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Anauchen picasso by Vukašin Gojšina, Biologist, Serbia

蜗牛界的毕加索:微观世界中的自然艺术

Self portrait, Image credit: Vukašin Gojšina 东南亚微型蜗牛揭示的进化多样性与形态创新 在东南亚云雾缭绕的石灰岩喀斯特地貌中,一项令人瞩目的发现悄然登场:一位极具先锋派艺术气质的微型建筑师。它就是阿诺乌肯·毕加索蜗牛(Anauchen picasso),一种仅有3毫米大小的蜗牛。它的螺壳打破了常规设计,呈现出棱角锐利、近乎长方形的螺纹,令人不禁联想到立体主义大师毕加索那革新性的艺术笔触。这个小巧奇特的生物由塞尔维亚博士生武卡辛·戈伊希纳(Vukašin Gojšina)和匈牙利导师巴尔纳·帕尔盖尔盖伊(Barna Páll-Gergely)领导的国际软体动物学家团队发现。它不仅标志着一个新物种的诞生,更是大自然无穷创造力和意外惊喜的鲜活例证。他们的研究成果已于2025年4月发表在《动物之钥》(ZooKeys)期刊上。 除了它那充满艺术美感的螺壳,阿诺乌肯·毕加索蜗牛还归属于一个引人入胜的微型蜗牛家族。这些小家伙们的复杂精巧与其微小的体型形成了奇妙的对比。这些体长均不足5毫米的小型软体动物,在螺口处进化出了巧妙的防御机制,长有牙齿般的屏障,用以抵御天敌。有些物种甚至进化出了独特的携壳方式:要么将螺壳上下倒置,要么螺口戏剧性地向上或向下翻折。这些别出心裁的适应性特征,充分展现了这些尚未得到充分研究的生态系统中所蕴藏的惊人多样性。在这里,进化过程雕琢出的解决方案既独特又充满美感。 然而,在柬埔寨、缅甸、老挝、泰国、马来西亚和越南等地发现这46个蜗牛新物种的消息,却伴随着一丝复杂的感慨。其中一些标本来源于可追溯至上世纪八十年代的博物馆藏品,它们所代表的栖息地如今或许早已不复存在。这些特化生物赖以生存的石灰岩家园,正因森林砍伐和矿石开采而迅速消逝,威胁着无数尚未被发现的物种。为了更深入地探寻这一重大发现及其背后驱动科学探索的热情,我们与武卡辛·戈伊希纳进行了直接对话。更多精彩细节,敬请期待下文。 Among the 46 remarkable new species recently discovered in Southeast Asia, these intricate microsnails showcase nature’s extraordinary creativity while underscoring the critical need to protect their rapidly vanishing limestone habitats. Image credit: Vukašin Gojšina 您能分享一下您的求学经历吗?是什么特别吸引您研究软体动物学,尤其是微型蜗牛呢?我在贝尔格莱德大学生物学院完成了本科和硕士学业,目前也在此攻读博士学位并供职。我对蜗牛的热爱完全是自发。读大二的时候,我突然意识到自己想研究蜗牛,就是这么简单!当然,微型蜗牛尤其吸引我的目光,因为我视它们为大自然微缩的艺术品。我总是惊叹于蜗牛可以如此美丽,而当你意识到它们竟能如此微小之时,这种感觉就更加奇妙了!而且,东南亚无疑是世界上一些最美丽蜗牛的家园! 当您初次邂逅阿诺乌肯·毕加索蜗牛时,您的第一反应是什么?又是什么促使您将其螺壳设计与立体主义的艺术语言联系起来的呢?当我第一次在实体显微镜下观察这个物种时,最直观的印象就是它壳体的独特造型,这让我毫不犹豫地认定它是一种全新的物种。之所以会联想到立体主义,是因为它的外形看起来就像是一种立体主义的表达方式,仿佛是在对那些拥有圆形螺旋结构的阿诺乌肯属蜗牛进行重新诠释。它最后一圈螺旋上有一条明显突起的龙骨,使整个壳体呈现出清晰分明的棱角感,具有强烈的视觉冲击力。 研究像微型蜗牛这样微小且常被忽视的生物,如何在东南亚这样的地区重塑我们对生物多样性的理解?在东南亚发现大量新物种,无疑凸显了其丰富的生物多样性!这也表明,可能还有更多的未知等待着我们去发现。如此高度的特有性进一步强调了保护栖息地的重要性,这不仅是为了蜗牛,也是为了整个生态系统。 您描述的几个物种是从几十年前收集的博物馆标本中鉴定出来的。这对于历史馆藏在现代生物多样性研究中的作用有何启示?储存在博物馆中的历史馆藏对于研究而言尤其重要。这些馆藏常常包含着大量尚未被描述的物种。我们通过这种方式描述了好几个物种,同时也获得了大量已描述物种的材料,这对于填补分布空白和理解种内变异性至关重要。 这些蜗牛最初被发现的许多栖息地如今已被破坏。面对记录这些可能已在野外灭绝的物种,您如何应对情感上和科学上的双重挑战?这当然不容易。我们目前正处于第六次生物大灭绝之中,我们似乎必须竭尽所能地去描述尽可能多的物种,期望这些物种能为世人所知并得到保护。因此,当我们看到这些美丽的生灵如此脆弱时,会感到悲伤;但当我们尽力去拯救它们,让它们得到关注时,又会感到欣慰!毕竟,作为生物学家,这是我们的职责。 您的研究提到了复杂的螺壳结构,例如牙齿般的屏障和倒转的螺口。在这些微型蜗牛中,可能是哪些进化压力塑造了如此极端的形态适应?这些特征无疑帮助这些蜗牛保护自己免受众多捕食者的侵害。有些蜗牛甚至拥有爪状的屏障,其钩状末端指向螺口外部,这可能是快速适应性进化的结果,用以额外防御捕食者。曾有一项研究证实,如果这些爪状齿被破坏,蜗牛对抗捕食者的成功率会大大降低;而如果螺口的分离部分也被破坏或移除,其存活率则会变得非常低。 单一研究中发现46个新物种,这对于揭示东南亚石灰岩生态系统中隐藏的生命丰富性有何启示?以及可能还有多少仍未被发现?这无疑印证了东南亚作为生物多样性热点地区之一的称号。这篇论文描述了高口螺科的46个新物种,但在2023年,该论文的几位作者又描述了同属于高口螺科的单个属中的42个物种。这意味着仅两篇论文就发现了88个新物种,真是令人难以置信。这确实告诉我们该地区多样性的丰富程度,同时也表明还有更多的新物种等待被发现。高口螺科是一个包含13个属的大家族,如果这些修订研究继续下去,毫无疑问物种数量将会显著增加! 像您这样的分类学工作如何为保护策略提供信息,特别是针对那些高度本地化且对环境变化高度敏感的生物?我想说这或多或少是直截了当的。我们检查了遍布东南亚的大量标本,但事实依旧是许多物种属于当地特有种,是局限在岩石上生活的居民。我们在工作中已非常清楚地指出了这一点,甚至标注了哪些物种可能因采石作业而濒临高度危险,或者其模式产地甚至已被摧毁。如果一个物种仅局限于一座小石灰岩山丘,那么显而易见的策略就是不要通过采石作业去干扰它。这样,该物种就能得到拯救。 […]

