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Corail Artefact Illustration by Jérémy Gobé, Artist, Environmentalist, France

杰里米·戈贝(Jérémy Gobé)为珊瑚礁注入新生命

Self portrait, Courtesy: Jérémy Gobé 杰里米·戈贝(Jérémy Gobé)为珊瑚礁注入新生命 杰里米·戈贝(Jérémy Gobé)是一位走在前沿的创新者和视觉艺术家。在过去的十年中,他致力于仿生创作、艺术和公共教育,以拯救全球的珊瑚礁。凭借著敏锐的观察力,杰里米注意到珊瑚礁与传统的法国蕾丝图案(Point d’Esprit)有许多相似之处,尤其是在形状、质地和特征方面。此发现为杰里米的设计找到了新方向,那就是开发珊瑚状的仿生品。他也因此创立了Corail Artefact的计划方案 – 致力于研究、开发和创新 (RDI) 。此方案采用棉花、混凝土和水下工具等生物友好材料。这是基于珊瑚倾向于成簇生长,放置在它们旁边的任何物件都必须与它们相似,以此为珊瑚的再生提供支持。 Corail Artefact, Courtesy: Jérémy Gobé 与此同时,杰里米在法国多处展览了他所创作的3D装置艺术、并举办讲座和演讲,以提高公众意识对珊瑚礁所面临的生存威胁有所警觉。他的不懈努力得到了数家法国公司的支持,例如他和巴黎知名的蕾丝制造商Maison Solstiss一起设计珊瑚礁的仿生品;和LVMH在世界主要城市共同举办展览;并与Coraïbes合作,在加勒比海瓜德罗普岛的一个室外海水水族馆测试他所设计的珊瑚礁仿生品 。 希望下面对杰里米的采访能激发你从大自然中汲取灵感,并采取积极行动,拯救这个美丽的星球。 Self portrait, Courtesy: Jérémy Gobé 问:你一直站在最前沿,将艺术与环保联系起来。请向我们的读者介绍你的培训和创作主旨。答:我叫杰里米·戈贝(Jérémy Gobé),我是一名视觉艺术家,我的作品围绕著传播、生态、 知识和当代创作等议题展开。 问: 在你看来,我们这个星球上最令人担忧的环境生态问题是什么?答: 我认为最大的环境生态问题是社会上所有参与者之间,缺乏沟通和共同决策的平台。我特别致力于珊瑚的保护和再生,因为它是我们在地球上,必不可少的物种,也因为它是一个象征。每个人心中都有一个珊瑚的形象,我希望这个符号可以将每个人聚集在一起,一起为我们的星球和我们的未来,采取行动,提供有助于自然和美好社会的解决方案。 Self portrait, Courtesy: Jérémy Gobé 问: 你在世界主要城市展出过艺术作品。请与我们分享你的一些展览,尤其是你与L’institut des Métiers d’Excellence LVMH合作的展览 。答:我曾和移民工匠,以及LVMH合作展出。我过去的展览地点包括法国的Palais de Tokyo、CENTQUATRE-Paris、Bullukian Foundation等地和国际的迈阿密巴斯博物馆(Bass Museum in Miami)、杭州中国博物馆、上海余德耀美术馆等地。(请参阅我的网站上的简历www.jeremygobe.info。) 问:你的灵感来源是什么,你是如何将它转化为艺术?答:我最大的灵感来源是大自然,同时我也受到科技的启发,那就是人们所做的改变甚至创新。我们在这两个元素中找到了一个完整的系统,一种允许它们发展的语言,最终是这些语言激发了我的艺术作品,但也是我尝试创造的新语言。 问:有没有一次改变人生的经历对你的艺术生涯产生了重大影响?如果有,那是什么?答: […]

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Sensory neurons (3D imaging of cleared dorsal root ganglia that were transduced with adeno associated viral particles expressing green fluorescent protein) by Dr. Andrea Tedeschi, Assistant Professor at the Ohio State University, Wexner Medical Center. USA

