图的真正意义。大多数的时候只是直接绘画,但是我也深深地受到了学习美术朋友的影响,这是学校的平行课程。我们经常共享同一间工作室,创造了一个美妙的学习环境。 问:请和我们分享你为什么以及如何开始制作带有肖像的地图。答:基本上,我开始使用地图是想延续我在艺术学校的最后项目。在课程即将结束时,我对事物的背景特别感兴趣,并以不同的方式研究各种看似普通的构造 — 例如,我最后一年的主要项目之一涉及邮政艺术 — 将信封的外部变成艺术品。自我十几岁起,便在放学后花几个小时画画,我一直很喜欢肖像画,所以画人物(现在仍然是)变成我所有作品的中心主题。从艺术学校毕业约六个月后,我碰巧从一家慈善商店买了一张旧的路线图(我总是收集零碎的物件,所以这本身并不罕见)— 当时我仍然对事物的背景有兴趣,并且喜欢“探索”不寻常的表面。我记得有一天看著地图,想知道是否可以按照一组规则插入我自己的图像。制图本质上已经是一套显示各种信息的规则,因此当我将自己的图像集画入到地图中时,我实际上是在添加自己的一套规则,从而补充了地图的视觉语言。结果是人与风景的和谐共存 — 无论是美学上还是象征上的表现。顺便说一句,我买的第一张地图只花了20便士 — 我认为这是我做过的最好投资。它让我能够从事自己喜欢的工作。我也不认为我会停止使用地图 — 我探索得越多,我就越想探索。 Guatemala, Courtesy: Ed Fairburn, artist 问:肖像的主体和地图中的地点有关系吗?例如,主题是否来自地图中描绘的区域?答:很多时候,是 — 但并非总是如此。我从真实的地方画真实的人。但是特定主题与地方的选择和配对,通常只对委托作品的人重要,或著我试图在主题之外,阐述我个人的想法。 问: 什么是“拓扑点画”?你如何在作品中应用这种技术?答:“拓扑点画”,Topopointillism,是我创造的一个术语,用于描述我的许多作品中的距离/感知关系 — 特别是使用等高线地图的作品,其中我使用一种手调的半色调来跟踪海拔线。简而言之,“拓扑点画” 将地形和点彩主义直接组合。像任何一种点彩画一样,观众对主题的看法,会根据作品的观察距离而改变 — 从近距离看,作品是一堆乱七八糟的图案:但是从远处看,这些图案确能形成一个主题。在我的作品中,从近距离,观察者不太可能看到肖像,但会看到地图的细节。从远处看,正好相反。 Lake

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Wedding Present, 48x36", Oil on Linen by Victoria Herrera, Painter, USA