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原始回声:马可·盖奥蒂(Marco Gaiotti)镜头下的野性与脆弱

Self portrait, Image credit: Marco Gaiotti 通过摄影,呈现野生生命与消逝世界之间的脆弱联结 自埃塞俄比亚塞米恩山脉峭拔的岩壁,至斯瓦尔巴德群岛冰雪覆盖的海岸线,马可·盖奥蒂(Marco Gaiotti)以其细腻、敏锐的镜头语言,捕捉着野生生灵同其渐次退隐的栖息地之间,那份休戚与共的深厚联系。他的影像创作不仅描绘动物本身,更将它们融入大地的纹理之中,使画面如诗般展开,讲述着这个星球最为紧迫的主题:在生存与消逝之间维系的一线平衡。 在马达加斯加黑狐猴深邃的翡翠眼神中,我们得以窥见古老智慧与当代脆弱性的共鸣;而在狒狒咆哮时刻所凝固的剪影中,高原暮色洒下的金光,将本能的情绪转化为动人的艺术,静静绽放于夜色之中。 Gelada baboon at sunrise, Simien Mountains National Park., Image credit: Marco Gaiotti 对光影的精湛运用贯穿盖奥蒂的所有作品,将每一帧画面转化为超越单纯记录的情感风景。在柏树沼泽的迷雾深处,一只孤独的白鹭如可见的祈祷般伫立,其纯洁的身形在高耸、苔藓垂挂的哨兵般古树前闪耀着优雅的光芒。他的北极影像承载着或许最为深刻的讯息,北极熊在雕塑般的冰雪景观中穿行,其强健的身形在广袤的白色寂静中显得近乎幽灵般虚幻。水花在觅食的熊周围如水晶般飞溅,每一滴水珠都被凝固在时间中,宛如变化世界的眼泪。 这种独特的艺术视野在马可·加约蒂的作品《狮尾狒家族》中得到了近乎完美的表达,该作品在2024年锡耶纳国际摄影奖中获得高度赞扬。画面中,一个狮尾狒家族栖息在埃塞俄比亚塞米恩山脉的翠绿山坡上,母亲怀抱着幼崽,目光沉思而宁静;在她身旁,同伴端坐着,眼神警觉而专注,姿态庄重优雅。头顶上方,枝叶如帷幕般垂悬,身后云层翻涌汹涌,暗示着即将来临的风暴。这一刻的宁静与天空中潜伏的动荡形成了动人的对比,既揭示了自然的无常,也展现了命运的静谧张力。 在接下来的对话中,我们将走进这位影像艺术家的内心世界,探寻他如何以镜头守护地球最遥远圣域的灵魂。 A female Gelada monkey nursing her baby under a threatening sky, sits on the edge of a plateau in the Simien Mountains of Ethiopia., Image credit: Marco Gaiotti 您初次接触南部非洲的原始地貌近乎偶然,那一次意外的邂逅是如何演变成您毕生对自然摄影的追求?我从小就喜欢沉浸在大自然中,也一直深深着迷于野生动物。不过多年来,我更热衷于探索世界各地不同文化的旅行。纳米比亚之行是我第一次在故乡之外观察野生动物,正是从那时起,我意识到自己对深化这方面探索的强烈渴望。 Polar