Dr. Andrea Tedeschi博士的获奖图片有助于开发改善人们神经功能的新疗法

Self portrait, Courtesy: Dr. Andrea Tedeschi Dr. Andrea Tedeschi博士的获奖图片有助于开发改善人们神经功能的新疗法 我们非常荣幸能够采访美国俄亥俄州立大学韦克斯纳医学中心助理教授Dr. Andrea Tedeschi博士。他的成年小鼠大脑的3D脉管系统图像是2021年尼康小世界显微摄影大赛的获奖者。 Dr. Andrea Tedeschi的研究专注于哺乳动物中枢神经系统中的复杂神经通路功能及修复。 这张图片很好地帮助他了解血流变化如何影响神经退行性疾病的发展或中风、大脑和脊髓损伤后的主要功能恢复。最近,Dr. Tedeschi博士发现了一种使用加巴喷丁类药物使用的新疗法,有助于成年小鼠脊髓损伤后的轴突生长和再生。 Book cover of The Beautiful Brain: The Drawings of Santiago Ramon y Cajal by Larry W. Swanson, Eric Newman, Alfonso Araque, Janet M. Dubinsky, Courtesy: Dr. Andrea Tedeschi 问:恭喜你赢得2021年尼康小世界显微摄影大赛。请与我们分享你的背景和对显微图像的兴趣。 答:我从小就对自然世界充满著热情和兴趣,它是我的灵感来源。我在Guido Cantelli音乐学院(位在意大利的诺瓦拉)学习小提琴,后来在因苏布里亚大学(Insubria University,位在意大利的瓦雷泽)学习生物学和生物技术。多年来,我对显微镜的兴趣不断地增加和延伸。 作为图宾根大学(University of Tuebingen,位在德国)的神经科学研究生,我爱上了神经系统的美丽复杂性。在那里,我会花上无数个小时对来自在神经元子集(PMID:11086982)中表达绿色荧光蛋白的转基因小鼠的大脑和脊髓样本,进行成像。 2009年获得博士学位后,我在波士顿儿童医院 – 哈佛医学院(美国波士顿)和德国神经退行性疾​​病中心(DZNE,位在德国波恩)进行博士后培训。

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"Feed your brain" book cover by Dr. Delia McCabe, Psychologist, Nutritional Neuroscientist, Diet Consultant, Australia

滋养你的大脑 – Dr. Delia McCabe博士所撰写有关食物的书,《Feed Your Brain》和 《Feed Your Brain Cookbook》

Self portrait, Courtesy: Dr. Delia McCabe 滋养你的大脑 – Dr. Delia McCabe博士所撰写有关食物的书,《Feed Your Brain》和 《Feed Your Brain Cookbook》 我很高兴能够采访迪莉娅.麦凯布博士(Dr. Delia McCabe), (她是《Feed Your Brain》和《Feed Your Brain Cookbook》两书的作者)。在以下的访谈中,她坦率地提供了有关食物选择的详实建议。迪莉娅在攻读博士学位时,专门研究特定营养素对女性压力的影响。《Feed Your Brain》这本书是她基于过去20年来长期研究食物如何影响人类大脑 – 以致影响行为、情绪和记忆。这本书适合儿童和成人。 Spicy warm lentil, apricot and pine nut salad, Courtesy: Dr. Delia McCabe 我首先向迪莉娅寻问的是为什么她在所有人体器官中单独挑出大脑来做研究。根据迪莉娅的说法,尽管大脑仅占人体重量的2%,但它使用了人体心脏20%的血液输出和25%的呼吸氧气;大脑是一个活跃且须求甚多的器官。当它没有得到很好的滋养时,整个身体都会受到损害。此外,大脑需要很长一段时间才会出现问题。一旦出现问题,就很难解决。 《Feed Your Brain》也旨在消除维他命的神话。迪莉娅认为维他命应该针对身体某部份的营养不足而作补充。她的书则提倡预防方法,因为食物的质量直接影响大脑。我们的饮食应该富含纤维,以保护我们的肠道。一旦肠道内壁受损,就会引起炎症,而废物化合物会逆流而上影响大脑。因此,肠道对我们大脑的健康极为重要。我们需要注意我们吃的食物。 Apricot and almond white chocolate ‘bark’, Courtesy: Dr. Delia

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"A New Dawn" by Wu Lan-Chiann, painter, artist, Taiwan, USA