Victoria Herrera的精美画作描绘了千变万化的大自然

“Mrs. Poll”, Portrait Commission, 48×36”, Oil on Linen, Private Collection, Courtesy of Victoria Herrera Victoria Herrera的精美画作描绘了千变万化的大自然 维多利亚.埃雷拉(Victoria Herrera)以绘画植物和具象的油画而闻名。她的标志性超大尺寸的花卉画,不仅描绘了大自然的内在美,而且还表达了她对人生的看法。维多利亚的绘画深受过去几个世纪以来的古典大师的影响,她善用光线与阴影的明暗对比,烘托出强烈的戏剧效果。尤其是半透明的运用,创造出细致入微的敏感度。她巧妙地将精心搭配的色调与不同程度的阴影相结合,进一步地增强了花朵的质地和层次感,同时突出其千变万化的面貌。在她的画笔下,每一片花瓣皆栩栩如生,无论是完全拥抱阳光,还是回避它,都优雅地展现自己。当这些花瓣簇拥在一起时,更彰显出一个既迷人又复杂的相依世界。 “Passage to Freedom”, 72×72”, Oil on Linen, Private Collection, Courtesy of Victoria Herrera 出生于巴拿马城,现居美国的维多利亚,通过以下的采访与我们分享她的一些生活及绘画经历。我们希望她的故事能够激励从事艺术创作的人们,在创作时如何克服内心的挣扎和挫败感。 问:你是当代知名的美国女画家之一。请与我们分享你的艺术培训之路。 答:非常感谢你对我的定义。然而,我很受宠若惊,就如米开朗基罗临终时的那句名言:“我还在学习”。我认为艺术家永远不应该感到自满,反而应该不断地学习和发展自我直到最后。当我六岁的时候,我意识到我想成为一名艺术家。和家人度假的时候,我喜欢用蜡笔涂色,我那时听到一个声音说:“这就是你这辈子要做的事”。我在整个高中期间都跟随一位私人美术老师学习绘画,然后去了费城的摩尔艺术学院,并私下向马克·坦南特(Mark Tennant)学习了一年。加入艺术学生联盟后,我向尼尔森·尚克斯 (Nelson Shanks)学习,并与史蒂文·阿萨尔 (Steven Assael) 一起参加了几次研讨会;然而,直到12年前在Grand Central Atelier完成了为期四年的核心课程后,我才觉得自己拥有了从事全职艺术家所需要的所有训练。 “A Gift from Heaven” 50×50”, Oil on Linen, Private Collection, Courtesy of Victoria

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White Duo, 33 x 28 inches, oil on canvas, 2021 by Jill Soukup, Painter, Colorado, USA

Jill Soukup画的马儿唤起人们对美国西部牧场生活的向往

Self portrait, Courtesy: elk & HAMMER Jill Soukup画的马儿唤起人们对美国西部牧场生活的向往 Jill Soukup(吉尔)所画的马,生动逼真。通过精心设计的画面构架,颜色组合和深具临场感的写实画风,她将马的精神展现无遗,并能捕捉到马的千姿百态,如矫健俊美,倜傥洒脱,驯服温顺,和腼腆害羞。 White Horse Rhythms, 36 x 40 inches, 2021, Courtesy: Jill Soukup 这代表著她常年仔细观察马群,尤其对马的肌肉、骨骼以及神情动态多有研究,才能将马画得如此出神入化。此外,她的用笔刚健有力且细腻,并在构图上营造出戏剧般的张力,让人们对她的画爱不释手。 Calgary Drafts, 36 x 36 inches, oil on canvas, 2020, Courtesy: Jill Soukup Boots Abiding, 12.5 x 8.75 inches, oil, 2011, Courtesy: Jill Soukup 此外,吉尔的画唤起了人们对美国西部牧场生活的向往。绿草如茵的草坪、成群的马匹、一双马靴、一具马鞍和一顶牛仔帽……在吉尔的画笔下,呈现出美国牛仔文物的怀旧之风。这种生活方式至今仍然存在于科罗拉多州的牧场上。这裹没有城市的喧嚣,只有传统的牧场生活:每天骑马放牧,照料牧场上的日常事务。这是一个人们可以亲近大自然和动物并用心生活的地方。 Steady At ‘Cha, 46 x 26 inches, oil,

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"FAIRYLAND A" by Guang-Yu Zhang, Painter, Mixed Media Artist, China