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SMAR Architecture Studio tops Lithuanian science museum with solar-inspired disc

科学之岛,设计之光:走进立陶宛最具未来感的博物馆

SMAR Architecture Studio tops Lithuanian science museum with solar-inspired disc, Image credit: Lukas Mykolaitis. 巨型反射圆盘重构立陶宛博物馆屋顶景观 七年前,他们的创新设计首次捕获全球目光;七年后,SMAR建筑工作室为立陶宛考纳斯市(Kaunas, Lithuania)献上了一座撼动人心的杰作。由建筑师费尔南多·赫雷斯(Fernando Jerez)与贝伦·佩雷斯·德胡安(Belen Perez)领衔设计的科学岛博物馆(立陶宛语Mokslo Sala),这座占地一万五千平方米的文化新地标,正以其独特魅力,重新演绎着建筑在科学教育与环境认知中的重要角色。 它绝非一座传统意义上的博物馆。这座矗立于涅穆纳斯河畔的光影殿堂,更像是一座象征着蜕变与智慧的灯塔。最为瞩目的特征,无疑是那片覆盖于建筑之巅、熠熠生辉的铝制圆盘,被其创造者誉为立陶宛第二大城市的”新太阳”。这一大胆的建筑笔触,不仅映照着自然天光,更折射出城市的雄心与渴望,将博物馆深深植根于城市日新月异的身份认同之中。 Its roof serves as a multi-purpose platform for concerts and various events., Image credit:: Lukas Mykolaitis. 自然与科学的交汇点 坐落于风景如画的涅穆纳斯岛上,科学岛博物馆仿佛从大地中自然生长而出,宛若这片土地自身开始了思考。博物馆的设计始终遵循着与自然及城市环境深度融合的坚定信念。它非但没有扰乱原有的生态系统,反而巧妙地成为了其中的一部分。 其屋顶,早已超越了遮风避雨的基本功能,化身为一个多功能的城市公共界面。遍布其上的圆形开口,如同一个个天然的公共舞台与非正式露天剧场,为人们提供了聚会、观景以及与周遭环境互动的绝佳场所。倾斜的屋顶形态轻柔地与地面衔接,盛情邀请公众漫步其上、休憩,乃至参与各式活动。从音乐会到滑板运动,这里无所不包,巧妙地模糊了文化机构与社区空间之间的界限。 在建筑内部,空间布局同样打破了传统博物馆的既定模式。流动的展览空间与阳光天井相互呼应,创造出一种近乎诗意的光影对话。访客在此既可以深入探索科学奥秘,也能感受到大自然的韵律节拍。每一处转角都可能邂逅意外的惊喜,每一束自然光线都在诉说着关于知识与发现的故事。 这座博物馆的诞生,标志着考纳斯这座历史名城迈向未来的重要步伐。它不仅仅是一个展示科学成果的场所,更是一个连接过去与未来、传统与创新的文化桥梁。在这里,建筑本身就是最生动的教科书,向每一位踏足此地的人们传达着这样的信念:科学与艺术、人文与自然,原本就应该和谐共生,相互启发。 The museum spans 15,000 square metres., Image credit: Lukas Mykolaitis. 一座会呼吸的实验室 博物馆内设有一百四十件常设科学展品,辅以临时展厅、天文馆、教育设施、文化中心及咖啡厅。内部的每一个角落都被精心设计,兼顾教育与市民生活的双重需求,使其功用远远超出了传统博物馆的范畴。 这里不仅是展品的陈列所,建筑本身即是一堂生动的可持续发展与生态意识实践课。凭借其种植着本土物种的绿色屋顶、巧妙的自然采光策略以及顺应气候变化的结构设计,博物馆宛如一座鲜活的实验室。光线、空气、水和季节更迭在此并非仅仅被动地管理,而是被主动地呈现与强调。参观者得以亲身体验环境系统的运作方式,通过建筑本身的构造洞察科学原理。

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Artistic visualization of the electromagnetic forces at play during ultra-peripheral collisions at CERN's Large Hadron Collider, where lead ions traveling at near-light speed generate intense photon bursts capable of nuclear transmutation. The glowing energy streams represent the moment when physics transforms lead into gold through pure electromagnetic interaction, bringing ancient alchemical dreams into the realm of quantum reality.