專訪當代水墨畫家吳嵐倩:為世人照亮明路的「珍貴之光」

Wu Lan-Chiann in Studio, Courtesy: Wu Lan-Chiann 專訪當代水墨畫家吳嵐倩:為世人照亮明路的「珍貴之光」 吳嵐倩女士的水墨畫如夢似幻、意境深遠,溫柔裡帶著堅韌,淡泊中帶著濃郁的情感和詩意。她的畫作展現了中國水墨畫的精髓,也融入了西方立體畫的技法。吳女士的畫風獨特,訴說了她在塵世中所憧憬的世界,既纯淨且迷人。她的畫充滿了意象,並能喚起人們心中掩埋已久的那塊淨土。吳女士在當代的水墨畫壇中佔有重要地位。她的畫作,也因此被世界各地的藝術愛好著和一些博物館所珍藏。 “Lantern Festival I”, Courtesy: Wu Lan-Chiann 吳嵐倩出生於台灣,就讀於台北中國文化大學,之後在美國的纽约大學進修。經過了中西文化的洗禮,並且精通了中西繪畫的技巧,她的畫作表現出一位創作者對人生的深刻體驗:她用心地傾聽著內心,仔細地觀察著世界,意識到不論是來自於西方或是東方,我們都是肉軀之身,都經歷同樣過程,最後生老病死,無可倖免。但是人類的韌性、智慧及愛心卻能帶領我們超越世俗的牽絆,給了我們一起創造一個和諧世界的希望。吳嵐倩的「珍貴之光」系列(Precious Light Series),代表著她對人生的這份領悟,對人類的同理心,再加上個人對童年的一些缅懐以及對人世的願景。 我們很榮幸能採訪到吳女士,她洞悉人生的智慧話語,以及雋永的畫作,是那麼地深植人心。希望以下的訪談也能為你點亮一盞明燈。 “Impromptu Concert”, Courtesy: Wu Lan-Chiann 問:你的水墨畫在東西方都獲得了極高的評價。請與我們分享一下,是甚麼樣的背景和藝術訓練,使你成為如此傑出的當代水墨畫家。答:從我有記憶以來, 我就知道我想成為一名藝術家。大約在 9 歲的時候,我的父母送給了我一套國際博物館繪畫目錄時,我的世界頓時豁然開朗。這些圖像美得令人窒息…當下我就下定決心要找到我們家能負擔得起的最好的老師來學習繪畫。我十二歲參加水彩比賽,先嬴得市級,然後嬴得省級,最後獲得全國水彩比賽第二名。我獲得了台北市長的嘉獎,而這個光榮也讓我取得了在金華女中美術班就讀的名額。為了去這所學校上課,我做了很多犧牲,我每天步行二十分鐘,然後坐一小時火車,再坐半小時公交車到學校。每天來回四個小時,我就是這麼堅決地要成為一位藝術家! 我在台北中國文化大學學習水墨畫。當時雖然很多人鼓勵我追求觀念藝術,但我卻被傳統的水墨畫所吸引。我通過臨摹台北故宮博物院收藏的傑作來學習。這個學習方法的理念是:除了學習到繪畫技巧外,你還需要用靈魂去吸收這些傑作的精髓——這點我當然做到了!此外,還有幾位優秀的老師教導我,像是最知名的歐豪年,他是嶺南畫派的在世大師,嶺南畫派是中國現代水墨畫的一個重要藝術革新運動。 