Self portrait, Image credit: Szilvia Simon-Nagy 居于边界的存在：陶瓷形态的不息蜕变 匈牙利艺术家佐尔特·约瑟夫·西蒙（Zsolt József Simon）创作的陶瓷雕塑，巧妙地在静态形式中捕捉生命律动。他的作品并非仅是静止不动的物体，而是处于转化过程中的”边界生命”，邀请观者将当下的静态与其动态起源相连接。西蒙通过技艺精湛的创作，塑造出结构坚固却薄如蝉翼的陶瓷墙体，在几何精确性与有机形态之间达成平衡，唤起观者对花卉、海洋生物及地质构造的联想。 这些雕塑作品立足于相似性与抽象性的交汇点，既呼应植物与动物王国的结构，又令人联想到微观世界中的硅藻之美。一种引人入胜的张力贯穿其作品：密集而华丽的外表如同具有保护性的巢穴，逐渐过渡到柔和退缩的内部空间，充满神秘的黑暗。西蒙运用”想象轴心”的概念来协调对立力量：向内的液态流动与向外的锐利光芒相互平衡，同时通过微妙的色彩选择增强作品寓意，白色暗示骨骼，黄色象征植物，灰色则加深神秘感。 西蒙的作品挑战观众在静止之中感知生命的活力，并为积极投入的观者带来源源不断的视觉体验。他的雕塑深入探讨转化与生命本质等深层议题，为静态形式如何承载生命能量提供了哲学上的思考空间。在接下来的访谈中，佐尔特·约瑟夫·西蒙将分享那些赋予他作品生命力的哲学理念、创作过程以及他的美学视角。 Non-Babel series, 2024, 36x36x46 cm, unglazed, porcelain, fired at 1280°C, Image credit: Szilvia Simon-Nagy 问：您的作品中常见一种张力：静止的物体却仿佛蕴含着生命的律动。您如何理解这种动态与静态的共存？答：雕塑作为空间艺术，与音乐或戏剧这类依赖时间推进的艺术形式截然不同。它一旦完成，就处于一种恒定不变的状态，仿佛是某个瞬间的凝固，一种转变被“化石化”的状态。在我看来，它们呈现的是一种“死亡的变化”，不再流动，却承载着曾经的能量与方向。 因此，观众的角色不仅仅是观看者，更是感知的参与者。他们需要主动地穿越那表面的静止，去捕捉作品所蕴含的初始意图与生命感，而这一过程几乎完全依赖于视觉的触觉性。这不是关于投射幻想，而是一种深层的“认知”行为。 我们常常在不自觉中沉浸于作品的形式与色彩之中，仿佛将其“穿戴”在身，随着目光的流转进入它的内部空间。我个人偏好那些暗示“即将发生”的形态，比如含苞待放的花朵，那种紧绷中带着生成感的状态，而非像完美立方体那样的封闭与惰性。这种倾向，相信在我的作品中是可以感受到。 Flying Garden series, 2013, 27x27x21 cm unglazed, porcelain, stain, fired at 1280°C, Image credit: Szilvia Simon-Nagy 问：在您看来，艺术如何回应人们对“有生命”与“无生命”之间的感知？答：我并不认为这两者之间存在真正的鸿沟，而更像是一种持续进行的、尽管是单向的联结。生命体不断地生成、排出、剥落物质，最终转化为非生命的存在。我们的身体每天都会产生毛发、指甲、脱落的皮肤，这些都属于被抛弃的部分。类似地，远古海洋生物的骨骼沉积下来，经过地质演变，形成了今天的石灰岩山脉。生命始终在以各种形式走向固化，走向沉寂。 而人类的特别之处，在于我们拥有不断发展的意识，使我们能够将超越生理需求的能量用于创造，用于推动个人或集体的精神成长。作为艺术家，我们是在这种节奏中工作。一方面是活生生的创作行为，另一方面则是产出一种终将静止、凝固、趋于永恒的“死物”。艺术的实践，本身就是一种节奏感极强的交织，生命与非生命在此并存，在当下的每一次尝试与调整中相互作用。 这并不意味着艺术能赋予死物真实的生命，但在雕塑的领域，我们确实能够通过对材料的组织与形态的构建，将那些原本冷硬、线性、边角分明的矿物质，转化为富有生命感的存在。让它们不再只是物理结构，而是拥有某种节奏、某种情感，甚至某种精神气息的存在体。 这种努力的最高表达，也许可以在古希腊的雕塑中找到答案。那些作品至今仍能唤起我们对生命的感知，不是因为它们在动，而是因为它们以静制动，于不动之中传递出蓬勃、生生不息的张力。 Sleeping Beauty Series, 2023, 37x31x28 cm,