点铅成金:欧洲核子研究中心(CERN)的真实炼金术

Picture of the ALICE detector, Image Credit: CERN 当相对论物理实现了古老的炼金梦想 在日内瓦附近欧洲核子研究中心(CERN)庞大建筑群的静谧走廊中,一个曾经令中世纪炼金术士痴迷的追求找到了现代科学的实现。使用ALICE(大型离子对撞实验)探测器的物理学家们已观测到铅向黄金的转变。然而,这种嬗变并非源于神秘的咒语,而是量子力学与相对论物理学的相互作用,当铅原子核被加速到光速的99.999993%时,它们经历近距离碰撞。 ALICE合作团队最近在《物理评论期刊》上发表了他们的发现,对这一发生在大型强子对撞机27公里环形隧道内的非凡现象进行了定量研究。他们的研究超越了科学好奇心的范畴,为爱因斯坦的标志性方程E=mc²提供了深刻的演示,展示了物质在极端条件下的转变。”令人印象深刻的是,我们的探测器既能处理产生数千个粒子的正面碰撞,同时也能敏感地探测到每次只产生少数粒子的碰撞,”ALICE发言人马可·范·莱文(Marco Van Leeuwen)解释道。”这使得电磁核嬗变过程的研究成为可能。” 这种转变是电磁离解的结果。当含有82个质子的铅原子核以相对论速度勉强避免直接撞击时,它们产生令人难以置信的强烈电磁场。这些电磁场被压缩成超薄的煎饼状波,产生足够强大的光子脉冲,能够从铅原子核中弹出三个质子,将其转变为含有79个质子的黄金。 利用零度量能器,ALICE团队以卓越的精度测量了这些相互作用。他们的数据表明,在一秒钟的运行期间,大约有89,000个金原子核在ALICE碰撞点形成。这些新形成的金原子核在其嬗变状态下仅存在几分之一秒,然后在与加速器基础设施接触时分解为亚原子粒子。 This illustration depicts the remarkable phenomenon of ultra-peripheral collision at the LHC, where two lead ion beams (208Pb) streak past each other in a near miss rather than direct impact. During this electromagnetic dissociation process, high-energy photons interact with the

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France Pavilion at the Osaka World Expo 2025 © Coldefy & CRA-Carlo Ratti Associati

生活剧场:法国馆演绎世博新篇

France Pavilion at the Osaka World Expo 2025 © Coldefy & CRA-Carlo Ratti Associati, Photo credit © Julien Lanoo 以空间叙事重建真实的相遇 全球瞩目的2025年大阪世界博览会上,法国国家馆的盛大揭幕,实现了一个引人入胜的全新建筑愿景。其设计理念源自法国Coldefy建筑事务所与意大利CRA卡洛·拉蒂设计事务所的联袂合作。展馆将开放至当年10月13日,它所呈现的并非传统意义上的展览空间,而是一处可供全身心沉浸的「生活剧场」。 France Pavilion at the Osaka World Expo 2025 © Coldefy & CRA-Carlo Ratti Associati Exhibition « Pulsations », ©Justine Emard ©ADAGP Paris – ©Studios GSM Project Photo credit: © Julien Lanoo 展开层层的编排空间 法国馆的设计从精妙的”场面调度”艺术(一种戏剧作品中的建筑布局与舞台布景技艺)中汲取灵感。在这里,空间被构思为一个有节奏的叙事序列,流动而富有层次,引导参观者穿行于视角不断变化的路径中。这种空间体验呼应了日常生活的节奏:起始、过渡、停留、反思,直至最终离开。 展馆在这一概念框架下,不再只是物理空间的集合体,而被赋予了如同舞台般的生命力。建筑在此成为承载与放大人类行为的容器,定格每一个存在、行走与互动的瞬间。设计叙事更借鉴于日本”赤线传说”(即连接有缘人的无形红线)。在这个日益被数字疏离感所主导的时代,法国馆有意识地将实体空间重塑为人与人之间命运交织、彼此牵引的无形纽带。

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The Waxing and Waning Series 2, 2024 Woven from ramie, China grass cloth, and bamboo, this piece continues the meditative essence of The Entropy Reduction of Hundun, embodying the eternal cycle of yin and yang. The interwoven circles reflect the waxing and waning of energies, the shifting densities symbolize space time's fluidity, and the contrast of textures affirms balance in opposites. A visual journey through cosmic rhythms, it invites contemplation of life's perpetual evolution and dynamic equilibrium by Wanbing Huang

循道自然:黄婉冰(Wanbing Huang)的韵律创作

Self portrait, Image credit: Wanbing Huang 在农业原型中寻找宇宙的韵律 在历史传承与创新表达的精妙交织中,鲜有艺术家能如黄婉冰(Wanbing Huang)这般深思熟虑地游走其间。毕业于伦敦中央圣马丁学院的她,通过独特的当代视角,对中国文化遗产进行了细致入微的重新诠释。她的创作实践深深植根于农业原型、世代相传的知识以及自然材料的本质,构建了一座跨越地域界限的桥梁。 黄婉冰的作品体现了她所称的”东方时间”哲学,这种理念尊重循环律动和具象记忆的实质元素,摆脱了线性发展的束缚。这使她能够提炼并提升中国特有的元素,创造出超越单一文化背景而产生共鸣的作品。 艺术家在材料选择上的细腻考究,揭示了一种超越纯粹美学考量的创作哲学。苎麻、夏布、竹以及其他传统元素,在她手中并非单纯的创作工具;它们化身为“时间的器官”与“文化记忆的延伸”。这种精炼的感知力,是在她多元的国际教育背景下磨砺而成。在此期间,她不仅学会了审问基本预设,同时亦加深了与《易经》等恒久中华宇宙观传统的连结。 Transformation of formless Chi into the tangible rhythm of Cadence., Image credit: Wanbing Huang 由此诞生的作品,时常转化诸如谷仓、蚕茧等农耕符号,本身便化为一方庇护之所,既体现了守护,亦寓示着蜕变。她对物质材料及其无形文化底蕴之间复杂互动的开创性探索,为她赢得了国际赞誉,实至名归。其中包括入围罗意威基金会手工艺奖(Loewe Foundation Craft Prize)决赛,以及作品登载于《T》杂志、《Beaux Arts》杂志等知名出版物。 黄婉冰艺术实践中最鲜明的特点或许是她坚决拒绝肤浅的文化拼贴,而选择真实而深刻地传达文化遗产。她建议新兴创作者首先”保持沉默,走向土地,与祖先对话”,然后才尝试任何形式的文化表达。 在我们这个常被喧嚣与持续加速所裹挟的时代,她的作品提供了一条别样的路径,邀请观者放缓脚步,通过那些既回响着历史意蕴、又直指普世人类经验的形态,重新连接感官记忆的深层智慧。正如她所阐释的,她对“自然、精神、文化、故事和本土材料”的持久迷恋,驱动着其艺术之旅在坚定植根于中华传统丰厚土壤的同时,不断探求普世的共鸣。 The Divinatory Line Series 5, 2024. This collection unites ancient wisdom with contemporary vision, translating universal complexities into abstract totems. Inspired by the