接著,在紐約大學,我接觸了西方藝術,並探索了油畫和壓克力畫。我師從Arnold Mesches(1923-2016),他是一位對藝術創作非常熱情而且有感染力的藝術家。在紐約學習藝術,完善了我的藝術形成,讓我有機會進一步發展結合東西方繪畫精華的表達方式。畢業後,我回到了水墨畫領域,並開始塑造更加個人化的風格。墨和紙讓我能夠以最完善的程度來表達我獨特的藝術創作,也讓我能夠在畫作裏注入深刻的意義。我將我的作品視作詩歌一般,像詩歌一樣,往往具有超越文字之美的深刻涵義。 “Precious Light”, Courtesy: Wu Lan-Chiann 問:你的「珍貴之光」系列(Precious Light Series),似乎反映了一個充滿夢想和深刻記憶的世界。請告訴我們是什麼促使你開啓這個系列,並與我們分享它背後的一些故事。答:我開始「珍貴之光」(Precious Light Series)系列是因為我有興趣在畫作中表達出全世界人類共通的主題和價值觀。在我的作品中,我使用這個想法轉化並創造成我想像中的現實世界—一個聯結過去與現在並跨越不同文化的現實世界 。我們都面臨同樣的問題:我們為什麼在這裏以及我們的生活目的是什麼?人類的智力和情感深度是一個取之不盡的資源,例如我們出生即存有的內在力量。這種力量幫助我們克服個體或是全體人類所面臨的許多挑戰。而這種人類先天固有的內在力量使我深深地為它著迷。 每個人都以屬於自我的方式去體驗他們的生命,但是,我們有時會面臨到艱困的時刻,例如:親人的去世。在那個當下,我和其他人所面對的苦痛並沒有任何不同,然而,我透過繪畫來直面我的掙扎。在我的創作中,我有意識的聯繫情感和空間的關係。在我的「珍貴之光」系列中,我反覆地使用光,即使有時只是微光,都是對人性堅韌的隱喻:我們內在的愛、希望和力量。 我的畫作「反思過往」Reflections of the Past(1999)和「珍貴之光」Precious Light (2012)就是很好的例子。堅韌是這些畫作的中心主題。這是我們所有人共有且是與生俱來的力量,它幫助我們度過人生中的艱難階段。Reflections of the Past的靈感來自日本的夏季紀念節,稱為盂蘭盆節(O-Bon)。 盂蘭盆節每年都會提醒我們家庭關係的重要性,尊重我們的先祖,以及我們共同生活過的短暫和寶貴的時光。日本人通過漂浮在水上的紙燈籠迎接已故親人的靈魂回家。我敏銳地意識到,每個人的靈魂深處都帶著對逝去愛人的記憶,就像珍貴的發光燈。「珍貴之光」Precious Light這幅畫就是一個好例子。雖然盂蘭盆節是對逝者的集體致敬,但「珍貴之光」Precious Light中孤獨的小男孩則表達了我的信念,即每個人都以非常個人的方式處理自己的記憶,而在這幅畫中,意境尤其淒美。