仙境 – 张广宇的混合媒体艺术

Self portrait, Courtesy: Guang-Yu Zhang 仙境 – 张广宇的混合媒体艺术 张广宇是位令人期待的中国青年艺术家,他擅长应用传统艺术与现代技术结合,以他丰富的视觉表现能力,创造出瑰丽的艺术作品。凭借深厚的传统艺术修养和数字科技的流畅运用,他的作品能够超越古今,让观众沉浸在具有创意并充满中国古代抒情、特色的视觉盛宴中。而他的动画艺术更进一步地将这种视觉感受提升到另一层的感知境界中。 相反于强调黑白韵律的传统水墨,张广宇倾向于用颜色和物体填充画布。他的色彩运用既复杂而和谐,既大胆也细腻。鲜艳的色彩带有近乎神性的内涵,突出了一个永恒的极乐愿景,冲突中孕育着和谐,一個“天地相交,明暗合一”界限的世界。 张广宇的艺术才华,以及创新手法也得到了知名品牌的青睐,和他合作过的品牌包括轩尼诗,嘉士伯。下个月,他的动画艺术将出现在的亚洲最大的NFT(数位加密)艺术平台上。 我们很高兴能够采访到张广宇,并从访问中了解他的成长之路。 “FAIRYLAND G2 B”, Courtesy: Guang-Yu Zhang 问:你的作品既华丽又复杂,蕴含着深厚的文学与绘画造诣。请与我们分享你的艺术养成训练。 答:从小时候起,我就开始学习西方学院派的绘画技巧,一些基本功和如何在作品中表现色彩的方法,还上过中国画技法训练和理论课并在中国的艺术院校学习。与大多数艺术家一样,我的学习经历也是我职业生涯的基础。 “A daydream at Shen Ao Village”, Courtesy: Guang-Yu Zhang 问:你用什么媒介来完成你的艺术?你的作品属于那一类型? 答:在学生阶段,我只用油画颜料在帆布或亚麻布上画画。大学毕业后,和别的纯艺术学科的学生不同,我选择投入到了巨大的创意产业中,做了很多不同性质,技能,和职位的工作。这些工作经历启发了我,因此我尝试使用混合技术来完成我的作品。 如今,我会先在Photoshop上制作数字草稿,以使用颜色组合来调整和确认构图。数字草稿完成后,我和我的团队会进行不同的流程。动效团队会将数字草稿制作成动画,我会对其做视觉上的指导。另一方面,我和手绘助理会在面板或画布上完成绘制工作,使手绘结果与数字稿相同。最后,我们团队中的交互媒体专家会将数字动画作品和实物绘画编码为AR混合媒体作品。 但并不是所有的作品都是这样,一些草稿更适合开发成纯数字动画,因此,我们会考虑将其制作为NFT(数位加密) 艺术品。 有些草稿看起来更像是绘画风格,我们会将其制作成独特的手绘作品。此外,我还制作原创限量版的版画。 “TRAVEL”, Courtesy: Guang-Yu Zhang 问:你的艺术才华被西方一些主要品牌注意到。请告诉我们你合作过的一些品牌以及你在这些合作中的角色。 答:品牌合作对于处于职业生涯早期阶段的艺术家来说具有相当的价值。成熟的大品牌会给年轻艺术家带来更广泛的声誉,让艺术家更有辨识度。我们看到品牌可以向更多不同的观众来宣传艺术家。 另一方面,品牌合作不仅仅是一份艺术工作。它涉及不同类型的设计工作、也包括广告、公关、营销、生产过程和法律等方面,这是一个多方共同协作的大型团队系统。老实说,我也学到了很多。这些项目同事们,在不同的岗位上都有自己的出发点和考量,大家共同讨论,协助,一起推动项目的进程,这是最终我们看到项目能够成功的根本原因。当艺术家参与品牌合作时,她/他会获得很多宝贵的工作经验和更广阔的视野。 而且,品牌在推广合作的时候也“明星化”了一位艺术家,比如我就觉得轩尼诗和嘉士伯拍的TVC (电视广告),挺有意思的 – 我是在演自己,如果我动作表情不到位,导演会让我一次又一次地重做演出动作,直到在镜头中看上去合适为止。 “Shan Shui 2”, Courtesy: Guang-Yu Zhang 问:中国图案是你作品中的重要元素。请告诉我们在构图过程中,你将传统图案与现代风格相结合时的思考过程。此外,你对颜色的使用是如此精致和独特。请告诉我们你对颜色选择的独特看法;应用颜色时你在寻找什么? 答:在大学二年级时,我被邀约为一家画廊的展览“Dragons in

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