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Allen Institute's Informatics team created this image

重思意识:里程碑研究挑战既有理论,揭秘大脑感官中枢

A group photo taken at the Allen Institute in Seattle, Washington, during the March 2018 meeting that launched the series of adversarial collaborations. Image credit: Allen Institute 当感知,而非认知,占据主导 历经数年精心筹划,一项里程碑式的神经科学实验近日公布了其突破性成果,为人类探究意识这一古老谜题带来了全新视角。这项重磅研究已于2025年4月28日发表于国际顶尖学术期刊《自然》杂志。该研究源于一次大规模的跨学科协作,旨在对当前意识研究领域的两大主流学说,即整合信息理论(IIT)与全球神经工作空间理论(GNWT),进行严格的检验与比较。其核心发现指出,我们所体验到的意识,其根源或许更多地深植于基本的感觉与知觉过程,而非依赖于复杂的高阶认知活动。这一观点无疑将对未来的哲学思辨及临床医学实践产生深远影响。 一场酝酿多年的科学“论剑” 这项实验本身便是一次“创新性对抗合作模式”的成功实践。在这种独特的科研范式下,多个相互竞争的理论得以在共同商定的框架内接受同步检验。该项目于2019年启动,招募了多达256名志愿者参与其中,如此庞大的样本规模在此类研究中实属罕见。其目的在于通过一系列精心设计的视觉感知任务,对整合信息理论(IIT)与全球神经工作空间理论(GNWT)这两大理论进行严谨的考量。实验过程中,参与者需要观看高对比度的图像序列,并辨识其中的特定目标(例如字母或人脸)。与此同时,研究人员运用包括功能性磁共振成像(fMRI,追踪血氧变化)、脑磁图(MEG,测量脑磁场)以及脑电图(EEG,记录脑电活动)在内的多种先进神经影像技术,实时监测并记录他们的大脑活动状态。 整合信息理论(IIT)由朱利奥·托诺尼(Giulio Tononi)提出,其核心观点是:意识的产生源自一个系统内部信息整合的复杂程度。该理论认为,当大脑的各个组成部分以高度整合且结构化的方式协同运作时,意识便会随之浮现。与之相对的是由斯坦尼斯拉斯·德赫内(Stanislas Dehaene)所倡导的全球神经工作空间理论(GNWT)。此理论主张,当特定信息通过某种“聚光灯”机制被大脑的广泛区域网络捕获并共享,从而进入我们的意识层面时,意识体验便得以形成。 然而,实验结果并未给任何一方理论带来决定性的胜利。尽管部分研究结果似乎与两大理论框架各自预测的模式有所吻合,但没有任何一方展现出足以压倒对方的解释效力。“没有任何一次单独的实验能够最终证实或推翻这两者中的任何一个理论,” 该研究的资深作者之一、萨塞克斯大学认知与计算神经科学教授阿尼尔·塞斯(Anil Seth)评论道。“这些理论在基本假设和解释目标上差异过大,而我们目前可用的实验手段又显得相对粗略。尽管如此,这次合作的价值依然巨大,它极大地加深了我们对两种理论的认识,并帮助我们更清晰地定位大脑中处理视觉体验相关信息的时空节点。” 全球神经工作空间理论(GNWT)的主要推动者、INSERM-CEA认知神经影像部门主任斯坦尼斯拉斯·德赫内(Stanislas Dehaene)也坦言:“尽管我们的理论确实预见到了实验所观察到的某些额叶与后部脑区之间的通讯模式,但实际数据所揭示的复杂性,超出了我们现有模型能够完全阐释的范畴。” Participants identified specific targets (such as faces or letters) in sequences of high-contrast images. Each trial

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Lidar by Dan Hoopert, 3D Artist, UK