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Agatized Dinosaur Bone by Norm Barker, Photographer, Micrographist, Professor at Johns Hopkins University, USA

科学影像之美

Self portrait, Courtesy: Norm Barker 科学影像之美 我们很荣幸能够与美国约翰霍普金斯大学医学院的病理学摄影和图形艺术实验室主任,诺姆.巴克教授(Professor Norm Barker)交谈 。巴克教授对显微镜下的自然之美有著敏锐的洞察力。他拍摄的图像范围广泛,其中包括从十亿年前的化石到人体内的细胞。他的图像为50多本教科书所使用,并在多家杂志上发表过,而且还被史密森尼博物馆、乔治伊士曼故居博物馆、美国自然历史博物馆、纳尔逊-阿特金斯博物馆和伦敦科学博物馆在内的四十多家博物馆永久收藏。 It was found in the Morrison Formation, where dinosaur remains are prevalent. The age of this geologic formation corresponds to that of the middle part of the dinosaur period, the Jurassic, when there were no other very large animals. Finally, the bone itself is five

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Edgware by Ed Fairburn, artist, cartographer, England

埃德·费尔伯恩 (Ed Fairburn)的“拓扑点画” – 地形图+肖像画

Self portrait, Courtesy: Ed Fairburn 埃德·费尔伯恩 (Ed Fairburn)的“拓扑点画” – 地形图+肖像画 我们对一个地方的归属感来自我们对该地方的联结以及情感上的认同。埃德·费尔伯恩 (Ed Fairburn)的艺术性将这种抽象的联系变得更为明确。通过描绘地图的轮廓,埃德巧妙地将道路、河流和地形与人物肖像融合在一起,提醒了我们与周遭环境的关系,尤其是在情感上;我们是谁,我们属于哪里。 Denver Southbound, Courtesy: Ed Fairburn 埃德使用传统的“墨水和铅笔”来重建原始地图,并且通过绘制肖像细节来改造地图。由于对地图的详细研究以及深刻地掌握了人物的表情,埃德无缝地使用地图来“锚定”人物的归属感。他的艺术创作涵盖了地形和点彩(从特写点到远处的二维图像),具有惊人的视觉效果。每张脸都无可比拟,不但没有被地图所混淆,反而是与其共存并且给人一种身临其境的感觉。 我们很高兴能够采访彻底改变制图和肖像画的埃德。希望下面的对话能帮助你了解他的非凡作品和“拓扑点画”的定义。 Boston, Courtesy: Ed Fairburn 问:你的作品是如此的与众不同;将两种不同的创作类型组合成独特的艺术展现。请告诉我们你的艺术训练和背景。答:我来自一个与绘画有关的背景,曾在卡迪夫艺术与设计学院学习插画。我选择这门课程主要只是想画画。我在卡迪夫的那段时间,插图是一门非常开放的课程 —  作为学生,我们有很大的自由度去探索自己的兴趣,并且寻求突破插图的真正意义。大多数的时候只是直接绘画,但是我也深深地受到了学习美术朋友的影响,这是学校的平行课程。我们经常共享同一间工作室,创造了一个美妙的学习环境。 问:请和我们分享你为什么以及如何开始制作带有肖像的地图。答:基本上,我开始使用地图是想延续我在艺术学校的最后项目。在课程即将结束时,我对事物的背景特别感兴趣,并以不同的方式研究各种看似普通的构造 — 例如,我最后一年的主要项目之一涉及邮政艺术 — 将信封的外部变成艺术品。自我十几岁起,便在放学后花几个小时画画,我一直很喜欢肖像画,所以画人物(现在仍然是)变成我所有作品的中心主题。从艺术学校毕业约六个月后,我碰巧从一家慈善商店买了一张旧的路线图(我总是收集零碎的物件,所以这本身并不罕见)— 当时我仍然对事物的背景有兴趣,并且喜欢“探索”不寻常的表面。我记得有一天看著地图,想知道是否可以按照一组规则插入我自己的图像。制图本质上已经是一套显示各种信息的规则,因此当我将自己的图像集画入到地图中时,我实际上是在添加自己的一套规则,从而补充了地图的视觉语言。结果是人与风景的和谐共存 — 无论是美学上还是象征上的表现。顺便说一句,我买的第一张地图只花了20便士 — 我认为这是我做过的最好投资。它让我能够从事自己喜欢的工作。我也不认为我会停止使用地图 — 我探索得越多,我就越想探索。 Guatemala, Courtesy: Ed Fairburn, artist 问:肖像的主体和地图中的地点有关系吗?例如,主题是否来自地图中描绘的区域?答:很多时候,是 — 但并非总是如此。我从真实的地方画真实的人。但是特定主题与地方的选择和配对,通常只对委托作品的人重要,或著我试图在主题之外,阐述我个人的想法。 问: 什么是“拓扑点画”?你如何在作品中应用这种技术?答:“拓扑点画”,Topopointillism,是我创造的一个术语,用于描述我的许多作品中的距离/感知关系 — 特别是使用等高线地图的作品,其中我使用一种手调的半色调来跟踪海拔线。简而言之,“拓扑点画” 将地形和点彩主义直接组合。像任何一种点彩画一样,观众对主题的看法,会根据作品的观察距离而改变 — 从近距离看,作品是一堆乱七八糟的图案:但是从远处看,这些图案确能形成一个主题。在我的作品中,从近距离,观察者不太可能看到肖像,但会看到地图的细节。从远处看,正好相反。 Lake

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By Kim Keever, Artist, Photographer, USA

金.基弗(Kim Keever)色彩缤纷的水中画作

Self portrait, Courtesy: Kim Keever 金.基弗(Kim Keever)色彩缤纷的水中画作 色彩缤纷如天鹅绒般的云彩,既炫丽又神秘,这些图像是由前美国宇航局工程师转为艺术家,金.基弗(Kim Keever)所创作。他将彩色颜料注入200加仑的水族箱内,当颜料遇到水时,会形成令人惊叹的壮观景象。随著颜料的扩散,金.基弗用延时镜头拍下这些瞬间的变化。 Courtesy: Kim Keever 金.基弗所设计的水景氛围有著迷人的渲染力,特别是当各种颜料交会时,创造出惊人的多维深度效果。层层的色彩,让人目睹一场又一场的华丽表演。在幕后, 金.基弗必须执行非常精确的程序,包括将颜料释放到水箱内的数量和时间,以创造他想要的效果。 金.基弗从事水中作画已超过二十年。这期间,他的多张佳作为他赢得了国际赞誉。他的每一张图像都是独一无二,这也是为什么他的作品向来为艺术爱好者所追捧。 我们很高兴能够与金.基弗交谈并了解他的独特艺术创作。我们希望你喜欢以下的对话: Courtesy: Kim Keever 问: 你的艺术创作非常华丽。请和我们分享你如何制作出如此生动的作品。答: 谢谢你。我爱美,我一直在寻找美,同时尽量避免多愁善感。 在获得学士学位后,我继续研究工程。我最初的计划是成为一名成功的工程师,退休后从事艺术创作。但是当我意识到生命并不像我想像得那么长时,我放弃了一切,成为了一名全职的艺术家。我很高兴做了那个决定,我很幸运能够实现梦想并从事我喜欢的艺术创作。 Courtesy: Kim Keever 问: 请与我们分享你所使用的摄影技术和设备。答: 我不断地改变我的技巧,将油漆放入水中并引导它朝著某些方向前进。也就是说,一旦它离开我的可挤压油漆瓶后,它就会自行其是。目前,我正在将透明织物放入水箱中,令我惊讶的是,它以有趣的方式流动。我可以在一定程度上设计整个过程,但几秒钟后随机图案和颜色就会接管。当我将颜料放入水中时,我会在织物前后看到有趣的图案。这一切都在一个200加仑的水族箱中完成。 问: 你对色彩的理念是什么?你如何在创作中运用色彩?答: 我准备了大量可供选择的颜料。我通常不会考虑任何特定的颜色组合,直到最后一分钟。有时我使用更多的颜色,但是当我使用的颜色越多,我就越不能预测结果。颜色也会随机移动,最终我有很多图像可供选择。我会为每次的操作,拍上30到60张照片。目前我最多可以拍摄近58,000次。可以想像,这需要很多的手续去完成一件作品。 Courtesy: Kim Keever 问: 当你创作作品时,你在寻找什么:气氛、美学或是情感的视觉表达,还是别的?答: 大多数的时候,我不能说我在寻找任何特定的目标。我开始这个过程,让一切按照它的方式进行。油漆以一定的速度流动,所以我真的没有足够的时间拍摄特定的照片。有些时候,我可以看到一些有趣的事情正在发生,所以我拍了更多的照片。 只有在拍摄之后,当我浏览图像时,我才开始寻找氛围、美感等。每张图片都具有某些品质,这就是我所寻找的。 Courtesy: Kim Keever 问: 除了抽象作品外,你还创造了风景和实体方面的作品。请和我们分享更多关于这些作品的信息,以及它们与你的抽像作品有何不同。答: 多年来,我一直在水族箱中制作景观作品。这些更符合计划项目的性质。我会画一幅风景画,然后在水箱中松散地复制它。我会在这个特定的景观上工作数个月,有时长达5或6个月,在此过程中进行各种改进。这是一种非常不同的工作方式,显然在性质上更加具体。水箱里的水给了我一定的氛围,在水中放入了油漆,产生了云般的效果是一个很好的代表。正是将颜料滴入水中后,让我产生了将其做为创作方向的主要想法。 Courtesy: Kim Keever 问: 根据多年在水中试验颜料的经验,你观察到了什么,尤其是这些颜料的旋转和移动方式?答: 实际上,我已经尝试过几乎所有溶于水的材料。油不会和水混合,而且需要大量的精力和时间去清理。除了墨水,我主要使用彩色油漆颜料。墨水倾向于提供美丽的透明度,并且能与其他颜色的固体形式形成对比。实体形式往往非常立体,我一直在寻找以前从未见过的有趣形状。就像观赏云一样。大多数的云具有非常典型的外观,但是当你偶尔抬头,会看到令人难以置信的抽像或熟悉的形式。说到熟悉的形式,我在自己的作品中看到了很多人物,我的朋友们总是向我指出他们。 问: 是否有任何艺术家或文学作品启发了你的作品?答: 我一直受到Cindy Sherman作品的启发。她持续地探索肖像画的不同变化。我的另一个灵感来源则是毕加索。他做过很多尝试,使用了很多不同的材料。我以为我可以赶上他……也许这似乎是一个过于崇高的目标,但是我很喜欢米开朗基罗的一句话,“不是你把目标定得太高,而是你把目标定得太低,去实现它们。”换句话说,大多数人一旦达到某个点就会停止尝试。

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"Awakening Emotional" by Yuan-te Wang, Ceramic Artist, Taiwan