数字回声:丹·胡珀特(Dan Hoopert)的物理数字景观

用激光雷达与声音翻译自然的隐藏语言 在当代自然世界与数字创作的对话中,伦敦3D艺术家兼设计师丹·胡珀特(Dan Hoopert)开辟了一片引人入胜的天地。作为苹果、谷歌、Meta、耐克和阿迪达斯等知名品牌的合作艺术家,胡珀特将自然元素转化为超现实、沉浸式体验,挑战着我们的感知边界。他的创作以精湛的3D软件技术和对现实主义的敏锐洞察为特点,这些技能不仅用于复制,更是唤起一种现象感,通过精心打造的视觉和声音效果,模糊了有形环境与其抽象数字表现之间的界限。 胡珀特独特的创作方法,常常通过生成式过程重新诠释环境数据,已引起广泛瞩目,使他的作品得以在应用艺术博物馆、伦敦Outernet的广阔数字画布、Sonar音乐节,甚至上海的大型广告牌等多元且著名场所展出。他的作品邀请观众进入精心构建的现实世界,在那里,技术成为重新感知自然的镜头,揭示隐藏的模式,将物理空间转变为富有共鸣的视听景观。 在以下对话中,丹·胡珀特分享了他自学成才的历程、算法系统与艺术直觉之间的相互作用,以及他对利用数据揭示自然世界中看不见的诗意。 Through The Forest II Gallery Views, Image credit: Dan Hoopert 问:您能分享一下您的背景和创作之旅,是什么引导您在声音、动态和数字景观的交叉领域中工作?答:我的背景相当深厚地植根于3D设计,我是自学成才的,从15岁左右就开始从事这方面的工作,因此花了相当多的时间培养技能,使我能够探索创作艺术品的各种途径。在过去几年中,我对能够创造声音和视觉效果更感兴趣,并跌入了寻找方法以生成方式实现这一目标的兔子洞。寻找建立声音与我正在制作的视觉内容之间直接联系的方法。 问:最初是什么吸引您将森林等空间环境转化为声音和视觉形式?是否有特定的时刻或记忆激发了这个概念?答:这并非源于某个特定时刻或记忆,我更倾向于认为它是研究探索的成果。我非常喜欢将自然元素作为创作的出发点。相比面对空白的三维视图,当我审视从外部世界导入的元素或模拟的物理过程时,往往更容易获得灵感。这个项目便是在我研究激光雷达扫描数据,并思索如何用这些数据创造新事物的过程中诞生。 Lidar, Image credit: Dan Hoopert 问:在《音频合成:穿越森林》中,您如何看待森林不仅是一个场景,而且是生成过程中的共同创造者?答:我将森林看作共同的创造者,因为它为我生成所有其他要素提供了所需信息。从视觉到听觉,一切都以某种方式衍生自森林。我喜欢这个项目,它主要就是转译那个已然存在的世界,并在扫描环境的过程中,赋予其中已有的事物新的形态。 问:您的创作结合了激光雷达技术、MIDI数据以及实时声音合成。在创作过程中,您是如何在算法的严谨逻辑与艺术的直观感受之间进行协调与把握的呢?答:这需要极大的耐心和大量的咖啡![笑] 我用于提取MIDI数据并合成声音的这套流程,效率实在不高。具体来说,这包括导出动画全程记录下来的各式MIDI片段。这些片段往往堆叠成密集的音符墙,需要花些功夫去梳理。随后,我用这些片段去驱动不同的合成器和采样器。假如所有这些设备和程序同时运作,那简直就是一场灾难。所以,我必须进行细致的编排和参数微调,一方面避免声音效果变成一团乱麻般的轰炸,另一方面要确保最终效果能与森林的意境自然地融合。接下来就是一个反复尝试和修正的过程了:不断地聆听,不断地测试各种组合,直到找到那个感觉对路的效果为止。我非常期望在将来的创作中,能把这个流程变得更简化一些。 Through The Forest II HQ Vertical Original Colour Glow, Image credit: Dan Hoopert 问:能否请您谈谈,从森林独特的声音特性中,您感受到了哪些情感或氛围上的特质?在数据揭示的过程中,有没有什么出乎您意料的发现? 答:在生成的数据中,我发现一个特别有意思的现象:当你放大通过森林完整扫描所产生的所有MIDI音符时,你实际上能看到所有树木和植物的音乐性横切面。这非常像有人尝试用乐谱来描绘一棵树的样子。它看上去几乎就是一幅森林的像素化卡通图。我有九成把握知道其成因,但MIDI音符能够如此精确地追踪被扫描物体的轮廓,这一点也确实让我感到有些不可思议。我一直觉得这太酷了。 问:您曾提及从数据点生成一种“抽象视觉语言”的探索。您本人如何解读这种语言?并且,您预见它在未来的版本中会如何演化呢? 答:我想这主要指的是我所创建的那些图形符号。事实证明,这些符号非常关键,我个人也相当欣赏它们所扮演的角色。在最初的测试阶段,我发现仅仅展示光束并配合声音,信息量是不足的。尽管所有元素都与扫描同步且由扫描生成,但观众确实需要更多的视觉线索才能理解眼前发生的一切。为了应对这一点,我设计了一套简约的形状语言,囊括了立方体、三角形和圆形。这些形状的大小和颜色会与生成的声音类型或扫描中的特定元素相关联。我注意到,一旦能在视觉上将特定的声音与形状、颜色建立起联系,整个体验就会变得清晰许多。这种语言本身仍带有一些抽象性,但无疑有助于将各个元素串联起来。至于它未来将如何发展,我还不太确定。不过,我目前非常喜欢这些图形符号的风格,觉得它们能够在视觉上巧妙地暗示某种计算过程正在进行。 Lidar, Image credit: Dan Hoopert 问:运用技术去聆听并视觉化自然,这本身带有一种深邃的诗意。您是否将自己的创作看作一种“数字生态学”?倘若如此,它在我们与自然世界的关系中又扮演着怎样的角色呢? 答:关于这一点,我还不是特别确定。但我确实非常享受运用这类技术去感知和欣赏自然。我认为,激光雷达扫描就像是将某个瞬间凝固在时间之中,让事物能够以极其丰富的细节永久存续,这本身就很美好。我猜想,这或许能帮助人们更深刻地体味周遭环境,甚至可能带来一些引人深思的效果。但对我而言,进行艺术创作最主要的驱动力,还是源于我觉得这件事本身很有趣。我喜欢在作品中不经意地融入一些细微的巧思,不过目前我并不特别执着于让作品在任何特定议题中扮演明确的角色。 问:当今数字世界往往试图复制乃至取代自然,而您的装置艺术却选择了与自然合作。这是否代表了一种深思熟虑的哲学立场? 答:我不认为这源于某种哲学立场。对我而言,更多的是因为我视自然为完美的化身。当我运用源自自然界的任何元素数据时,不论是森林的激光雷达扫描数据,还是模拟生物过程的数据,我都从不觉得有任何修改或编辑的必要。只要我能深入探究这些事物,提取出诸如每一根树枝的高度、或是树皮的弯曲程度这类数据,那些以往未被察觉的方面便会开始显现。这些数据继而可以用来创造工具,驱动全新的创作。我更偏爱这种揭示既有之美的方式,而非去主动创造美。 Lidar, Image credit: Dan