王元德精彩絕崙的陶瓷藝術

法藍瓷2020/2021光點未來奬的首獎 王元德的高溫瓷新彩近作,有著精心設計的顏色組合及獨特的造型感,將材質、技術與藝術高度地相結合,並充份地體現了人類與大自然之間共律共存的內涵,在陶瓷藝術的表現上邁進了新境界。 “Awakening Emotional”, Courtesy: Yuan-te Wang 這件作品(惟心)最近獲得了法藍瓷(FRANZ RSP)光點計畫所遴選的光點未來奬(2020/2021 Rising Star Future Prize)的首獎。此獎是由14位來自英國、法國、德國、義大利、西班牙、北愛爾蘭、韓國、中國大陸與台灣等國際評審線上所評選。他的作品從來自29個國家地區的申請者、繳交總計691件申請的作品中脫穎而出。根據王元德,他的這件得獎作品的理念如下: “Awakening Emotional”, Courtesy: Yuan-te Wang “在東方文化中,我們尊重自然的變化,遵守自然規律。幾千年來, 人們一直在尋求與自然力量保持平衡和共存的方式。 我試圖將這樣的精神溶入的陶瓷創作中,[不是絕對的控制],而是在可控與不可控之間的探求與呈現出微妙平衡及探索必然的規律。” 以上的得獎作品和文字敘述展現了一位技藝超凡並對大自然有著深厚理解的藝術家。王元德的藝術養成是經過20多年來對雕塑技巧的精進,出口禮品產業的經驗,並深受歐美人士對美感的勳陶,以及日後對中醫的鑽研,造就了今天的他。我們很榮幸能與大家分享他在陶藝道路上的養成經驗: 在高中時期,王元德主修雕塑和陶瓷,本想走上純藝術的道路,然而懷疑若從年輕時便整日埋首於創作,只是不停地在消耗有限的美學基礎教育與技術和觀念,再加上缺乏人生歷練,恐怕會讓作品流於形式,或淪為為賦新詞強說愁般的矯情。 Courtesy: Yuan-te Wang Courtesy: Yuan-te Wang 意識到調整的必要性,王元德在畢業後決定放下創作者的目標。先去從事原型雕塑的工作並成立個人工作室幾年,隨後分別進入工廠及貿易公司擔任產品設計師,再轉換跑道至禮品進出口業務。 17多年來的工作中,也接觸歐、美、亞禮品展秀,王元德的視野因此变為開闊。最後7年,轉作貿易業務,王元德在中國大陸十多省裡的鄉鎮縣市中,尋找適合的工廠外貿公司,合作產品開發與出口,也因此接觸到不同形形色色的人、事、地、物。 王元德從前期的雕塑、產品設計中培養了美學的專業能力。後期則在完全沒有貿易能力下,轉做業務工作。他透過臺灣空中大學與專業書籍,吸收基礎的關稅、 物流等相關經貿知識。這期間他體會了隔行如隔山的壓力。一年的學習,從開始逐漸適應到熟悉,過程辛苦,但也獲益匪淺。 Tea cup, Courtesy: Yuan-te Wang 離開貿易工作後的另一個插曲: 因過去受中國德化配合廠的邀請,王元德花了一年左右的時間協助其開發內銷市場。這無疑是過去所沒有的另一個新鮮的挑戰。王元德邀請一位認識多年並對東方藝術有著深厚底蘊的好友,一起從產品設計,生產管理,然後到廈門成立品牌店銷售。最後吸引了一家國營單位注資合併成為另一個品牌。這時王元德也開始逐步退出。 Courtesy: Yuan-te Wang 在結束過去被工作填滿的歲月後,王元德開始從新學習生活。 也對過去因長年在外地,不曾好好陪伴的6歲女兒感到抱歉,王元德籍此次機會,陪她渡過重要的童年時光。 做奶爸的這段期間,在好友的推薦下,王元德開始學習中醫如東漢末年的傷寒雜病論、黃帝內經等,以此切入來瞭解東方文化。另一方面在家裏規劃了一個小小的空間當工作室。 Courtesy: Yuan-te Wang 這時他開始対雕塑陶瓷的想法,由外往內做了180度地轉變。從原本針對客戶需求及市場動態、進行大量的資訊分析後所歸納的產品設計, 王元德轉為向內心探索以及體現不同價值觀念的創作表現。 最初在在創作摸索時,因之前在出口業務工作時的感悟,王元德一直體會到台灣傳統廠商在沒有天然資源下,難有競爭的優勢,因此促使他嘗試如何在有限的條件下,發揮出最大的價值。 王元德選擇白瓷,是給自己下的挑戰。一方面思索著如何從普遍平價感的白瓷器皿,透過不同的美感工藝詮釋,將其提升到精神性的美感經驗。另一方面則是希望能夠逐步卸下過往的設計經驗與包袱。盡可能地歸零後,再重新喚起內心創作應該有的敏銳度,追求一種純粹下的極致。 White porcelain

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Trichome (white appendages) and stomata (purple pores) on a southern live oak leaf by Jason Kirk, Micrographist, Photographer, USA

Jason Kirk显微镜下的美丽世界

2021年尼康小世界显微摄影比赛的获胜者 Self portrait, Courtesy: Jason Kirk 能够采访杰森.柯克(Jason Kirk),2021年尼康小世界显微摄影大赛的获胜者,我们感到非常荣幸。 杰森是美国著名贝勒医学院(Baylor College of Medicine)附属的光学成像和重要显微镜核心设施主任。他的“南方活橡树叶上的毛状体(白色附属物)和气孔(紫色毛孔)”, 获得了第1名,而他的另一幅图像“小鼠视网膜的血管系统”,在同一比赛中获得了第11名。 对于他的“南方活橡树叶上的毛状体(白色附属物)和气孔(紫色毛孔)”图像,他使用了60倍的放大倍数,并且堆叠了200多个不同的图像,以深入查看橡树叶内的构造。该图像显示了三种不同的结构:气孔(紫色)、毛状体(白色)和叶脉(蓝色)。这张图片明确地显示,一片简单的橡树叶却包含了不寻常的美和复杂性。 Trichome (white appendages) and stomata (purple pores) on a southern live oak leaf, Courtesy: Jason Kirk 通过探索自然界中非常微小而且重要的结构,杰森一直在创造令人惊叹的图像。这些图像不仅提供了超凡的视觉效果,而且唤起了人们的好奇心,更不用说鼓励人们对这些促进生命的结构做进一步研究。 在接下来的谈话中,杰森与我们分享了他如何成为杰出的显微摄影师以及他的一些获奖照片的背后故事。我们希望它能激发你更多地了解在显微镜下所看到的结构美感和重要功能。 问: 祝贺你的图像在2021年尼康小世界显微摄影大赛中获得冠军。请和我们分享你是如何成为如此出色的显微摄影师。 答: 我开始对显微镜产生兴趣,完全是出于偶然。那时,大约90年代中期,我在缅因大学读书。暑假时,我去哥斯达黎加研究爬虫。这段期间,我爱上了摄影。回到家后,我花了很多时间学习如何成为一名摄影师,最终加入了我们校报的工作群。为了发布照片,我们必须迅速和有效。暗房对我们来说很重要,而校报只有一间暗房。我的生物系导师泰勒博士(Dr. Seth Tyler)有一间暗室,是为他的电子显微镜设备所设置。为了换取工作助学,他同意让我在暗室的空暇时使用。 正是在这个实验室中,我看到了第一台连接到电脑并且带有数码相机的显微镜。这项技术当时令我相当地兴奋,我想了解更多有关它的功用。于是,泰勒博士建议我参加他为研究生所开的电子显微镜课程,在那里我学习了基本的光学显微镜和电子显微镜。 1999年完成大学课程后,我利用这段经历找到了一份工作,那就是在马萨诸塞州伍兹霍尔(Woods Hole, MA)的海洋生物实验室(Marine Biological Laboratories)。我花了半年时间为Carl Zeiss工作,为MBL每年举办的暑期课程提供种类繁多的光学显微镜。这是我第一次开始使用并且至今仍在使用的荧光和共聚焦技术的场所。 我在MBL的经历开启了我的显微镜职业生涯。之后,我在康涅狄格大学健康科学中心(University of Connecticut Health Science Center)工作了四年,负责CBIT显微镜设施(CBIT Microscopy Facility)的日常运营。在Leslie Loew博士和Ann Cowan博士的指导下,我学到了大量关于细胞生物学、荧光技术和共聚焦/多光子显微镜的知识。UCHC之后,我在Carl

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