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The image depicts a glowing blue hexagonal crystal structure with one side perfectly intact and the other side fracturing yet seemingly self-healing. This visualization represents Dr. Panče Naumov and his NYU Abu Dhabi research team's groundbreaking discovery of self-healing crystals—challenging traditional views of crystals as merely rigid and brittle materials. Small light particles emanate from the healing zones, illustrating this remarkable scientific breakthrough.

分子重生:走进瑙莫夫博士(Dr. Panče Naumov)突破性的自愈合晶体研究

Dr. Panče Naumov, Image credit: NYU Abu Dhabi 当有序结构赋予自我修复能力 晶体一直被视为坚硬和易碎的象征,如今却展现出一种令人惊叹的隐藏特性:自我修复的能力。引领这一突破的是潘切·瑙莫夫博士(Dr. Panče Naumov)及其在纽约大学和纽约大学阿布扎比分校的研究团队。自二〇一〇年代中期以来,他们通过揭示并解释分子晶体的自我修复行为,正在重新定义材料科学的边界。他们的研究为固态材料的内在动态提供了深刻见解,并为新一代具有耐久性、可持续性和适应性的技术铺平了道路。这项开创性的研究成果发表于二〇二五年四月十四日的《自然评论·化学》期刊,标志着响应性材料研究领域的重要进展。 概念飞跃:晶体作为软物质 对自愈合分子晶体兴趣的重新涌现始于2016年左右,源自一个关键的概念转变。”大约在2015年,我们意识到有机晶体可以被归类为软材料,类似于塑料和橡胶等其他软材料,但还具有结构有序性,使它们成为独特材料的附加特征,”瑙莫夫博士解释道。这一认识引发了一个关键假设:如果传统软材料表现出自我修复特性,那么它们高度有序的晶体对应物或许也能。 受到自修复聚合物中使用的动态共价化学的启发,这种化学中的化学键可以在室温下自发断裂和重新形成而无需外部能量输入,瑙莫夫博士的团队着手设计具有内置修复机制的有机晶体。”我的高级研究员帕特里克·科明斯博士(Dr. Patrick Commins)专注于合成含有二硫键的有机晶体,这些键可以在室温下断裂和重新形成,”瑙莫夫回忆道。虽然合成相对直接,但真正的挑战在于证明修复确实发生了。 穿越晶体迷宫:测试中的挑战 与可塑性聚合物或凝胶不同,后者可以模制成”骨骼形”等标准化测试形状,有机晶体会根据其内部结构和生长条件形成特定的几何形状。它们的小尺寸和形状控制的缺乏使传统的机械测试方法变得不可行。”我们意识到必须设计新的测试方法,”瑙莫夫博士解释道。 他的团队开发了一种创新方法:先故意损坏晶体,然后将其安装在能够测量微小力的微型拉伸测试机上,完全破坏它,接着精心连接碎片,确保在断裂界面处有紧密接触。经过24小时的愈合期后,测量重新断裂晶体所需的力,并与完整未破坏的晶体作为对照进行比较。”我们在综述论文中详细说明了这些测试协议,以便其他研究人员可以采用并开发类似的方法,”瑙莫夫博士补充道,强调了在这一新兴领域建立新标准的必要性。 The image illustrates self-healing molecular crystals—a groundbreaking discovery challenging traditional views of crystalline materials as merely rigid and brittle. The glowing blue hexagonal structure shows one side intact while the other heals visible fractures, symbolizing

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Sleeping Beauty Series, 2023, 37x31x28 cm, unglazed, porcelain, fired at 1280°C by Zsolt József Simon, Ceramicist, Hungary

形态的呼吸:西蒙(Zsolt József Simon)陶艺中的生命意象

Self portrait, Image credit: Szilvia Simon-Nagy 居于边界的存在:陶瓷形态的不息蜕变 匈牙利艺术家佐尔特·约瑟夫·西蒙(Zsolt József Simon)创作的陶瓷雕塑,巧妙地在静态形式中捕捉生命律动。他的作品并非仅是静止不动的物体,而是处于转化过程中的”边界生命”,邀请观者将当下的静态与其动态起源相连接。西蒙通过技艺精湛的创作,塑造出结构坚固却薄如蝉翼的陶瓷墙体,在几何精确性与有机形态之间达成平衡,唤起观者对花卉、海洋生物及地质构造的联想。 这些雕塑作品立足于相似性与抽象性的交汇点,既呼应植物与动物王国的结构,又令人联想到微观世界中的硅藻之美。一种引人入胜的张力贯穿其作品:密集而华丽的外表如同具有保护性的巢穴,逐渐过渡到柔和退缩的内部空间,充满神秘的黑暗。西蒙运用”想象轴心”的概念来协调对立力量:向内的液态流动与向外的锐利光芒相互平衡,同时通过微妙的色彩选择增强作品寓意,白色暗示骨骼,黄色象征植物,灰色则加深神秘感。 西蒙的作品挑战观众在静止之中感知生命的活力,并为积极投入的观者带来源源不断的视觉体验。他的雕塑深入探讨转化与生命本质等深层议题,为静态形式如何承载生命能量提供了哲学上的思考空间。在接下来的访谈中,佐尔特·约瑟夫·西蒙将分享那些赋予他作品生命力的哲学理念、创作过程以及他的美学视角。 Non-Babel series, 2024, 36x36x46 cm, unglazed, porcelain, fired at 1280°C, Image credit: Szilvia Simon-Nagy 问:您的作品中常见一种张力:静止的物体却仿佛蕴含着生命的律动。您如何理解这种动态与静态的共存?答:雕塑作为空间艺术,与音乐或戏剧这类依赖时间推进的艺术形式截然不同。它一旦完成,就处于一种恒定不变的状态,仿佛是某个瞬间的凝固,一种转变被“化石化”的状态。在我看来,它们呈现的是一种“死亡的变化”,不再流动,却承载着曾经的能量与方向。 因此,观众的角色不仅仅是观看者,更是感知的参与者。他们需要主动地穿越那表面的静止,去捕捉作品所蕴含的初始意图与生命感,而这一过程几乎完全依赖于视觉的触觉性。这不是关于投射幻想,而是一种深层的“认知”行为。 我们常常在不自觉中沉浸于作品的形式与色彩之中,仿佛将其“穿戴”在身,随着目光的流转进入它的内部空间。我个人偏好那些暗示“即将发生”的形态,比如含苞待放的花朵,那种紧绷中带着生成感的状态,而非像完美立方体那样的封闭与惰性。这种倾向,相信在我的作品中是可以感受到。 Flying Garden series, 2013, 27x27x21 cm unglazed, porcelain, stain, fired at 1280°C, Image credit: Szilvia Simon-Nagy 问:在您看来,艺术如何回应人们对“有生命”与“无生命”之间的感知?答:我并不认为这两者之间存在真正的鸿沟,而更像是一种持续进行的、尽管是单向的联结。生命体不断地生成、排出、剥落物质,最终转化为非生命的存在。我们的身体每天都会产生毛发、指甲、脱落的皮肤,这些都属于被抛弃的部分。类似地,远古海洋生物的骨骼沉积下来,经过地质演变,形成了今天的石灰岩山脉。生命始终在以各种形式走向固化,走向沉寂。 而人类的特别之处,在于我们拥有不断发展的意识,使我们能够将超越生理需求的能量用于创造,用于推动个人或集体的精神成长。作为艺术家,我们是在这种节奏中工作。一方面是活生生的创作行为,另一方面则是产出一种终将静止、凝固、趋于永恒的“死物”。艺术的实践,本身就是一种节奏感极强的交织,生命与非生命在此并存,在当下的每一次尝试与调整中相互作用。 这并不意味着艺术能赋予死物真实的生命,但在雕塑的领域,我们确实能够通过对材料的组织与形态的构建,将那些原本冷硬、线性、边角分明的矿物质,转化为富有生命感的存在。让它们不再只是物理结构,而是拥有某种节奏、某种情感,甚至某种精神气息的存在体。 这种努力的最高表达,也许可以在古希腊的雕塑中找到答案。那些作品至今仍能唤起我们对生命的感知,不是因为它们在动,而是因为它们以静制动,于不动之中传递出蓬勃、生生不息的张力。 Sleeping Beauty Series, 2023, 37x31x28 cm,

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